【ブライアン・ウィルソン】英語版ウィキペディアを日本語で読む【Brian Wilson】
Brian Douglas Wilson (born June 20, 1942) is an American musician, singer, songwriter, and record producer who co-founded the Beach Boys.
ブライアン・ダグラス・ウィルソン（1942年6月20日生まれ）は、アメリカのミュージシャン、シンガー、ソングライター、レコードプロデューサーで、ビーチボーイズを共同設立した人物である。
Often called a genius for his novel approaches to pop composition, extraordinary musical aptitude, and mastery of recording techniques, he is widely acknowledged as one of the most innovative and significant songwriters of the 20th century.
ポップス作曲への斬新なアプローチ、並外れた音楽的才能、録音技術の習得からしばしば天才と呼ばれ、20世紀で最も革新的で重要なソングライターの一人として広く認知されている。
His best-known work is distinguished for its high production values, complex harmonies and orchestrations, layered vocals, and introspective or ingenuous themes.
彼の最もよく知られた作品は、高いプロダクション価値、複雑なハーモニーとオーケストレーション、幾重にも重なったボーカル、内省的または独創的なテーマで際立っている。
Wilson is also known for his formerly high-ranged singing and for his lifelong struggles with mental illness.
また、かつて高音域で歌っていたことや、生涯にわたって精神疾患と闘っていたことでも知られている。
Raised in Hawthorne, California, Wilson's formative influences included George Gershwin, the Four Freshmen, Phil Spector, and Burt Bacharach.
カリフォルニア州ホーソンで育ったウィルソンは、ジョージ・ガーシュウィン、フォー・フレッシュメン、フィル・スペクター、バート・バカラックなどの影響を受けて育った。
In 1961, he began his professional career as a member of the Beach Boys, serving as the band's songwriter, producer, co-lead vocalist, bassist, keyboardist, and de facto leader.
1961年、ビーチ・ボーイズのメンバーとしてプロとしてのキャリアをスタートさせ、バンドのソングライター、プロデューサー、共同リードボーカル、ベーシスト、キーボーディスト、そして事実上のリーダーとして活躍する。
After signing with Capitol Records in 1962, he became the first pop artist credited for writing, arranging, producing, and performing his own material.
1962年にキャピトル・レコードと契約し、作曲、編曲、プロデュース、演奏を手がけた最初のポップ・アーティストとなった。
He also produced other acts, most notably the Honeys and American Spring.
また、ハニーズやアメリカン・スプリングなど、他のアーティストもプロデュースした。
By the mid-1960s, he had written or co-written more than two dozen U.S.
1960年代半ばまでに、彼は20曲以上の全米トップ40ヒットを作詞または共作している。
Top 40 hits, including the number-ones "Surf City" (1963), "I Get Around" (1964), "Help Me, Rhonda" (1965), and "Good Vibrations" (1966).
サーフ・シティ」（1963年）、「アイ・ゲット・アラウンド」（1964年）、「ヘルプ・ミー・ロンダ」（1965年）、「グッド・ヴァイブレーション」（1966年）などのナンバーワン・ヒットを含む、20曲以上の全米トップ40ヒットを作曲または共作している。
He is considered among the first music producer auteurs and the first rock producers to apply the studio as an instrument.
彼は最初の音楽プロデューサーの作家の一人とされ、スタジオを楽器として応用した最初のロック・プロデューサーとされている。
In 1964, Wilson had a nervous breakdown and resigned from regular concert touring, which led to more refined work, such as the Beach Boys' Pet Sounds and his first credited solo release, "Caroline, No" (both 1966), as well as the unfinished album Smile.
1964年、ウィルソンは神経衰弱に陥り、定期的なコンサート・ツアーを辞めた。このため、ビーチ・ボーイズの『ペット・サウンズ』や、初めてクレジットされたソロ作『キャロライン、ノー』（ともに1966年）などのより洗練された作品、また、未完のアルバム『スマイル』を発表することになった。
As he declined professionally and psychologically in the late 1960s, his contributions to the band diminished, and legends grew around his lifestyle of seclusion, overeating, and drug abuse.
1960年代後半、プロとして、また精神的に衰えた彼は、バンドへの貢献度も下がり、隠遁、過食、薬物乱用といった彼のライフスタイルにまつわる伝説も増えていった。
His first comeback, divisive among fans, yielded the would-be solo effort The Beach Boys Love You (1977).
最初のカムバックはファンの間で賛否両論だったが、ソロ作品となる『The Beach Boys Love You』（1977年）を発表した。
In the 1980s, he formed a controversial creative and business partnership with his psychologist, Eugene Landy, and relaunched his solo career with the album Brian Wilson (1988).
1980年代には、心理学者のユージン・ランディと創作とビジネスの面で物議を醸すパートナーシップを結び、アルバム『ブライアン・ウィルソン』（1988）でソロ・キャリアを再開させる。
Wilson disassociated from Landy in 1991.
1991年、ランディとの関係を断つ。
Since 1999, he has toured regularly as a solo artist.
1999年からは、ソロ・アーティストとして定期的にツアーを行っている。
Heralding popular music's recognition as an art form, Wilson's accomplishments as a producer helped initiate an era of unprecedented creative autonomy for label-signed acts.
プロデューサーとしてのウィルソンの功績は、ポピュラー音楽が芸術の一形態として認識されるきっかけとなり、レーベル契約アーティストがかつてないほど創造的な自律性を発揮する時代の到来を促した。
The youth zeitgeist of the 1960s is commonly associated with his early songs, and he is regarded as an important figure to many music genres and movements, including the California sound, art pop, psychedelia, chamber pop, progressive music, punk, outsider, and sunshine pop.
また、カリフォルニア・サウンド、アート・ポップ、サイケデリア、チェンバー・ポップ、プログレッシブ・ミュージック、パンク、アウトサイダー、サンシャイン・ポップなど、多くの音楽ジャンルやムーブメントにとって重要な人物であるとみなされている。
Since the 1980s, his influence has extended to styles such as post-punk, indie rock, emo, dream pop, Shibuya-kei, and chillwave.
1980年代以降は、ポストパンク、インディーロック、エモ、ドリームポップ、渋谷系、チルウェイヴなどのスタイルにも影響を及ぼしている。
Wilson's accolades include numerous industry awards, inductions into multiple music halls of fame, and entries on several "greatest of all time" critics' rankings.
ウィルソンの功績は、数々の業界賞、音楽の殿堂入り、批評家による「史上最高」のランキング入りなどである。
His life was dramatized in the 2014 biopic Love & Mercy.
彼の人生は、2014年の伝記映画『ラブ＆マーシー』でドラマ化された。
Life and career（生涯とキャリア）
1942–1961: Background and musical training（経歴と音楽的トレーニング）
Childhood（幼少期）
Brian Douglas Wilson was born on June 20, 1942, at Centinela Hospital in Inglewood, California, the first child of Audree Neva (née Korthof) and Murry Wilson, a machinist and later a part-time songwriter.
ブライアン・ダグラス・ウィルソンは1942年6月20日、カリフォルニア州イングルウッドのセンチネラ病院で、機械工で後にパートタイム・ソングライターとなったオードリー・ネヴァ（旧姓コルトフ）とマーリー・ウィルソンの第1子として生まれた。
He has Dutch, Scottish, English, German, Irish, and Swedish ancestry.
オランダ、スコットランド、イギリス、ドイツ、アイルランド、スウェーデンの先祖を持つ。
Brian's two younger brothers Dennis and Carl were born in 1944 and 1946, respectively.
ブライアンの2人の弟、デニスとカールは、それぞれ1944年と1946年に生まれている。
Shortly after Dennis' birth, the family moved from Inglewood to 3701 West 119th Street in nearby Hawthorne, California.
デニス誕生後まもなく、一家はイングルウッドからカリフォルニア州ホーソン近郊の西119番通り3701番地に引っ越した。
Like his brothers, Brian suffered abuse from his father that was mostly psychological and sometimes physical.
ブライアンは兄たちと同様、父親から主に心理的、時には身体的な虐待を受けた。
He characterized his father as "violent" and "cruel", however, many of the stories which later circulated about his father's treatment were "dirty lies", and that "even the things that are true" had been misreported.
ブライアンは父親を「暴力的」で「残酷」な存在とみなしたが、後に流布した父親の処遇に関する話の多くは「汚い嘘」であり、「本当のことでさえ」間違って報道されているという。
From an early age, Wilson demonstrated an extraordinary skill for learning by ear.
ウィルソンは、幼い頃から耳学問に並々ならぬ才能を発揮していた。
Speaking of his unusual musical abilities prior to his first birthday, his father said that, as a baby, he could repeat the melody from "When the Caissons Go Rolling Along" after only a few verses had been sung by the father.
1歳の誕生日を迎える前に、父親が「When the Caissons Go Rolling Along」のメロディーを数節歌っただけで繰り返して歌えるようになったという逸話がある。
The Wilsons' father encouraged his children in the music field in numerous ways.
ウィルソン家の父親は、音楽の分野で活躍する子供たちをさまざまな形で励た。
As a child, Wilson was given six weeks of lessons on a "toy accordion" and, at seven and eight, sang solos in church with a choir behind him.
子供の頃、ウィルソンは「おもちゃのアコーディオン」で6週間レッスンを受け、7歳と8歳の時には、教会で聖歌隊をバックにソロを歌った。
There, his choir director discovered that Wilson had perfect pitch.
そこで聖歌隊の監督は、ウィルソンが完璧な音程を持っていることを発見した。
After the Wilson family purchased a piano for their home, Brian abandoned his accordion and devoted hours to learning his favorite songs on piano.
ウィルソン一家が自宅にピアノを購入すると、ブライアンはアコーディオンを捨て、何時間もかけて好きな曲をピアノで習うようになった。
Later, he learned to write manuscript music from a friend of his father's.
その後、父親の友人から手稿譜の書き方を教わった。
Wilson sang with various students at school functions and with his family and friends at home, teaching his two brothers harmony parts that all three would then practice.
ウィルソンは、学校の行事でさまざまな生徒と歌い、家では家族や友人と歌い、2人の弟にハーモニーパートを教えては、3人で練習した。
He also played piano obsessively after school, deconstructing the harmonies of the Four Freshmen by listening to short segments of their songs on a phonograph, then working to recreate the blended sounds note by note on the keyboard.
また、放課後にはピアノを弾き、フォー・フレッシュメンのハーモニーを蓄音機で聴いて分解し、その音を一音一音キーボードで再現することに没頭していた。
Moreover, he owned an educational record called The Instruments of the Orchestra and frequently listened to his favorite radio station at the time, KFWB.
さらに、『オーケストラの楽器』という教育用レコードを所有し、当時お気に入りのラジオ局、KFWBを頻繁に聴いていた。
He was introduced to R&B by Carl and taught to play boogie woogie piano by their uncle Charlie.
カールにR&Bを教わり、叔父のチャーリーにブギウギ・ピアノを教わった。
According to Brian, he and Carl often "stayed up all night" listening to Johnny Otis' KFOX radio show to discuss its R&B songs and add them "to our musical vocabulary".
ブライアンによると、彼とカールはしばしば「一晩中」ジョニー・オーティスのKFOXラジオ番組を聴いて、そのR&Bソングについて話し合い、「音楽のボキャブラリー」を増やしていったという。
Carl said that, by the time Brian was ten, "he could play great boogie-woogie piano!"
カールは、ブライアンが10歳になる頃には「素晴らしいブギウギ・ピアノを弾くことができた！」と語っている。
One of Brian's first songwriting exercises, penned on a sheet of paper when he was nine, was a rewriting of the lyrics to Stephen Foster's "Oh! Susannah".
ブライアンが初めて曲作りの練習をしたのは、9歳のときに紙に書いたスティーブン・フォスターの「オー！スザンナ」の歌詞を書き直したものだった。
In his 1991 memoir, he recalls writing his first song for a 4th grade school project concerning Paul Bunyan.
1991年の回想録では、4年生の学校の課題で、ポール・バニヤンに関する曲を初めて書いたと回想している。
In a 2005 interview, he said that he began composing original music in 1955, when he was 12.
2005年のインタビューでは、オリジナル曲の作曲を始めたのは1955年、12歳のときだと語っている。
Carl said, "There were many years of [Brian's] life where he did nothing but play the piano. Months at a time. Days on end. Four Freshmen records. Just all music."
カールは、「（ブライアンの）人生には、ピアノを弾くことだけをやっていた時期が何年もあった。一度に何カ月も。何日も何日も。フレッシュメンのレコードを4枚。音楽一色だった」。
Dennis remembered, "Brian was the freak. He used to stay in his room all day listening to records rather than play baseball."
デニスも「ブライアンは変人だった。野球をするよりも、一日中部屋にこもってレコードを聴いていたよ」。
Their mother recalled that Brian "constantly" listened to the radio in his room during his junior high school years.
母親は、ブライアンが中学時代、部屋でラジオを聴き続けていたことを思い出している。
"Murry once [said] to me, 'Do you think we should worry about him?' I said, 'No. He's just loving the music.'"
「マリーは以前、私に『彼のことを心配したほうがいいと思う？』って。私は『いや、彼は音楽を愛しているんだ』と言ったんだ。」
High school and college（高校・大学）
In high school, Wilson was quarterback on his local football team at Hawthorne High.
高校時代、ウィルソンは地元のホーソーン高校のフットボールチームでクォーターバックを務めていた。
He also played baseball and was a cross-country runner in his senior year.
高校時代は、地元のホーソン高校のフットボールチームでクォーターバックを務め、野球もやり、4年生の時にはクロスカントリーのランナーでもあった。
Before his success in music, Wilson's only paid employment was a part-time job sweeping at a jewelry store for four months when he was 15.
音楽で成功する前、ウィルソンの唯一の有給の仕事は、15歳のときに4カ月間、宝石店で掃除のアルバイトをしたことだ。
On weekends, he was also a cleaner for his father's machining company, ABLE.
週末は、父親の経営する機械加工会社エイブルで清掃の仕事もしていた。
Around this time, Wilson auditioned to be the singer of the record to mark the launch of the Original Sound Record Company, "Chapel of Love" (unrelated to the 1964 song), but he was rejected for being too young.
この頃、ウィルソンは、オリジナル・サウンド・レコード社の設立記念レコード「愛のチャペル」（1964年の曲とは無関係）の歌手のオーディションを受けたが、若すぎるという理由で不合格になった。
For his 16th birthday, he received a portable two-track Wollensak tape recorder, allowing him to experiment with recording songs, group vocals, and rudimentary production techniques.
16歳の誕生日にウォーレンサックのポータブル2トラック・テープレコーダーをもらい、歌やグループ・ボーカル、初歩的な制作技術の録音を試みることができた。
Biographer Peter Ames Carlin writes that the still-existing tapes suggest that "Brian liked nothing more than to gather his friends around the piano [...] Most often he'd harmonize with [...] friends from his senior class."
伝記作家のピーター・エイムズ・カーリンは、現存するテープから「ブライアンは友人をピアノの周りに集めることほど好きではなかった...ほとんどの場合、彼は上級クラスの友人とハーモニーを奏でた」と書いている。
Written for his Senior Problems course in October 1959, Wilson submitted an essay, "My Philosophy", in which he stated that his ambitions were to "make a name for myself [...] in music."
1959年10月、ウィルソンは「私の哲学」というエッセイを提出し、その中で自分の野望は「音楽で名を成すこと[...]」であると述べている。
One of Wilson's earliest public performances was at a fall arts program at his high school.
ウィルソンの初期の公の場での演奏は、高校で行われた秋の芸術プログラムであった。
He enlisted his cousin and frequent singing partner Mike Love and, to entice Carl into the group, named the newly formed membership "Carl and the Passions."
彼は、従兄弟でよく歌うパートナーのマイク・ラブを参加させ、カールをグループに誘うために、新しく結成されたメンバーを "カール・アンド・ザ・パッションズ "と名づけた。
The performance featured tunes by Dion and the Belmonts and the Four Freshmen ("It's a Blue World"), the latter of which proved difficult for the ensemble.
演奏曲目は、ディオン＆ザ・ベルモンズとフォー・フレッシュメン（「イッツ・ア・ブルー・ワールド」）で、後者はアンサンブルにとって難曲であった。
The event was notable for the impression which it made on another musician and classmate of Wilson's in the audience, Al Jardine.
この日の演奏は、観客の中にいたウィルソンの同級生、アル・ジャーディンに大きな印象を残した。
Fred Morgan, Wilson's high school music teacher, remembered that Wilson, at 17, had demonstrated an above-average understanding of Bach and Beethoven.
ウィルソンの高校の音楽教師だったフレッド・モーガンは、17歳のウィルソンがバッハとベートーベンを平均以上に理解していることを記憶していた。
Nonetheless, he gave Wilson a final grade of C for his Piano and Harmony course due to incomplete assignments.
それにもかかわらず、ウィルソンのピアノとハーモニーの授業は、不完全な課題のため、最終的にC評価となった。
For his final project, instead of composing a 120-measure piano sonata, Wilson submitted a 32-measure piece.
最終課題は、120小節のピアノソナタではなく、32小節の曲を提出した。
Morgan gave the work an F. Reflecting on his last year of high school, Brian said that he was "very happy. I wouldn't say I was popular in school, but I was associated with popular people."
高校生活最後の年を振り返って、ブライアンさんは「とても幸せでした。学校では人気者だったとは言えないが、人気者に囲まれていた。
Wilson enrolled as a psychology major at El Camino Junior College in Los Angeles, in September 1960, while simultaneously continuing his musical studies at the community college as well.
1960年9月、ウィルソンはロサンゼルスのエルカミノ短大に心理学専攻として入学し、同時にコミュニティ・カレッジでも音楽の勉強を続けた。
He was disappointed to find that his music teachers strongly disapproved of pop music, and he quit college after a year and half.
しかし、音楽の先生がポップミュージックに否定的であることに失望し、1年半で大学を辞めた。
By Wilson's account, he wrote his first all-original melody, loosely based on a Dion and the Belmonts version of "When You Wish Upon a Star", in 1961.
1961年、ディオンとベルモントの「星に願いを」をもとに、初めてオリジナルのメロディーを作ったとウィルソンは語っている。
The song was eventually known as "Surfer Girl".
この曲は、最終的に「サーファー・ガール」として知られるようになった。
However, Wilson's closest high school friends disputed this, recalling that Wilson had written numerous songs prior to "Surfer Girl".
しかし、ウィルソンと親しい高校時代の友人たちは、ウィルソンが「サーファー・ガール」以前に数多くの曲を書いていたことを思い出し、これに異論を唱えている。
Formation of the Beach Boys（ビーチボーイズの結成）
Wilson, brothers Carl and Dennis, cousin Mike Love, and their friend Al Jardine first appeared as a music group in the autumn of 1961, initially under the name the Pendletones.
ウィルソン、カール、デニス兄弟、従兄弟のマイク・ラブ、そして友人のアル・ジャーディンは、1961年の秋に初めて音楽グループとして登場し、最初はペンドルトーンズという名で活動していた。
After being prodded by Dennis to write a song about the local water-sports craze, Wilson and Mike Love together created what became the first single for the band, "Surfin'".
デニスから地元のウォータースポーツの流行について曲を書くように言われ、ウィルソンとマイク・ラブは一緒にバンドの最初のシングルとなる「Surfin'」を制作した。
Around this time, the group rented an amplifier, a microphone, and a stand-up bass for Jardine to play.
この頃、バンドはアンプとマイク、そしてジャーディンが弾くためのスタンドアップベースを借りた。
After the boys rehearsed for several weeks in the Wilsons' music room, his parents returned home from a brief trip to Mexico.
ウィルソン家の音楽室で数週間練習をした後、両親がメキシコ旅行から帰国した。
Eventually impressed, Murry Wilson proclaimed himself the group's manager and the band embarked on serious rehearsals for a proper studio session.
やがて感心したマリー・ウィルソンがグループのマネージャーを宣言し、バンドは本格的なスタジオ・セッションのリハーサルに着手する。
Recorded by Hite and Dorinda Morgan and released on the small Candix Records label, "Surfin'" became a top local hit in Los Angeles and reached number 75 on the national Billboard sales charts.
ハイトとドリンダ・モーガンが録音し、小さなキャンディックス・レコードからリリースされた「サーフィン」は、ロサンゼルスの地元でトップヒットとなり、ビルボード全米セールスチャートで75位となった。
Dennis later described the first time that his older brother heard their song on the radio, as the three Wilson brothers and David Marks drove in Wilson's 1957 Ford in the rain: "Nothing will ever top the expression on Brian's face, ever ... that was the all-time moment."
デニスは後に、ウィルソン3兄弟とデイヴィッド・マークスが雨の中、ウィルソンの1957年型フォードでドライブしているときに、兄が初めてラジオで彼らの曲を聴いたときのことをこう語っている。"ブライアンの表情に勝るものはない、絶対に......あれがすべての瞬間だった"。
However, the Pendletones were no more, as Candix Records had changed their name to the Beach Boys.
しかし、キャンディックス・レコードが彼らの名前をビーチ・ボーイズに変えていたため、ペンドルトーンズはもう存在しない。
Wilson and his bandmates, following a set by Ike & Tina Turner, performed their first major live show at the Ritchie Valens Memorial Dance on New Year's Eve, 1961.
ウィルソンとバンド仲間は、アイク＆ティナ・ターナーのセットに続いて、1961年の大晦日にリッチー・ヴァレンス・メモリアル・ダンスで初のメジャー・ライヴを披露した。
Three days previously, Wilson's father had bought him an electric bass and amplifier.
その3日前、ウィルソンは父親からエレクトリック・ベースとアンプを買ってもらった。
Wilson had learned to play the instrument in that short period of time, with Jardine moving to rhythm guitar.
ウィルソンはその短期間で楽器を習得し、ジャーディンはリズム・ギターに移行した。
When Candix Records ran into money problems and sold the Beach Boys' master recordings to another label, Wilson's father terminated the contract.
キャンディックス・レコードが資金難に陥り、ビーチ・ボーイズのマスター音源を他のレーベルに売却すると、ウィルソンの父親は契約を打ち切った。
As "Surfin'" faded from the charts, Wilson, who had forged a songwriting partnership with local musician Gary Usher, created several new songs, including a car song, "409", that Usher helped them write.
Surfin'」がチャートから消えると、ウィルソンは地元のミュージシャン、ゲイリー・アッシャーと作曲のパートナーシップを結び、アッシャーが作曲を手伝った車の歌「409」などいくつかの新曲を作った。
Wilson and the Beach Boys cut new tracks at Western Recorders in Hollywood, including "Surfin' Safari" and "409".
ウィルソンとビーチ・ボーイズはハリウッドのWestern Recordersで「Surfin' Safari」と「409」を含む新曲をカットした。
These songs convinced Capitol Records to release the demos as a single; they became a double-sided national hit.
これらの曲は、キャピトル・レコードを説得してデモをシングルとしてリリースさせ、両面とも全米ヒットとなった。
1962–1966: Peak years（絶頂期）
Early productions and freelance work
As a member of the Beach Boys, Wilson was signed by Capitol Records' Nick Venet to a seven-year contract in 1962.
ビーチ・ボーイズのメンバーとして、ウィルソンは1962年にキャピトル・レコードのニック・ヴェネットと7年契約を結んだ。
Recording sessions for the band's first album, Surfin' Safari, took place in Capitol's basement studios in the famous tower building in August, but early on Wilson lobbied for a different place to cut Beach Boys tracks.
バンドのファースト・アルバム『サーフィン・サファリ』のレコーディング・セッションは、8月に有名なタワー・ビルにあるキャピトルの地下スタジオで行われたが、ウィルソンは早くからビーチ・ボーイズのトラックを別の場所で録音するように働きかけていた。
The large rooms were built to record the big orchestras and ensembles of the 1950s, not small rock groups.
この大きな部屋は、1950年代の大きなオーケストラやアンサンブルを録音するために作られたもので、小さなロックグループ用ではなかったのだ。
At Wilson's insistence, Capitol agreed to let the Beach Boys pay for their own outside recording sessions, to which Capitol would own all the rights.
ウィルソンの強い要望により、キャピトルはビーチ・ボーイズが自分たちの外部レコーディング・セッションの費用を負担し、その権利はキャピトルがすべて所有することに同意した。
Additionally, during the taping of their first LP, Wilson fought for, and won, the right to helm the production – though this fact was not acknowledged with an album liner notes production credit.
さらに、彼らの最初のLPの収録中、ウィルソンは制作を指揮する権利を求めて戦い、それを勝ち取ったが、この事実はアルバムのライナーノートに制作クレジットとして記載されることはなかった。
Wilson remarked, "I've always felt I was a behind-the-scenes man, rather than an entertainer."
ウィルソンは、「自分はエンターテイナーというより、むしろ舞台裏の人間だとずっと思っていた」と語っている。
He had been a massive fan of Phil Spector – who had risen to fame with the Teddy Bears – and aspired to model his burgeoning career after the record producer.
彼は、テディベアーズで有名になったフィル・スペクターの大ファンで、急成長している自分のキャリアを、このレコード・プロデューサーに倣うことを熱望していた。
With Gary Usher, Wilson wrote numerous songs patterned after the Teddy Bears, and they wrote and produced some records for local talent, albeit with no commercial success.
ゲイリー・アッシャーと共に、テディベアーズに倣った曲を数多く書き、地元のタレントのレコードをいくつか書き、プロデュースしたが、商業的な成功は収められなかった。
Brian gradually dissolved his partnership with Usher due to interference from Murry.
ブライアンは、マリーの妨害により、次第にアッシャーとの提携を解消していった。
Brian's first record that he produced outside of the Beach Boys, albeit uncredited, was Rachel and the Revolvers' "The Revo-Lution", written with Usher and issued by Dot Records in September.
ブライアンがビーチ・ボーイズ以外で初めてプロデュースしたレコードは、クレジットされていないが、アッシャーと書いたレイチェル・アンド・ザ・リボルヴァーズの「The Revo-Lution」で、9月にドット・レコードから発売された。
By mid-1962, Brian was writing songs with DJ Roger Christian, whom he had met through either Murry or Usher, and guitarist Bob Norberg, who became Wilson's roommate.
1962年半ばまでにブライアンは、マリーかアッシャーを通じて知り合ったDJのロジャー・クリスチャンや、ウィルソンのルームメイトとなったギタリストのボブ・ノーバーグと曲作りを行っていた。
David Marks said, "He was obsessed with it. Brian was writing song with people off the street in front of his house, disc jockeys, anyone. He had so much stuff flowing through him at once he could hardly handle it."
デヴィッド・マークスは「彼はそれに夢中だった」と語っている。ブライアンは家の前で道行く人、ディスクジョッキー、誰とでも曲作りをしたんだ。彼の中には一度にたくさんのものが流れ込んできて、それを処理するのが大変だったんだ」。
In October, Safari Records, a label created by Murry, released the single "The Surfer Moon" by Bob & Sheri.
10月、マリーの作ったレーベル、サファリ・レコードからボブ＆シェリーのシングル「The Surfer Moon」が発売された。
It was the first record that bore the label "Produced by Brian Wilson".
これは、「Produced by Brian Wilson」のラベルが付いた最初のレコードである。
The only other record the label issued was Bob & Sheri's "Humpty Dumpty".
このレーベルが他に出したレコードは、ボブ＆シェリの「ハンプティ・ダンプティ」だけだった。
Both songs were written by Wilson.
この2曲はいずれもウィルソンが作曲した。
From January to March 1963, Wilson produced the Beach Boys' second album, Surfin' U.S.A..
1963年1月から3月にかけて、ウィルソンはビーチ・ボーイズのセカンド・アルバム『Surfin' U.S.A.』をプロデュースした。
To focus his efforts on writing and recording, he limited his public appearances with the group to television gigs and local shows.
作曲とレコーディングに力を入れるため、彼はグループでの公の場への出演をテレビのライブやローカル・ショーに限定した。
Otherwise, David Marks acted as Wilson's substitute on vocals.
それ以外は、デヴィッド・マークスがウィルソンの代役としてヴォーカルを務めていた。
In March, Capitol released the Beach Boys' first top-ten single, "Surfin' U.S.A.", which began their long run of highly successful recording efforts at Western.
3月、キャピトルはビーチ・ボーイズ初のトップ10入りシングル「Surffin' U.S.A.」をリリースし、ウェスタンで大成功を収める彼らの長いレコーディングの日々が始まった。
The Surfin' U.S.A.
Surfin' U.S.A.」はアルバムも大ヒット。
album was also a big hit in the U.S., reaching number two on the national sales charts by July.
はアメリカでも大ヒットし、7月には全米セールス・チャートで2位となった。
The Beach Boys had become a top-rank recording and touring band.
ビーチ・ボーイズは、トップクラスのレコーディングとツアーを行うバンドになったのである。
Against Venet's wishes, Wilson worked with non-Capitol acts.
ヴェネットの意向に反して、ウィルソンはキャピトル以外のアーティストと仕事をするようになった。
Shortly after meeting Liberty Records' Jan and Dean (likely in August 1962), Wilson offered them a new song he had written, "Surf City", which the duo soon recorded.
リバティ・レコードのジャンとディーンに会った直後（おそらく1962年8月）、ウィルソンは自分が書いた新曲「Surf City」を彼らに提供し、このデュオはすぐにレコーディングを行った。
On July 20, 1963, "Surf City", which Wilson co-wrote with Jan Berry, was his first composition to reach the top of the US charts.
1963年7月20日、ウィルソンはジャン・ベリーと共作した "Surf City "で初めて全米チャートの上位にランクインする。
The resulting success pleased Wilson, but angered both Murry and Capitol Records.
この成功はウィルソンを喜ばせたが、マリーとキャピトル・レコードの両者を怒らせた。
Murry went so far as to order his oldest son to sever any future collaborations with Jan and Dean, although they continued to appear on each other's records.
マリーは長男に、ジャン・アンド・ディーンとの今後のコラボレーションを断つよう命じたほどだったが、彼らは互いのレコードに参加し続けていた。
Wilson's hits with Jan and Dean effectively revitalized the music duo's then-faltering career.
ウィルソンとジャン・アンド・ディーンのヒットは、当時低迷していた二人の音楽デュオのキャリアを効果的に活性化させた。
Around the same time, Wilson began producing a girl group, the Honeys, consisting of sisters Marilyn and Diane Rovell and their cousin Ginger Blake, who were local high school students he had met at a Beach Boys concert during the previous August.
同じ頃、ウィルソンはマリリンとダイアンのロヴェル姉妹とその従姉妹ジンジャー・ブレイクからなるガールズ・グループ、ハニーズのプロデュースを始めた。
Wilson pitched the Honeys to Capitol, envisioning them as a female counterpart to the Beach Boys.
ウィルソンはハニーズをキャピトルに売り込み、ビーチ・ボーイズに対抗する女性バンドとして構想していた。
The company released several Honeys recordings as singles, although they sold poorly.
キャピトルはハニーズのレコードを何枚かシングルとしてリリースしたが、売れ行きは芳しくなかった。
In the meantime, Wilson became closely acquainted with the Rovell family and made their home his primary residence for most of 1963 and 1964.
一方、ウィルソンはロヴェル家と親しくなり、1963年から1964年にかけて彼らの家を主な住居とした。
Wilson was for the first time officially credited as the Beach Boys' producer on the album Surfer Girl, recorded in June and July 1963 and released that September.
1963年6月と7月に録音され、同年9月に発売されたアルバム『サーファー・ガール』で、ウィルソンは初めてビーチ・ボーイズのプロデューサーとして正式にクレジットされた。
This LP reached number seven on the national charts, with similarly successful singles.
このLPは全米チャートで7位を記録し、シングルも同様に成功を収めた。
He also produced a set of largely car-oriented tunes for the Beach Boys' fourth album, Little Deuce Coupe, which was released in October 1963, only three weeks after the Surfer Girl LP.
また、『Surf Girl』からわずか3週間後の1963年10月にリリースされたビーチ・ボーイズの4枚目のアルバム『Little Deuce Coupe』では、主に車向けの楽曲をプロデュースしている。
Still resistant to touring, Wilson was replaced onstage for many of the band's live performances in mid-1963 by Al Jardine, who had briefly quit the band to focus on school.
ウィルソンはまだツアーに抵抗があり、1963年半ばにはバンドのライブの多くで、学業に専念するために一時バンドを辞めていたアル・ジャーディンがステージに立つようになった。
Wilson was forced to rejoin the touring line-up upon Marks' departure in late 1963.
1963年末にマークスが脱退すると、ウィルソンは再びツアーのラインナップに加わることを余儀なくされた。
Towards the end of 1963, Wilson formed a record production company, Brian Wilson Productions, with an office on Sunset Boulevard, and a music publishing company, Ocean Music, for songs he wrote for other artists.
1963年末には、サンセット大通りにオフィスを構えるレコード制作会社ブライアン・ウィルソン・プロダクションズと、他のアーティストのために書いた曲のための音楽出版会社オーシャン・ミュージックを設立した。
Excepting his work with the Beach Boys, for the whole of 1963, Wilson had written, arranged, produced, or performed on at least 42 songs with the Honeys, Jan and Dean, the Survivors, Sharon Marie, the Timers, the Castells ("I Do"), Bob Norberg, Vickie Kocher, Gary Usher, Christian, Paul Petersen ("She Rides with Me"), and Larry Denton ("Endless Sleep").
ビーチ・ボーイズとの仕事を除いて、1963年中、ウィルソンはハニーズ、ジャン＆ディーン、サバイバーズ、シャロン・マリー、タイマーズ、カステル（「I Do」）、ボブ・ノーバーグ、ビッキー・コーチャー、ゲイリー・アッシャー、クリスチャン、ポール・ピーターセン（「She Rides with Me」）、ラリー・デントン（「Endless Sleep」）と少なくとも42曲で作曲、アレンジ、制作または演奏をしていた。
International success and first nervous breakdown
Throughout 1964, Wilson engaged in worldwide concert tours with the Beach Boys while continuing to write and produce for the group, whose studio output for this year included the albums Shut Down Volume 2 (March), All Summer Long (June), and The Beach Boys' Christmas Album (November).
1964年を通して、ウィルソンはビーチ・ボーイズの世界的なコンサート・ツアーに参加する一方、グループのために作曲とプロデュースを続け、この年のスタジオ作品にはアルバム『Shut Down Volume 2』（3月）、『All Summer Long』（6月）、『The Beach Boys' Christmas Album』（11月）などがある。
Following a particularly stressful Australasian tour in early 1964, it was agreed by the group to dismiss Murry from his managerial duties.
1964年初頭、特にストレスのたまるオーストラリア・ツアーの後、グループはマリーのマネージャー業を解任することに同意した。
Murry still had a subsequent influence over the band's activities and kept a direct correspondence with Brian, giving him thoughts about the group's decisions; Wilson also periodically sought music opinions from his father.
マリーはその後もバンドの活動に影響を与え、ブライアンと直接連絡を取り合い、グループの決定事項について考えを伝えていた。ウィルソンも定期的に父親に音楽の意見を求めていた。
In February, Beatlemania swept the U.S., a development that deeply disturbed Wilson.
2月、アメリカでビートルマニア旋風が巻き起こり、ウィルソンは深く心を痛めた。
In a 1966 interview, he commented, "The Beatles invasion shook me up a lot. They eclipsed a lot of what we'd worked for. [...] The Beach Boys' supremacy as the number one vocal group in America was being challenged. So we stepped on the gas a little bit."
1966年のインタビューで彼は、「ビートルズの侵略は、私を大いに動揺させた。俺たちがやってきたことの多くを、奴らは消し去ったんだ。[ビーチ・ボーイズの全米ナンバーワンのヴォーカル・グループとしての地位が脅かされていたんだ。だから我々は少しアクセルを踏んだんだ」。
Author James Perone identifies the Beach Boys' May single "I Get Around", their first U.S. number one hit, as representing both a successful response by Wilson to the British Invasion, and the beginning of an unofficial rivalry between him and the Beatles, principally Paul McCartney.
作家のジェームス・ペローンは、ビーチ・ボーイズの5月のシングル「I Get Around」は、彼ら初の全米ナンバーワン・ヒットであり、ウィルソンがブリティッシュ・インベイジョンにうまく対応したと同時に、ポール・マッカートニーを中心とするビートルズとの非公式のライバル関係の始まりであったと指摘している。
The B-side, "Don't Worry Baby", was cited by Wilson in a 1970 interview as "Probably the best record we've done".
B面の「ドント・ウォーリー・ベイビー」は、1970年のインタビューでウィルソンが「おそらく我々が行った中で最高のレコードだ」と語っている。
The increasing pressures of Wilson's career and personal life pushed him to a psychological breaking point.
キャリアと私生活の重圧が増すにつれ、ウィルソンは精神的に限界に達していた。
He had ceased writing surfing-themed material after "Don't Back Down" in April, and during the group's first major European tour, in late 1964, replied angrily to a journalist when asked how he felt about originating the surfing sound.
4月の「Don't Back Down」以降、彼はサーフィンをテーマにした曲を書かなくなり、1964年末のグループ初の大規模なヨーロッパ・ツアーでは、サーフィンのサウンドを生み出したことについてどう思うかと尋ねられたジャーナリストに怒り心頭で答えている。
Wilson resented being identified with surf and car songs, explaining that he had only intended to "produce a sound that teens dig, and that can be applied to any theme. [...] We're just gonna stay on the life of a social teenager."
ウィルソンは、サーフやカー・ソングと同一視されることに憤慨し、「10代の若者が掘り出し、どんなテーマにも適用できるサウンドを作りたかっただけだ」と説明した。[中略）俺たちは、社会的なティーンエイジャーの人生に寄り添うだけだ」。
He later described himself as a "Mr Everything" that had been so "run down mentally and emotionally [...] to the point where I had no peace of mind and no chance to actually sit down and think or even rest."
彼は後に、自分自身を「精神的にも感情的にも[...]心の平穏がなく、実際に座って考えたり、休んだりする機会もないほど "Mr Everything "になってしまった」と表現している。
Adding to his concerns was the group's "business operations" and the quality of their records, which he believed suffered from this arrangement.
さらに彼は、グループの「ビジネス・オペレーション」と「レコードの品質」が、この取り決めによって損なわれていると考え、不安を募らせていた。
On December 7, in an effort to bring himself more emotional stability, Wilson impulsively married Marilyn Rovell.
12月7日、ウィルソンは精神的な安定を得るために、マリリン・ロヴェルと衝動的に結婚した。
On December 23, Wilson was to accompany his bandmates on a two-week US tour, but while on a flight from Los Angeles to Houston, began sobbing uncontrollably over his marriage.
12月23日、ウィルソンはバンドメンバーの2週間のアメリカ・ツアーに同行する予定だったが、ロサンゼルスからヒューストンへのフライト中に、結婚のことで抑えきれないほどの嗚咽を漏らしはじめた。
Al Jardine, who had sat next to Wilson on the plane, later said, "None of us had ever witnessed something like that."
飛行機でウィルソンの隣に座っていたアル・ジャーディンは、後に "あんなことを目撃したのは誰一人としていなかった "と語っている。
Wilson played the show in Houston later that day, but was replaced by session musician Glen Campbell for the rest of the tour dates.
ウィルソンはその日のうちにヒューストンでの公演を行ったが、残りのツアー日程はセッション・ミュージシャンのグレン・キャンベルに代わった。
At the time, Wilson described it as "the first of a series of three breakdowns I had."
当時、ウィルソンはこのことを "3回あった一連の故障のうちの最初のもの "と表現している。
When the group resumed recording their next album in January 1965, Wilson declared to his bandmates that he would be withdrawing from future tours.
1965年1月にグループが次のアルバムのレコーディングを再開すると、ウィルソンはバンド仲間に今後のツアーから手を引くことを宣言した。
He later told a journalist that his decision had been a byproduct of his "fucked up" jealousy toward Spector and the Beatles.
後に彼は、この決断はスペクターとビートルズに対する「めちゃくちゃな」嫉妬の副産物であったとジャーナリストに語っている。
Growing drug use, LSD, and religious epiphany
In 1965, Wilson immediately showcased great advances in his musical development with the albums The Beach Boys Today! (March) and Summer Days (And Summer Nights!!) (June).
1965年、ウィルソンはすぐにアルバム『ザ・ビーチ・ボーイズ・トゥデイ！』（3月）と『サマー・デイズ』（4月）を発表し、音楽的成長の大きな前進を見せた。(3月)、『Summer Days (And Summer Nights!!)』(6月)を発表した。
Campbell remained on tour with the band until he was no longer able to, in February.
キャンベルは、2月にできなくなるまでバンドのツアーに参加し続けた。
As a thanks, Wilson produced a single for Campbell in March, "Guess I'm Dumb", after which the band recruited Columbia Records staff producer Bruce Johnston as Wilson's substitute on tour.
ウィルソンはキャンベルのために3月にシングル「Guess I'm Dumb」を制作し、その後、バンドはウィルソンの代理としてコロンビア・レコードのスタッフ・プロデューサー、ブルース・ジョンストンをツアーに起用した。
In February, March, July, and October, Wilson rejoined the live group for one-off occasions.
2月、3月、7月、10月には、ウィルソンは単発でライブ・グループに復帰している。
With his bandmates often away on tour, Wilson distanced himself socially from the other Beach Boys.
バンドメンバーがツアーで不在がちだったため、ウィルソンは他のビーチ・ボーイズと社会的な距離を置いた。
Since the autumn of 1964, he had moved from the Rovells' home to a one-bedroom apartment at 7235 Hollywood Boulevard, and given his newfound independence, had begun forming a new social circle for himself through the industry connections he had accumulated.
1964年の秋から、彼はロヴェルズ家からハリウッド大通り7235番地の1ベッドルーム・アパートメントに移り、新たに得た自立心で、蓄積した業界のコネクションを通じて新しい社交界を形成し始めていた。
Biographer Steven Gaines writes, "Brian had total freedom from family restraints for the first time. [...] he was finally able to make a new set of friends without parental interference."
伝記作家のスティーブン・ゲインズは、「ブライアンは初めて家族の束縛から完全に解放された。[中略）彼はついに、親の干渉を受けずに新しい友人を作ることができた」と書いている。
By Gary Usher's account, Wilson had had few close friends and was "like a piece of clay waiting to be molded".
ゲイリー・アッシャーの記述によれば、ウィルソンには親しい友人がほとんどおらず、「成形されるのを待つ粘土のようなもの」だったという。
By the end of the year, Wilson was one of the most successful, influential, and sought-after young musicians in Los Angeles.
この年の終わりには、ウィルソンはロサンゼルスで最も成功し、影響力を持ち、引っ張りだこの若手ミュージシャンの一人になっていた。
However, a wider public recognition of Wilson's talents eluded him until 1966.
しかし、1966年までウィルソンの才能が広く世間に認められることはなかった。
Wilson stated that "a lot of [his] friends", who were drug users, had "turned [him] on" to drugs while he had been touring with the group.
ウィルソンは、グループのツアー中に、ドラッグ・ユーザーである「多くの（彼の）友人たち」が、「彼にドラッグを勧めた」と述べている。
Beforehand, according to Mike Love, Wilson had been known to be strictly opposed to drugs.
マイク・ラヴによれば、それ以前、ウィルソンはドラッグに厳しく反対していたことが知られている。
Wilson's closest friend in this period was Loren Schwartz, a talent agent that he had met at a Hollywood studio.
この時期のウィルソンの最も親しい友人は、ハリウッドのスタジオで知り合ったタレント・エージェントのローレン・シュワルツである。
Through Schwartz, Wilson was exposed to a wealth of literature and mystical topics – largely of philosophy and world religions – that he formed a deep fascination with.
シュワルツを通じて、ウィルソンは、哲学や世界宗教を中心とした豊富な文学や神秘的な話題に触れ、深い魅力を感じるようになった。
Schwartz also introduced marijuana and hashish to Wilson, whose habitual use of the drug caused a rift in his marriage to Marilyn, further strained by his frequent visitations to Schwartz's apartment.
また、シュワルツはウィルソンにマリファナとハシシを紹介したが、彼の常用はマリリンとの結婚生活に亀裂を生じさせ、さらに彼がシュワルツのアパートに頻繁に出入りすることで緊張が高まった。
Beginning with "Please Let Me Wonder" (1965), Wilson wrote songs while under the influence of marijuana.
プリーズ・レット・ミー・ワンダー」（1965年）を皮切りに、ウィルソンはマリファナの影響下にありながら曲を書いていた。
As his 2016 memoir suggested, "smoking a little bit of pot [...] changed the way I heard arrangements."
2016年の回顧録によると、"マリファナを少し吸っただけで[...]アレンジの聴き方が変わってしまった "そうだ。
His drug use was initially kept hidden from the rest of his family and group.
彼の薬物使用は、当初は家族やグループの他の人々には隠されていた。
Early in 1965, a few weeks after Wilson and his wife moved into a new apartment on West Hollywood's Gardner Street, Wilson took the psychedelic drug LSD (or "acid") for the first time, under Schwartz' supervision.
1965年の初め、ウィルソンと彼の妻がウエスト・ハリウッドのガードナー通りの新しいアパートに引っ越して数週間後、ウィルソンはシュワルツの監視下で初めてサイケデリック薬物のLSD（または「アシッド」）を服用した。
Schwartz recalled that Wilson's dosage was 125 micrograms of "pure Owsley" and that his first experience included "the full-on ego death".
シュワルツは、ウィルソンの服用量は125マイクログラムの「純粋なオウスリー」であり、彼の最初の体験には「完全なエゴの死」が含まれていたと回想している。
Marilyn recalled that Wilson returned home the next day and recounted his experience, telling her repeatedly that his "mind was blown" and that he had seen God.
マリリンは、ウィルソンが翌日家に帰ってきて、自分の体験を語り、「心が吹っ切れた」「神を見た」と何度も言ったと回想している。
In Wilson's words, "I took LSD and it just tore my head off. [...] You just come to grips with what you are, what you can do [and] can't do, and learn to face it."
ウィルソンの言葉を借りれば、「LSDを飲んだら、頭が吹っ飛んだんだ。[自分が何であるか、何ができて何ができないかを理解し、それに直面することを学ぶんだ」。
During his first acid trip, Wilson went to a piano and devised the riff for the band's next single, "California Girls".
最初のアシッドトリップ中、ウィルソンはピアノに向かい、バンドの次のシングル「カリフォルニア・ガールズ」のリフを考案した。
He later described the instrumental tracking for the song, held on April 6, as "my favorite session", and the opening orchestral section as "the greatest piece of music that I've ever written."
後に彼は、4月6日に行われたこの曲のインストゥルメンタル・トラッキングを「私のお気に入りのセッション」、オープニングのオーケストラ・セクションを「私が今まで書いた中で最も素晴らしい音楽」と表現している。
Institutionalization and Bedroom Tapes
For the remainder of the year, he experienced considerable paranoia.
この年の残りの期間、彼はかなりのパラノイアを経験した。
Wilson's 2016 memoir states that he refrained from dropping LSD for a second time until he was twenty-three, in 1966 or 1967.
ウィルソンの2016年の回顧録によると、彼は23歳の1966年か1967年まで2回目のLSD投下を控えていたという。
Marilyn believed that her husband likely took dozens of LSD trips in the subsequent years, although she had been only aware of the two trips at the time.
マリリンは、当時は2回のトリップしか知らなかったが、夫はその後数十回のLSDトリップをした可能性が高いと信じていた。
Conversely, Brian's second wife Melinda Ledbetter claimed in 2004 that Brian took only three LSD trips in his lifetime.
逆に、ブライアンの2番目の妻メリンダ・レッドベッターは、2004年にブライアンが生涯に3回だけLSDを体験したと主張している。
Following unsuccessful attempts to dissuade him from his constant fraternizing with Schwartz, Marilyn separated from Brian for at least a month.
シュワルツとの交際をやめさせようとしたが失敗し、マリリンは少なくとも1ヶ月間、ブライアンと別居した。
She later said, "He was not the same Brian that he was before the drugs. [...] These people were very hurtful, and I tried to get that through to Brian."
彼女は後に、「彼は薬物を使う前のブライアンとは違っていた。[この人たちはとても傷ついていて、私はそれをブライアンに伝えようとしたのです" と後に語っている。
In mid-1965, at the suggestion of Four Freshmen manager Bill Wagner, Brian consulted with a UCLA psychiatrist on the adverse effects of LSD.
1965年半ば、フォー・フレッシュメンのマネージャー、ビル・ワグナーの提案で、ブライアンはUCLAの精神科医にLSDの副作用を相談した。
The psychiatrist later told Wagner, "I don't know if he is savable. He gives me the impression he's been on it for a while, and he's entirely enamored of it."
精神科医は後にワグナーに、「彼が救われるかどうかはわからない。彼はしばらくそれをやっているような印象を受けるし、完全にそれに夢中になっている」と語っている。
Speaking in 1966, Wilson said that he had developed an interest in "pills" for the purpose of self-discovery, not recreation, and believed that the usage of psychedelics "won't hurt you".
1966年に語ったウィルソンは、レクリエーションではなく自己発見を目的として「薬」に興味を持ち、サイケデリックの使用は「あなたを傷つけることはない」と信じているという。
Pet Sounds, "genius" campaign, and Smile
Brian and Marilyn eventually reconciled, and in October 1965, moved into a new home on 1448 Laurel Way in Beverly Hills.
ブライアンとマリリンはやがて和解し、1965年10月、ビバリーヒルズのローレル・ウェイ1448番地にある新居に引っ越した。
Wilson said that he spent five months planning an album that would reflect his growing interest in "the making of music for people on a spiritual level."
ウィルソンは、"スピリチュアルなレベルで人々のために音楽を作る "という彼の関心の高まりを反映したアルバムを企画するために5ヶ月を費やしたという。
He recalled having an unexpected rush of "creative ideas" and that he "didn't mind" the constant presence of visitors at his home, "so long as there weren't too many and provided I could cop out and sit, thinking. I had a big Spanish table and I sat there hour after hour making the tunes inside my head [...] I was taking a lot of drugs, fooling around with pills, a lot of pills, and it fouled me up for a while. It got me really introspective."
彼は、思いがけず「創造的なアイデア」が湧いてきたことを思い出し、また、自宅に常に訪問者がいることは「あまり多くなければ、気にならなかった」、そして、「私が対処して座って考えることができる限り、気にしなかった」と語った。大きなスペインのテーブルがあって、そこに座って何時間も何時間も頭の中で曲を作っていたんだ。それで本当に内省的になったんだ」。
In December 1965, Tony Asher, a jingle writer whom Wilson had recently met, accepted Wilson's offer to be his writing partner for what became the Beach Boys' next album, Pet Sounds (May 1966).
1965年12月、ウィルソンが最近知り合ったジングル作家のトニー・アッシャーは、ウィルソンの申し出を受け入れ、ビーチ・ボーイズの次のアルバム『Pet Sounds』（1966年5月）の作曲パートナーとして参加することになった。
He produced most of Pet Sounds from January to April 1966 at four different Hollywood studios, mainly employing his bandmates on vocals and his usual pool of session musicians for the backing tracks.
彼は1966年1月から4月にかけて、ハリウッドの4つのスタジオで『Pet Sounds』の大半を制作し、主にバンドメンバーをボーカルに起用し、バックトラックにはいつものセッション・ミュージシャンを起用した。
Among the album tracks, he later described "Let's Go Away for Awhile" as "the most satisfying piece of music" he had made to date, and "I Just Wasn't Made for These Times" as an autobiographical song "about a guy who was crying because he thought he was too advanced".
アルバム収録曲のうち、「Let's Go Away for Awhile」をこれまで作った中で「最も満足のいく音楽」、「I Just Wasn't Made for These Times」を「自分が進みすぎたと思って泣いている男の歌」として自伝的に表現したと後に語っている。
In 1995, he referred to "Caroline, No" as "probably the best I've ever written."
1995年、彼は "Caroline, No "を "おそらく今まで書いた中で最高の作品 "と言っている。
Released in March 1966, the album's first single, "Caroline, No", marked the first record credited to Wilson as a solo artist.
1966年3月にリリースされたこのアルバムのファースト・シングル「Caroline, No」は、ウィルソンがソロ・アーティストとして初めてクレジットされたレコードとなった。
It led to speculation that he was considering leaving the band.
この曲は、彼がバンドからの脱退を考えているのではという憶測を呼んだ。
Wilson recalled, "I explained to [the rest of the group], 'It's OK. It is only a temporary rift where I have something to say.' I wanted to step out of the group a little bit and, sure enough, I was able to."
ウィルソンはこう回想している。「僕は（グループの）みんなに『大丈夫だよ』と説明した。私が言いたいことがあるのは、一時的な亀裂に過ぎないのだから』と説明したんだ。私はグループから少し抜け出したかったし、案の定、そうすることができた"。
"Caroline, No" ultimately stalled at number 32.
Caroline, No は最終的に32位で失速した。
In the U.S., Pet Sounds faced similarly underwhelming sales.
アメリカでは、『Pet Sounds』は同様に圧倒的な売り上げに直面した。
Wilson was "mortified" that his artistic growth failed to translate into a number-one album.
ウィルソンは、自分の芸術的な成長がナンバーワン・アルバムに結びつかなかったことに「憮然」とした。
According to Marilyn, "When it wasn't received by the public the way he thought it would be received, it made him hold back. [...] but he didn't stop. He couldn't stop. He needed to create more."
マリリンによれば、「自分が思っていたように世間に受け入れてもらえなかったとき、彼は尻込みしてしまった。[でも、彼はやめなかった。彼はやめることができなかった。彼は、もっと作る必要があったのです」。
Thanks to mutual connections, Wilson had been introduced to the Beatles' former press officer Derek Taylor, who was subsequently employed as the Beach Boys' publicist.
ウィルソンは、共通の人脈のおかげで、ビートルズの元プレス担当者デレク・テイラーを紹介され、その後ビーチ・ボーイズのパブリシストとして雇われることになった。
Responding to Brian's request to inspire a greater public appreciation for his talents, Taylor initiated a media campaign that proclaimed Wilson to be a genius.
ブライアンの「自分の才能をもっと世間に認めてもらいたい」という要望に応え、テイラーはウィルソンを天才と謳うメディア・キャンペーンを展開した。
Taylor's prestige was crucial in offering a credible perspective to those on the outside, and his efforts are widely recognized as instrumental in the album's success in Britain.
テイラーの名声は、外部の人間に信頼できる視点を提供する上で極めて重要であり、彼の努力は、イギリスでのアルバムの成功に貢献したと広く認識されている。
In turn, however, Wilson resented that the branding had the effect of creating higher public expectations for himself.
しかし、逆にウィルソンは、このブランディングが自分に対する世間の期待を高める結果になったことに憤慨する。
The fact that the music press had begun undervaluing the contributions of the rest of the group also frustrated him and his bandmates, including Love and Carl Wilson.
また、音楽誌がグループの他のメンバーの貢献を過小評価し始めていたことも、彼とラブやカール・ウィルソンらバンドメンバーをいらだたせた。
For the remainder of 1966, Wilson focused on completing the band's single "Good Vibrations", which became a number-one hit in December, and a new batch of songs written with session musician Van Dyke Parks for inclusion on Smile, the album planned to follow Pet Sounds.
1966年の残りの期間、ウィルソンはバンドのシングル「グッド・ヴァイブレーション」を完成させることに専念し、この曲は12月にナンバーワン・ヒットとなり、セッション・ミュージシャンのヴァン・ダイク・パークスと共に、『Pet Sounds』に続くアルバム『Smile』に収録するために新しい曲を書き上げた。
Wilson touted the album as a "teenage symphony to God" and continued to involve more people in his social, business, and creative affairs.
ウィルソンはこのアルバムを「神に捧げる10代のシンフォニー」と称し、社会、ビジネス、創作活動に多くの人々を巻き込み続けた。
Parks said that, eventually, "it wasn't just Brian and me in a room; it was Brian and me [...] and all kinds of self-interested people pulling him in various directions."
パークスは、最終的に「部屋にいるのはブライアンと私だけでなく、ブライアンと私（...）、そしてあらゆる利己的な人々が彼を様々な方向へ引っ張っていった」と語っている。
Television producer David Oppenheim, who attended these scenes to film the documentary Inside Pop: The Rock Revolution (1967), characterized Wilson's home as a "playpen of irresponsible people."
ドキュメンタリー映画『インサイド・ポップ：ザ・ロック・レボリューション』（1967年）の撮影でこの現場に立ち会ったテレビ・プロデューサーのデヴィッド・オッペンハイムは、ウィルソンの家を「無責任な人たちの遊び場」と特徴づけている。
1966–1973: Decline
Home studio transition
Smile was never finished, due in large part to Wilson's worsening mental condition and exhaustion.
スマイル」は完成しなかった。ウィルソンの精神状態の悪化と疲労が主な原因である。
His friends, family, and colleagues often date the project's unraveling and Wilson's onset of erratic behavior to around November 1966 – namely, when he recorded the would-be album track "Mrs.
ウィルソンの友人、家族、同僚は、このプロジェクトの崩壊とウィルソンの不安定な行動の開始を、1966年11月頃、つまり、彼がアルバム収録予定曲「Mrs.
O'Leary's Cow" (or "Fire").
O'Leary's Cow"（または "Fire"）を録音したときである。
In April 1967, Wilson and his wife put their Laurel Way home up for sale and took residence at a newly purchased mansion on 10452 Bellagio Road in Bel Air.
1967年4月、ウィルソンと妻はローレル・ウェイの家を売りに出し、ベル・エアのベラージオ通り10452番地に新しく購入した邸宅に住むようになった。
Wilson also set to work on constructing a personal home studio.
そして、ホームスタジオの建設に取り掛かった。
By then, most of his new contacts had disassociated or were exiled from his social circle.
その頃までには、新たに知り合った人たちのほとんどが、彼の社交界から離脱するか追放された。
In May, Derek Taylor announced that the six-months-overdue Smile album had been "scrapped".
5月、デレク・テイラーは、6ヵ月遅れのアルバム『スマイル』が「廃盤」になったことを発表した。
Wilson explained in a 1968 interview, "We pulled out of that production pace, really because I was about ready to die. I was trying so hard. So, all of a sudden I decided not to try any more."
ウィルソンは1968年のインタビューで、「あの制作ペースから手を引いたのは、本当に死ぬ覚悟ができたからだ」と説明している。私はとても頑張っていたんです。だから、突然、これ以上頑張らないことにしたんだ」。
The underwhelming critical and commercial response to the band's July single "Heroes and Villains" has been cited as another exacerbating factor in Wilson's professional and psychological decline.
7月にリリースしたシングル「Heroes and Villains」に対する批評家や商業的な反応が芳しくなかったことも、ウィルソンの仕事と精神的な落ち込みを悪化させる要因として挙げられている。
Starting with Smiley Smile (September 1967), the band made Wilson's home their primary base of recording operations until 1972.[citation needed] The album was also the first in which production was credited to the entire group instead of Wilson alone.
Smiley Smile』（1967年9月）から、バンドは1972年までウィルソンの自宅をレコーディングの主要拠点とした[citation needed]。このアルバムはまた、プロダクションがウィルソン一人ではなくグループ全体にクレジットされた最初のものであった。
Producer Terry Melcher attributed this change to Wilson's self-consciousness over his reputation, unwilling to "put his stamp on records so that peers will have a Brian Wilson track to criticize."
プロデューサーのテリー・メルチャーはこの変更について、ウィルソンが自分の評判に対して自意識過剰であり、「同業者が批判するためにブライアン・ウィルソンの曲をレコードに刻む」ことを嫌ったためであるとしている。
In August, Wilson rejoined the live band for two one-off appearances in Honolulu.
8月、ウィルソンはホノルルでの2回の単発ライブのためにライブ・バンドに復帰した。
The shows were recorded for a planned live album, Lei'd in Hawaii, that was never finished.
この公演は、予定されていたライブ・アルバム『Lei'd in Hawaii』のために録音されたが、完成することはなかった。
During the sessions for Wild Honey (December), Brian requested Carl to contribute more to the record-making process.
ワイルド・ハニー』（12月）のセッション中、ブライアンはカールに対し、レコード制作にもっと貢献するよう要求した。
Brian also attempted to produce an album for singer Danny Hutton's new group, Redwood, but after the recording of three songs, including "Time to Get Alone" and "Darlin'", this motion was halted by Mike Love and Carl Wilson, who wanted Brian to focus on the Beach Boys' contractual obligations.
ブライアンはシンガー、ダニー・ハットンの新グループ、レッドウッドのアルバム制作も試みたが、「Time to Get Alone」「Darlin'」など3曲を録音した後、ブライアンにビーチボーイズの契約上の義務を重視させたいマイク・ラブとカール・ウイルソンによってこの動きは停止させられた。
Friends (June 1968) was recorded during a period of emotional recovery for Wilson.
フレンズ』（1968年6月）は、ウィルソンの感情が回復している時期に録音された。
Although it included more contributions from the rest of the group, he actively led the studio sessions, even on the songs that he did not write.
他のメンバーの参加も増えたが、彼は自分が作曲していない曲でも積極的にスタジオ・セッションをリードした。
He later referred to it as his second "solo album" (the first being Pet Sounds), as well as his favorite Beach Boys album.
後に彼は、このアルバムを2枚目の「ソロ・アルバム」（1枚目は『Pet Sounds』）であり、またビーチ・ボーイズのアルバムの中で最も好きな作品だと語っている。
For the remainder of 1968, Wilson's songwriting output declined substantially, as did his emotional state, leading him to self-medicate with the excessive consumption of food, alcohol, and drugs.
1968年の残りの期間、ウィルソンの作曲活動は大幅に低下し、彼の感情状態も悪化し、食事、アルコール、薬物の過剰摂取で自己治療するようになった。
Amid the looming financial insolvency of the Beach Boys, he began to supplement his regular use of amphetamines and marijuana with cocaine.
ビーチ・ボーイズの財政破綻が迫る中、彼はアンフェタミンとマリファナを常用していたが、コカインで補うようになった。
Hutton, who had introduced Wilson to cocaine, recalled that Wilson expressed suicidal wishes at the time, and that it was when his "real decline started".
ウィルソンにコカインを紹介したハットンは、当時ウィルソンが自殺願望を表明し、それが彼の「本当の衰退が始まった」ときだったと回想している。
In mid-1968, Wilson was admitted to a psychiatric hospital, possibly of his own volition.
1968年半ば、ウィルソンは、おそらく自分の意志で、精神科病院に入院した。
His issues were not disclosed to the public, and sessions for 20/20 (February 1969) continued in his absence.
彼の問題は一般には公表されず、『20/20』（1969年2月号）のためのセッションは彼が不在の間続けられた。
Journalist Nik Cohn, writing in 1968, said that Wilson had been rumored to be "increasingly withdrawn, brooding, hermitic [...] and occasionally, he is to be seen in the back of some limousine, cruising around Hollywood, bleary and unshaven, huddled way tight into himself."
1968年に書いたジャーナリストのニク・コーンは、ウィルソンが「ますます内向的になり、陰鬱で、隠遁的になり、...時々リムジンの後部座席で、ハリウッドを巡り、血相を変えて髭を剃らず、自分の中にしっかりと身を寄せているのを目撃する」と噂されていた、と書いている。
Once discharged later in the year, Wilson rarely finished any tracks for the band, leaving much of his subsequent output for Carl Wilson to complete.
この年の後半に一旦退院したウィルソンは、バンドのためにトラックを仕上げることはほとんどなく、その後の作品の多くをカール・ウィルソンに託した。
Regarding Brian's participation on the group's recordings from then, band engineer Stephen Desper said that Brian remained "indirectly involved with production" through Carl.
この頃からブライアンがグループのレコーディングに参加していたことについて、バンドのエンジニアであるスティーブン・デスパーは、ブライアンはカールを通して「間接的に制作に関わっていた」と語っている。
The bathrobe-clad Wilson would occasionally appear from his bedroom to preview a new song for the group, an event that Melcher likened to Aesop delivering a new fable.
バスローブを着たウィルソンが寝室から現れ、グループのために新曲を試聴することがあったが、メルヒャーはこれをイソップが新しい寓話を語るようなものだと例えている。
Otherwise, he stayed in his bedroom upstairs while his bandmates recorded in the studio down below.
それ以外は、2階のベッドルームにこもって、バンドメンバーが1階のスタジオでレコーディングをしていた。
He would occasionally visit a session if he had heard a piece of music that he felt should be changed.
しかし、「この曲は変えた方がいい」と思う曲があれば、時々、セッションに顔を出すこともあった。
Conversely, Dennis Wilson recalled that his elder brother began to have "no involvement at all" with the Beach Boys, which forced the group to "find things that [he] worked on and try and piece it together."
逆にデニス・ウィルソンは、兄がビーチ・ボーイズに「全く関与しない」ようになったため、グループは「（兄が）取り組んできたことを見つけて、それをまとめようとする」ことを余儀なくされたと回想している。
Marilyn Wilson recalled that her husband withdrew because of perceived resentment from the group: "It was like, 'OK, you assholes, you think you can do as good as me or whatever – go ahead – you do it.
マリリン・ウィルソンは、夫がグループから恨みを買って脱退したと回想している。「マリリン・ウィルソンは、夫がグループからの恨みを買って脱退したことを次のように語っている。
You think it's so easy? You do it.'" Referencing the accusation that the Beach Boys refused to let Brian work, Dennis said, "I would go to his house daily and beg, 'What can I do to help you?' I said, 'Forget recording, forget all of it.' It got to Brian's health."
簡単だと思ってるのか？という感じでした。ビーチ・ボーイズがブライアンに仕事をさせるのを拒んだという告発に触れ、デニスは「俺は毎日彼の家に行って、『何か手伝えることはないか』と懇願したんだ」と語った。レコーディングは忘れろ、全部忘れろと言ったんだ。それが、ブライアンの健康を害したんだ」。
Journalist Brian Chidester coined "Bedroom Tapes" as a loose umbrella term for Wilson's subsequent unreleased output until 1975, despite the fact that his home studio was dismantled in 1972.
ジャーナリストのブライアン・チデスターは、1972年に彼の自宅スタジオが解体されたにもかかわらず、その後1975年まで未発表のウィルソンの作品の緩やかな総称として「ベッドルーム・テープス」を作り上げた。
Much of the material that Wilson recorded from the epoch remains unreleased and unheard by the public.
ウィルソンがこの時代に録音した音源の多くは未発表のまま、一般には聴かれていない。
Chidester states that some of it has been described as "schizophrenia on tape" and "intensely personal songs of gentle humanism and strange experimentation, which reflected on his then-fragile emotional state."
チデスターによれば、その一部は "テープ上の精神分裂病 "と評され、"穏やかなヒューマニズムと奇妙な実験性のある強烈にパーソナルな歌で、当時の彼の壊れやすい情緒状態を反映していた "という。
Wilson's daughter Wendy remembered, "Where other people might take a run to release some stress, he would go to the piano and write a 5-minute song."
ウィルソンの娘ウェンディは、"他の人がストレスを発散するためにランニングをするような場所で、彼はピアノに向かって5分の曲を書いていた "と回想している。
Radiant Radish and Sunflower
Early in 1969, the Beach Boys commenced recording their album Sunflower (August 1970).
1969年初頭、ビーチ・ボーイズはアルバム『サンフラワー』（1970年8月）のレコーディングを開始した。
Wilson was an active participant in the year-long sessions, writing more than an album's worth of material by himself or with collaborators, most of which was left off the record.
ウィルソンは1年にわたるセッションに積極的に参加し、アルバム1枚分以上の曲を自分自身や共同制作者とともに書いたが、そのほとんどはレコードから削除された。
He recorded a single for the band, "Break Away", that was co-written with his father, after which he was rarely in the studio until August 1969.
バンドのために父親と共作したシングル「ブレイク・アウェイ」を録音し、その後は1969年8月までほとんどスタジオに入ることはなかった。
Due to his poor reputation in the music industry, the Beach Boys struggled to secure a record contract with another label.
音楽業界における彼の評判が悪かったため、ビーチ・ボーイズは他のレーベルとのレコード契約の確保に苦労した。
In May, he revealed to reporters that the group were on the verge of bankruptcy.
5月、彼は記者団にグループが破産寸前であることを明かした。
His remarks had the effect of ruining negotiations with Deutsche Grammophon and nearly compromised the band's imminent tour of the UK and Europe.
彼の発言はドイツ・グラモフォンとの交渉を台無しにし、バンドが間近に控えていたイギリスとヨーロッパでのツアーも危うい状況に陥った。
In July, Wilson opened a short-lived health food store, the Radiant Radish, with his friend Arnie Geller and cousin Steve Korthof.
7月、ウィルソンは友人のアーニー・ゲラー、従兄弟のスティーブ・コートフとともに短期間の健康食品店「ラディアント・ラディッシュ」を開店した。
In August, Sea of Tunes, the band's publishing company that held the rights to their song catalog, was sold to Irving Almo Music for $700,000 (equivalent to $5.17 million in 2021).
8月、バンドの楽曲カタログの権利を持つ出版社Sea of Tunesが、Irving Almo Musicに70万ドル（2021年では517万ドル相当）で売却された。
Wilson signed the consent letter at his father's behest.
ウィルソンは父親の意向で同意書にサインした。
According to Marilyn, the sale devastated Brian.
マリリンによると、この売却でブライアンは打ちのめされたという。
"It killed him. Killed him. I don't think he talked for days. [...] Brian took it as a personal thing, Murry not believing in him anymore."
「それが彼を殺した。彼を殺したんです 何日も口をきかなかったと思う。ブライアンは個人的なこととして受け止めたんだ、マリーが自分を信じなくなったことをね。」
Around this period, Wilson attempted to drive his vehicle off a cliff, and on another occasion, demanded that he be pushed into and buried in a grave that he had dug in his backyard.
この頃、ウィルソンは車で崖から落ちようとしたり、裏庭に掘った墓に自分を押し込んで埋葬するよう要求したこともあった。
He channeled his despondence into the writing of his song "'Til I Die", which he described as the summation of "everything I had to say at the time."
彼はその落胆を曲「'Til I Die」の作曲に注ぎ込んだ。この曲は、彼が「その時言わなければならなかったことすべて」の要約であると述べている。
Later in 1969, Wilson produced a collection of spoken-word recordings, A World of Peace Must Come, for poet Stephen Kalinich.
その後1969年、ウィルソンは詩人スティーヴン・カリニッチのために、話し言葉の録音集『A World of Peace Must Come』を制作した。
In November, Wilson and his band signed to Reprise Records, a subsidiary of Warner Bros.
11月、ウィルソンと彼のバンドは、ワーナー・ブラザースの子会社であるリプライズ・レコードと契約した。
Part of the contract stipulated Wilson's proactive involvement with the group in all albums.
この契約には、ウィルソンがすべてのアルバムに積極的に参加することが規定されていた。
Van Dyke Parks, who brokered the deal, said that "They [the band] were considered a problem at that time [...] Everyone at the label just wanted Brian Wilson to come over and write some songs."
この契約を仲介したヴァン・ダイク・パークスは、「当時、彼ら（バンド）は問題視されていた（...）レーベルの誰もが、ブライアン・ウィルソンに来てもらって曲を作ってもらいたかっただけだ」と語っている。
Before the contract was effectuated, Wilson attended a band meeting with Reprise executives with his face painted bright green.
契約が成立する前、ウィルソンは顔を緑色に塗ってリプライズの幹部とのバンド・ミーティングに出席した。
Asked why he did this, Wilson responded, "Just seeing what would happen."
その理由を聞かれたウィルソンは、何が起こるか見ただけ」と答えている。
Wilson briefly substituted for Love on the road in March 1970, later calling the experience "the best three days of my life, I guess."
1970年3月、ウィルソンはラブの代役として短期間ツアーに参加し、後にその経験を "人生で最高の3日間だったと思う "と語っている。
In April, he attempted to produce a country and western album for the band's co-manager Fred Vail, Cows in the Pasture, that was never finished.
4月には、バンドの共同経営者であるフレッド・ヴェイルのためにカントリー＆ウエスタン・アルバム『Cows in the Pasture』を制作しようとしたが、完成には至らなかった。
In mid-1970, Wilson was reported to be working on a "chorus of frogs" piece for Kalinich and contemplated scoring an Andy Warhol film about a homosexual surfer.
1970年半ば、ウィルソンはカリニッチのために「カエルの合唱」作品を制作していると伝えられ、アンディ・ウォーホルの同性愛サーファーについての映画の音楽を担当しようと考えていた。
Spring and Holland stay
Wilson was deeply affected by the poor commercial response to Sunflower and resumed having minimal contributions to the Beach Boys' records.
ウィルソンは『サンフラワー』に対する商業的な反応の悪さに深く影響され、ビーチ・ボーイズのレコードに最小限の貢献しかしないことを再開した。
Bruce Johnston characterized him as merely "a visitor" to the sessions for Surf's Up (August 1971).
ブルース・ジョンストンは彼を『Surf's Up』（1971年8月）のセッションへの「訪問者」に過ぎないと評している。
In November 1970, Wilson joined the live band for one-and-a-half dates at the Whisky a Go Go.
1970年11月、ウィスキー・ア・ゴー・ゴーでの1日半のライブ・バンドに参加した。
Following this, Wilson told Melody Maker that although he had been "quite happy living at home", he felt that he was "not as creative as I once was and I'm not participating as much as I should have done."
この後、ウィルソンはメロディ・メーカーに、「自宅で暮らすのはかなり幸せ」だったが、「かつてほどクリエイティブではなく、やるべきことにあまり参加できていない」と感じていると語っている。
He identified himself as "a kind of drop-out" who sleeps into the afternoon and "potter[s] around doing nothing much."
彼は、自分を「ドロップアウトのようなものだ」と言い、昼まで寝ていて、「何もしないでポタリングしている」と言った。
Speaking to a reporter one year later, in September 1971, Wilson said that he had recently returned to "arranging, doing that more than writing now."
1年後の1971年9月、記者の取材に応じたウィルソンは、最近になって「編曲に戻り、今は書くよりそっちをやっている」と語っている。
In December, while at a concert in Long Beach, manager Jack Rieley coaxed Wilson into performing with the Beach Boys, although his time on stage lasted only minutes.
12月、ロング・ビーチでのコンサートの際、マネージャーのジャック・リーリーはウィルソンをなだめすかしてビーチ・ボーイズと共演させたが、彼のステージでの時間はわずか数分しかなかった。
In February 1972, Wilson went to an America gig at the Whisky a Go Go; according to Dan Peek, he "held court like a Mad King as Danny Hutton scurried about like his court jester" during the band's performance.
1972年2月、ウィスキー・ア・ゴー・ゴーで行われたアメリカでのギグに参加。ダン・ピークによると、バンドの演奏中、彼は「ダニー・ハットンが宮廷道化師のように慌しく動き回る中、狂王のように法廷に立った」のだという。
From late 1971 to early 1972, Wilson and musician David Sandler collaborated on Spring, the first album by Marilyn Wilson and Diane Rovell's new group, American Spring.
1971年末から1972年初めにかけて、ウィルソンと音楽家のデヴィッド・サンドラーは、マリリン・ウィルソンとダイアン・ロヴェルの新しいグループ、アメリカン・スプリングの最初のアルバム『スプリング』でコラボレーションを行った。
As with much of Brian's work in the era, his contributions "ebbed and flowed."
この時代のブライアンの作品の多くと同様、彼の貢献は「波があり、流れがある」ものだった。
It was the most involved Wilson had been in an album's production since Friends in 1968.
1968年の『フレンズ』以来、ウィルソンがアルバム制作に最も関与した作品となった。
Meanwhile, Blondie Chaplin stated that Wilson rarely left his bedroom during the recording of Carl and the Passions (April 1972), but "when he came down his contribution was amazing."
一方、ブロンディ・チャップリンは、『カール・アンド・ザ・パッションズ』（1972年4月）のレコーディング中、ウィルソンはほとんど寝室を出なかったが、「彼が降りてきたときの貢献は素晴らしかった」と述べている。
Wilson's unavailability was such that his image had to be superimposed into the group portrait included in the record's inner sleeve.
ウィルソンの不在は、レコードのインナー・スリーブに収録されたグループ・ポートレートに彼の姿を重ね合わせなければならないほどであった。
During the summer of 1972, Wilson joined his bandmates when they temporarily moved base to Holland, albeit after much cajoling.
1972年の夏、バンドメンバーがオランダに一時的に拠点を移したとき、ウィルソンは説得に応じ、バンドメンバーと合流した。
While living in a Dutch house called "Flowers" and listening repeatedly to Randy Newman's newest album Sail Away, Wilson was inspired to write a fairy tale, Mount Vernon and Fairway, loosely based on his memories listening to the radio at Mike Love's family home as a teenager.
オランダの「フラワーズ」という家に住み、ランディ・ニューマンの最新アルバム『セイル・アウェイ』を繰り返し聴いていたウィルソンは、10代の頃にマイク・ラブの実家でラジオを聴いていた記憶をもとに、おとぎ話『マウント・バーノンとフェアウェイ』を書く気になったのである。
The group rejected his proposal to include the fairy tale on their next album, Holland (January 1973).
この童話を次のアルバム『Holland』（1973年1月）に収録しようという彼の提案を、グループは拒否した。
Instead, it was packaged with Holland as a bonus EP.
代わりに、この童話はボーナスEPとして『Holland』にパッケージされた。
In 1973, Jan Berry (under the alias JAN) released the single "Don't You Just Know It", a duet featuring Wilson.[better source needed] That April, Wilson briefly joined his bandmates onstage during an encore for the group's concert at the Hollywood Palladium.
1973年、ジャン・ベリー（JAN）はウィルソンとデュエットしたシングル「Don't You Just Know It」をリリースした[better source needed] 同年4月、ハリウッド・パラディアムのコンサートのアンコールで一時バンドメンバーとステージ上で一緒になった。
1973–1975: Recluse period
After his father's death in June 1973, Wilson secluded himself in the chauffeur's quarters of his home, where he spent his time sleeping, abusing drugs and alcohol, overeating, and exhibiting self-destructive behavior.
1973年6月の父の死後、ウィルソンは自宅の運転手室に閉じこもり、睡眠、薬物やアルコールの乱用、過食、自己破壊的な行為に明け暮れるようになった。
He rarely ventured outside wearing anything but pajamas and later said that his father's death "had a lot to do with my retreating."
パジャマ以外の服を着て外に出ることはほとんどなく、父の死が「引きこもりと関係がある」と後に語っている。
Wilson's family were eventually forced to take control of his financial affairs due to his irresponsible drug expenditures.
ウィルソンの家族は、彼の無責任な薬物使用により、最終的に彼の経済的な問題を管理することを余儀なくされた。
This led Brian to occasionally wander the city, begging for rides, drugs, and alcohol.
そのため、ブライアンはときどき街をさまよい、乗り物やドラッグ、アルコールをねだるようになった。
According to Wilson, from 1974 to 1975, he recorded only "skimpy little bits and pieces, little fragments" due to a loss of "the ability to concentrate enough to follow through."
ウィルソンによると、1974年から1975年にかけて、彼は "貫き通せるほどの集中力 "を失ったため、"手抜きの小さな断片 "しか録音しなかったという。
Reflecting on this period, Wilson said that he was preoccupied with snorting cocaine, reading magazines such as Playboy and Penthouse, and "hanging out with Danny Hutton", whose Laurel Canyon house had become the center of Wilson's social life.
この時期を振り返り、ウィルソンはコカインを吸引したり、『プレイボーイ』や『ペントハウス』などの雑誌を読んだり、ローレル・キャニオンの家がウィルソンの社会生活の中心になっていた「ダニー・ハットンとつるむ」ことに夢中になっていたと語っている。
Although increasingly reclusive during the day, Wilson spent many nights at Hutton's house fraternizing with colleagues such as Alice Cooper and Iggy Pop, who were mutually bemused by an extended Wilson-led singalong of the folk song "Shortnin' Bread".
日中は引きこもりがちだったウィルソンだが、夜はハットンの家でアリス・クーパーやイギー・ポップといった同僚たちと親睦を深め、彼らはウィルソン主導でフォークソング「ショートニン・ブレッド」を延々と歌っては、互いに困惑し合っていたという。
According to Cooper, Wilson proclaimed that it was "the greatest song ever written."
クーパーによると、ウィルソンはこの曲を「今まで書かれた中で最も素晴らしい曲だ」と言い放ったという。
Other visitors of Hutton's home included Harry Nilsson, John Lennon, Ringo Starr and Keith Moon.
ハットンの家には他に、ハリー・ニルソン、ジョン・レノン、リンゴ・スター、キース・ムーンなどが訪れている。
On several occasions, Marilyn Wilson sent her friends to climb Hutton's fence and retrieve her husband.
マリリン・ウィルソンは、友人たちをハットンの塀に登らせ、夫を連れ戻したことが何度かあった。
Of Wilson in the early 1970s, music historian Charles Granata writes, "The stories—many of them dubious—are legendary."
1970年代初頭のウィルソンについて、音楽史家のチャールズ・グラナタは、「その話は-その多くは疑わしいが-伝説的だ」と書いている。
Wilson stated in a 2001 interview that he had never met John Lennon, however, Cooper told another story in which he had witnessed Wilson at a party, with Lennon, repeatedly asking fellow attendees to introduce him to the Beatle, one after another.
ウィルソンは2001年のインタビューでジョン・レノンに会ったことはないと述べたが、クーパーは別の話で、ウィルソンがレノンのいるパーティーで、出席者の仲間に次々とビートルズを紹介してくれるよう繰り返し頼んでいるのを目撃したと語っている。
Micky Dolenz, recalling an occasion in which he took LSD with Wilson, Nilsson, and Lennon in Malibu, said that Wilson "played just one note on a piano over and over again".
ミッキー・ドレンツは、ウィルソン、ニルソン、レノンとマリブでLSDを飲んだときのことを思い出しながら、ウィルソンが「ピアノの一つの音だけを何度も何度も弾いた」と語っている。
John Sebastian often showed up at Wilson's home "to jam" and later recalled of Wilson's situation, "It wasn't all grimness."
ジョン・セバスチャンはウィルソンの家にしばしば「ジャムをしに」現れ、後にウィルソンの状況について "厳しさばかりではなかった "と回想している。
Jeff Foskett, then a Beach Boys fan who had visited Wilson's home unannounced, said that Wilson was cordial and belied the popular myths surrounding him.
当時ビーチ・ボーイズのファンで、ウィルソンの家をアポなしで訪れたジェフ・フォスケットは、ウィルソンは心優しい人で、彼を取り巻く俗説を裏切っていたと語っている。
Paul McCartney and his wife Linda visited Wilson in April 1974, but Wilson refused to let them inside his home.
ポール・マッカートニーとリンダ夫人は1974年4月にウィルソンを訪ねたが、ウィルソンは彼らを自宅の中に入れることを拒否した。
Jimmy Webb reported Wilson's presence at an August session for Nilsson's "Salmon Falls"; he kept in the back of the studio playing "Da Doo Ron Ron" haphazardly on a B3 organ.
ジミー・ウェブは、8月に行われたニルソンの「サーモン・フォールズ」のセッションにウィルソンが参加したと報告している。彼はスタジオの裏でB3オルガンで「ダ・ドー・ロン・ロン」を無造作に演奏し続けていた。
Later that month, he played on the sessions for Keith Moon's solo album, Two Sides of the Moon, and was photographed at Moon's 28th birthday party (held on August 28 at the Beverly Wilshire Hotel) wearing only his bathrobe.[citation needed] On another occasion that year, Wilson interrupted a set by jazz musician Larry Coryell at The Troubadour by leaping on stage and singing "Be-Bop-A-Lula", again wearing slippers and a bathrobe.
同月末、キース・ムーンのソロ・アルバム『Two Sides of the Moon』のセッションに参加し、ムーンの28歳の誕生日パーティー（8月28日にビバリー・ウィルシャー・ホテルで開催）ではバスローブ一枚で写真に収まった[citation needed] その年の別の日には、トルバドールでのジャズミュージシャンのラリー・コリエルによるセットを中断し、ステージ上に飛び乗って「ビーバップ・ア・ラ」を歌ったこともあり、このときもスリッパとバスローブを身に着けていた。
Musician Todd Rundgren, who had accompanied Wilson to the concert, later wrote in his memoir, "I've wondered since the Troubadour incident whether the nature of the music had an effect on Brian's actions [...] Perhaps his behavior was actually a precursor to the blurring of the line between audience and performer that the punk movement engendered. Perhaps I had witnessed the birth of a revolution."
ウィルソンのコンサートに同行していたミュージシャンのトッド・ラングレンは、後に回顧録の中で「トルバドールの事件以来、音楽の性質がブライアンの行動に影響を与えたのではないかと考えている...おそらく彼の行動は、実はパンク・ムーブメントが生み出した観客と演奏者の間の線引きがあいまいになる前兆だったのだろう。私は革命の誕生を目撃したのかもしれない」。
The Beach Boys' greatest hits compilation Endless Summer was a surprise success, becoming the band's second number-one U.S. album in October 1974.
ビーチ・ボーイズのベスト盤『Endless Summer』は、1974年10月、バンドにとって2枚目の全米ナンバーワン・アルバムとなり、驚きの成功を収めた。
To take advantage of their sudden resurgence in popularity, Wilson agreed to join his bandmates in Colorado for the recording of a new album at James William Guercio's Caribou Ranch studio.
突然の人気回復に乗じて、ウィルソンはバンドメンバーと一緒にコロラド州にあるジェイムズ・ウィリアム・ガーチョのカリブー・ランチ・スタジオでニューアルバムのレコーディングに参加することになった。
The group completed a few tracks, including "Child of Winter (Christmas Song)", but ultimately abandoned the project.
グループは「Child of Winter (Christmas Song)」を含む数曲を完成させたが、最終的にこのプロジェクトを断念した。
Released as a single at the end of December 1974, "Child of Winter" was their first record that displayed the credit "Produced by Brian Wilson" since 1966.
1974年12月末にシングルとしてリリースされた「Child of Winter」は、1966年以来初めて「Produced by Brian Wilson」というクレジットが表示されたレコードとなった。
Early in 1975, while still under contract with Warner Bros., Wilson signed a short-lived sideline production deal with Bruce Johnston and Terry Melcher's Equinox Records.
1975年初頭、まだワーナー・ブラザーズと契約していたウィルソンは、ブルース・ジョンストンとテリー・メルチャーのエクイノックス・レコードと短期間の副業プロダクション契約を結んだ。
Together, they founded the loose-knit supergroup known as California Music, which also included involvement from Gary Usher, Curt Boettcher, and other Los Angeles musicians.
彼らは、ゲイリー・アッシャー、カート・ベッチャーなどロサンゼルスのミュージシャンも参加したゆるやかなスーパーグループ「カリフォルニア・ミュージック」を結成した。
Along with his guest appearances on Johnny Rivers' rendition of "Help Me, Rhonda" and Jackie DeShannon's "Boat to Sail", Wilson's production of California Music's single "Why Do Fools Fall in Love" represents his only "serious" work throughout this period of semi-inactivity.
ジョニー・リヴァースの「Help Me, Rhonda」やジャッキー・デシャノンの「Boat to Sail」にゲスト参加したほか、カリフォルニア・ミュージックのシングル「Why Do Fools Fall in Love」は、半活動の時期を通じて彼が唯一「本格的に」制作した作品となった。
An event that Wilson remembered as the most embarrassing in his life was when he met Elvis Presley at RCA Victor Studio in 1975 when Presley was recording "Pieces of My Life".
ウィルソンが人生で最も恥ずかしかったと記憶している出来事は、1975年、プレスリーが「Pieces of My Life」をレコーディングしていたRCAビクター・スタジオでエルヴィス・プレスリーに会ったときである。
Wilson was accordingly "so nervous" that he attempted to karate chop the singer.
ウィルソンは「とても緊張して」、その歌手に空手チョップをしようとしたという。
Also in 1975, NME published an extended three-part piece by journalist Nick Kent, "The Last Beach Movie", which depicted Wilson in a highly unfavorable light.
また1975年、NMEはジャーナリストのニック・ケントによる3部構成の拡大記事「The Last Beach Movie」を掲載し、ウィルソンを非常に不利な立場に描いている。
Johnston stated in another music magazine that Wilson became "suicidally depressed" after reading the article.
ジョンストンは別の音楽雑誌で、この記事を読んだウィルソンが「自殺的な落ち込み」に陥ったと述べている。
1975–1982: "Brian's Back!"
15 Big Ones, Love You, and Adult/Child
Wilson's overconsumption of food, cigarettes, alcohol, and other drugs – which now sometimes included heroin – further strained his marriage to Marilyn, who responded by threatening her husband with divorce or committing him to a mental institution.
ウィルソンの食事、タバコ、アルコール、そして時にはヘロインも含むドラッグの過剰摂取は、マリリンとの結婚生活をさらに悪化させ、マリリンは夫に離婚や精神病院への入院を迫ってきた。
By then, Wilson's weight had ballooned to 240 pounds (110 kg).
その頃、ウィルソンの体重は110kgに増えていた。
To help reverse his physical decline, in 1975, band manager Stephen Love appointed his brother Stan, a basketball player, as Wilson's bodyguard, trainer, and caretaker.
1975年、バンドのマネージャーであるスティーブン・ラブは、ウィルソンのボディガード、トレーナー、世話係として、バスケットボール選手である弟のスタンを起用した。
Marilyn also called in the band's lawyers and accountants to remind her husband that, pursuant to the terms of his contract with Warner Bros., he was legally obligated to write and produce for the Beach Boys or else he would be sued by the label and lose his home.
マリリンはバンドの弁護士や会計士も呼び、ワーナー・ブラザーズとの契約条件に従って、ビーチ・ボーイズのために作曲とプロデュースをする法的義務があること、さもなければレーベルから訴えられ、家を失うことを夫に思い出させた。
Stan was successful in improving Wilson's health and lifestyle, but after several months, went back to working with the NBA.
スタンはウィルソンの健康とライフスタイルの改善に成功したが、数ヵ月後、NBAの仕事に戻った。
Wilson then volunteered into psychologist Eugene Landy's radical 24-hour therapy program in October.
その後、ウィルソンは10月に心理学者ユージン・ランディの過激な24時間セラピー・プログラムに志願した。
Under Landy's care, Wilson became more stable and socially engaged, with his productivity increasing once again.
ランディの治療により、ウィルソンは安定した社会生活を送ることができるようになり、生産性も再び向上していった。
Throughout 1976, the tagline "Brian's Back!" became a major promotional tool for the band's concert tours, as well as their July release 15 Big Ones, the first Beach Boys album that credited Wilson as the sole producer since Pet Sounds.
1976年、「ブライアンズ・バック！」というキャッチフレーズはバンドのコンサート・ツアーの主要な宣伝文句となり、7月にリリースされた『15 Big Ones』は『Pet Sounds』以来初めてウィルソンが唯一のプロデューサーとしてクレジットされたビーチ・ボーイズのアルバムとなった。
The sessions were fraught with tension, as Wilson's bandmates fought against his wish to record a covers album and did not feel that he was ready to assume control of their studio proceedings.
ウィルソンのバンドメンバーは、カヴァーアルバムを録音したいという彼の希望に反対し、彼がスタジオの進行をコントロールする準備ができていないと感じたため、セッションは緊張に包まれた。
Ultimately, a compromise was reached, with the album including a mix of covers and originals.
最終的には、カバーとオリジナルをミックスしたアルバムで妥協が成立した。
Starting on July 2, 1976, Wilson made regular concert appearances with his bandmates for the first time since December 1964, singing and alternating between bass guitar and piano.
1976年7月2日、ウィルソンは1964年12月以来、バンドメンバーとともに定期的にコンサートに出演し、歌とベースギターとピアノを交互に演奏するようになった。
In August, Wilson traveled with his group for concert dates outside of California, the first time he had done so since March 1970.
8月には、1970年3月以来となるカリフォルニア州外でのコンサートに、グループとともに出かけた。
NBC also premiered a Lorne Michaels-produced television special about the band, called simply The Beach Boys, which included recent concert footage, interviews, and a comedy sketch involving Wilson and NBC's Saturday Night cast members Dan Aykroyd and John Belushi.
NBCはまた、ローン・マイケルズが制作したバンドについてのテレビ・スペシャル番組『シンプルにザ・ビーチ・ボーイズ』を初放送し、最近のコンサート映像やインタビュー、ウィルソンとNBCの『Saturday Night』のキャスト、ダン・エイクロイドやジョン・ベルーシのコメディスケッチが盛り込まれた。
Despite its success, the "Brian's Back" promotion proved controversial.
ブライアンズ・バック」のプロモーションは成功したものの、賛否両論があることが判明した。
Wilson's remarks to interviewers suggested that he had yet to fully recover from his addictions, and he remarked on one occasion that he "'felt like a prisoner".
ウィルソンのインタビューでの発言は、彼がまだ依存症から完全に回復していないことを示唆しており、彼はある時「囚人のように感じた」と発言している。
A concert reviewer noted that Wilson "seemed uncomfortable on stage" and contributed "nil".
コンサートの批評家は、ウィルソンは「ステージ上で居心地が悪そうだった」「貢献度はゼロだった」と書いている。
From October 1976 to January 1977, Wilson produced a large collection of studio recordings, largely by himself while his bandmates were preoccupied with other personal and creative affairs.
1976年10月から1977年1月にかけて、ウィルソンはスタジオ録音による大規模なコレクションを制作したが、バンドメンバーが他の個人的、創造的な事柄に没頭している間、主に一人で制作した。
Released in April 1977, The Beach Boys Love You was the Beach Boys' first album to feature Wilson as a primary composer since Wild Honey in 1967.
1977年4月にリリースされた『The Beach Boys Love You』は、1967年の『Wild Honey』以来、ウィルソンが主要作曲家として参加したビーチ・ボーイズの最初のアルバムとなった。
Originally titled Brian Loves You, Wilson played virtually all of the instruments on the album.
原題は『Brian Loves You』で、ウィルソンはこのアルバムでほぼすべての楽器を演奏している。
Once again, he was credited as producer, although Carl was credited as "mixdown producer".
今回もプロデューサーとしてクレジットされているが、カールは「ミックスダウン・プロデューサー」としてクレジットされている。
Band engineer Earle Mankey described it as "Brian Wilson giving what he had [to make] a serious, autobiographical album."
バンド・エンジニアのアール・マンキーは、このアルバムを「ブライアン・ウィルソンが自分の持てる力を出し切って作った、真面目な自伝的アルバム」だと評している。
Asked for his favorite Beach Boys albums in a 1998 interview, Wilson responded with 15 Big Ones and Love You.
1998年のインタビューでビーチ・ボーイズの好きなアルバムを聞かれたウィルソンは、『15 Big Ones』と『Love You』と答えている。
Wilson's family and management relieved Landy of his services at the end of 1976, when he raised his monthly fees to $20,000 (equivalent to $95,000 in 2021).
ウィルソンの家族とマネジメントは、1976年末にランディの月謝を2万ドル（2021年の95,000ドル相当）に引き上げると、ランディのサービスから解放された。
Shortly afterward, Wilson told a journalist that he felt the treatment had been a success despite the exorbitant fees.
その直後、ウィルソンはジャーナリストに、法外な料金にもかかわらず、治療は成功したと感じていると語った。
Landy's role as Wilson's handler and constant supervisor was immediately taken over by Wilson's cousins, Steve Korthof and Stan Love, and a professional model, Rocky Pamplin, who had been friends with Love in college.
ランディがウィルソンのハンドラーとして、常に監督する役割は、ウィルソンのいとこであるスティーブ・コルソフとスタン・ラブ、そしてラブと大学時代に友人だったプロのモデル、ロッキー・パンプリンがすぐに引き受けた。
Wilson maintained a healthy, drug-free disposition for several months under their auspices.
ウィルソンは、彼らの下で数ヶ月間、健康で薬物のない状態を維持した。
In early 1977, Wilson produced Adult/Child, the intended follow-up to Love You, but it was kept unreleased due to artistic disputes.
1977年初頭、ウィルソンは『Love You』の続編となる『Adult/Child』を制作するが、芸術的な論争から未発表のままとなった。
In March, the Beach Boys signed to CBS Records, whose contract stipulated that Wilson compose most of the material on all of the group's albums.
3月、ビーチ・ボーイズはCBSレコードと契約し、その契約でウィルソンはグループの全アルバムのほとんどの曲を作曲することが決まっていた。
According to Gaines, "When Brian signed the contract, he cried, knowing he would now have to go back to the studio full-time."
ゲインズによれば、「ブライアンは契約書にサインしたとき、これからスタジオにフルタイムで戻らなければならないことを知って泣いた」そうである。
Referencing the sessions for M.I.U.
M.I.U.』のセッションに言及した。
Album (October 1978), Wilson said that he went through a "mental blank-out" during this period.
アルバム（1978年10月）のセッションについて、ウィルソンはこの時期、「精神的なブランク」を経験したと語っている。
Wilson was credited as the album's "executive producer", likely for contractual reasons.
ウィルソンはこのアルバムの「エグゼクティブ・プロデューサー」としてクレジットされているが、これは契約上の理由によるものであろう。
Stan said that Wilson was "depressed" and "didn't want to write with [Mike] anymore, but of course Mike tried to hang on."
スタンによると、ウィルソンは「落ち込んで」いて、「もう（マイクと）一緒に書きたくなかったが、もちろんマイクは頑張ろうとした」そうだ。
Around this time, Wilson attempted to produce an album for Pamplin that would have featured the Honeys as backing vocalists.
この頃、ウィルソンはパンプリンのために、ハニーズをバック・ヴォーカリストとしてフィーチャーしたアルバムを制作しようとした。
Hospitalizations and "cocaine sessions"
Wilson entered a period of regression over the subsequent years – particularly, after the band's disastrous tour of Australia in 1978 – and found ways of obtaining cocaine and barbiturates without the knowledge of his handlers.
ウィルソンはその後数年間、特に1978年にバンドがオーストラリアで悲惨なツアーを行った後、退行期に入り、ハンドラーの知らないところでコカインとバルビツール剤を入手する方法を見出した。
In mid-1978, a day after he overdosed on a combination of drugs, he disappeared from his family and went hitchhiking in West Hollywood, ultimately arriving at a gay bar, where he played piano for drinks.
1978年半ば、複合薬物で過剰摂取した翌日、彼は家族の前から姿を消し、ウエスト・ハリウッドでヒッチハイクをし、最終的にゲイ・バーにたどり着き、そこでピアノを弾いて酒を飲むようになった。
After this, he was driven to Mexico by a bar patron, and then hitchhiked to San Diego.
その後、バーの常連客に車でメキシコまで送られ、そこからヒッチハイクでサンディエゴへ。
Days later, police officers discovered Wilson lying under a tree in Balboa Park without shoes, money, or a wallet.
数日後、バルボア公園の木の下で、靴も金も財布も持たずに倒れているウィルソンを警官が発見した。
They promptly took him to Alvarado Hospital for detox from alcohol poisoning.
すぐにアルバラード病院に運ばれ、アルコール中毒の解毒治療を受けた。
Once discharged, Wilson immediately joined his bandmates for the recording of L.A.
退院後、ウィルソンはすぐにバンドメンバーと合流し、『L.A.』（1979年3月）のレコーディングに参加した。
(Light Album) (March 1979), but after producing some demos, requested that Bruce Johnston helm the project.
(ライト・アルバム』（1979年3月）のレコーディングに参加したが、いくつかのデモを制作した後、ブルース・ジョンストンにこのプロジェクトの指揮を依頼した。
Korthof recalled, "Brian was real weird then, real quiet, not saying much. Real depressed."
コルソフは「あの頃のブライアンは本当に変で、静かで、あまり喋らなかった。本当に落ち込んでいたよ」。
With his marriage disintegrated, Wilson moved from his mansion on Bellagio Road to a small house on Sunset Boulevard, where he descended further into alcoholism.
結婚生活が破綻したウィルソンは、ベラージオ通りの豪邸からサンセット大通りの小さな家に移り住み、そこでさらにアルコール依存症に陥っていった。
Following an incident in which he attacked his doctor during a visit, Wilson spent several months institutionalized at Brotzman Memorial Hospital.
診察中に主治医に暴力を振るった事件をきっかけに、ウィルソンはブロッツマン記念病院に数カ月間入院することになった。
He was initially admitted in November 1978 for three months, discharged for one month, and then readmitted.
1978年11月に3ヵ月入院し、1ヵ月退院した後、再入院した。
While there, in January 1979, Stan Love and Rocky Pamplin were dismissed of their services.
その間、1979年1月にスタン・ラヴとロッキー・パンプリンが解雇された。
Wilson was released from the hospital in March.
ウィルソンは3月に退院した。
Afterward, he rented a house in Santa Monica and was arranged to be taken care of by a "round-the-clock" psychiatric nursing team.
その後、サンタモニカに家を借り、「24時間体制」の精神科看護チームの世話になるように手配された。
Later, he purchased a home in Pacific Palisades.
その後、パシフィック・パリセーズに自宅を購入した。
His bandmates implored him to produce their next album, Keepin' the Summer Alive (March 1980), but he was unable or unwilling.
バンド仲間は次のアルバム『Keepin' the Summer Alive』（1980年3月）のプロデュースを懇願したが、彼はできなかったし、その気もなかった。
Brian remained engrossed in his overeating and drug habits, spurred on partly through the influence of Dennis.
ブライアンは過食とドラッグに溺れ続け、デニスの影響もあってそれに拍車がかかった。
To entice his brother into writing and producing songs, Dennis would sometimes offer him McDonald's hamburgers and cocaine.
デニスは弟を曲作りやプロデュースに誘うために、マクドナルドのハンバーガーやコカインを差し入れることもあった。
Jon Stebbins' biography of Dennis includes a remark from an anonymous source, "Brian would chastise Dennis for his drinking and then lean over and snort a huge line of cocaine. He'd be smoking a cigarette and a joint and tell Dennis he shouldn't drink."
ジョン・ステビンズのデニス伝には、「ブライアンはデニスの飲酒をたしなめた後、身を乗り出して大量のコカインを吸引した」という匿名の情報筋の言葉が紹介されている。彼はタバコとマリファナを吸いながら、デニスに酒を飲むなと言うんだ」。
According to Stebbins, the brothers "held secret sessions" at recording sessions together – sessions concealed due to the fact that "no effort was spared to keep Brian and Dennis apart. [...] whenever certain members of the Beach Boys clan found out that Brian was sequestered with Dennis, they would come and take him away, literally slamming the door on the creative process."
ステビンズによると、兄弟はレコーディング・セッションで一緒に「秘密のセッションをした」そうだ。[ブライアンがデニスと一緒にいることがわかると、ビーチ・ボーイズ一族のあるメンバーがやってきて彼を連れ去り、文字通り創作活動のドアを閉めてしまうのだ」。
Bootlegged tapes of the brothers' collaborations – produced in 1980 and 1981 at the Venice Beach home studio of musicologist Garby Leon – were later referred to as the "cocaine sessions" or "hamburger sessions" by Beach Boys fans.
1980年と1981年に音楽学者ガービー・レオンのベニスビーチの自宅スタジオで制作された兄弟のコラボレーションのブートレグ・テープは、後にビーチ・ボーイズのファンから「コカイン・セッション」または「ハンバーガー・セッション」と呼ばれるようになった。
In early 1981, Pamplin and Stan Love were convicted of assaulting Dennis in his home after the former bodyguards had heard that Dennis had been supplying Brian with drugs.
1981年初頭、デニスがブライアンにドラッグを供給していると聞いた元ボディーガードのパンプリンとスタンラブは、彼の自宅でデニスを暴行した罪で有罪になった。
In early 1982, Brian signed a trust document that gave Carl control of his finances and Brother Records, Inc.
1982年初頭、ブライアンは信託文書に署名し、カールに財政とブラザー・レコード（BRI）の議決権を委ねた。
(BRI) voting power, and was involuntarily admitted to a three-day stay at St. John's Hospital in Santa Monica.
(BRI)の議決権を与える信託文書にサインし、サンタモニカのセントジョンズ病院に3日間の強制入院をさせられた。
By this time, Brian's diet included up to four or five steaks a day, as well as copious amounts of ice cream, cookies, and cakes.
このころのブライアンの食生活は、1日に4、5枚のステーキを食べ、アイスクリーム、クッキー、ケーキを大量に食べるようになっていた。
At the end of the year, his weight exceeded 340 pounds (150 kg).
この年の終わりには体重が150kgを超え、340ポンド（約8.5kg）になった。
1982–1991: Second Landy intervention
Recovery and the Wilson Project
In 1982, after Wilson overdosed on a combination of alcohol, cocaine, and other psychoactive drugs, his family and management successfully coordinated an elaborate ruse to convince him to volunteer back into Landy's program.
1982年、ウィルソンがアルコール、コカイン、その他の精神作用のある薬物を過剰摂取した後、彼の家族とマネージメントは、彼がランディのプログラムに志願するよう説得するために、手の込んだ策略を練ることに成功した。
When approached by the band, Landy had agreed to treat Wilson again, but only if he was to be given total control over Brian's affairs without interference from anyone.
バンドから話を持ちかけられたランディは、ウィルソンを再び治療することに同意したが、その条件は、誰にも邪魔されずにブライアンのことを完全にコントロールできるようになることであった。
Additionally, Landy promised that he would need no more than two years to rehabilitate Wilson.
さらにランディは、ウィルソンの更生に2年以上はかからないと約束した。
On November 5, Wilson was falsely told by the group that he was penniless and no longer a member of the Beach Boys, and if he wanted to continue receiving his share of income from the touring band's earnings, he had to reenlist Landy as his caretaker.
11月5日、ウィルソンはグループから、自分は無一文でもうビーチ・ボーイズのメンバーではない、ツアー・バンドの収入から自分の取り分を受け取り続けたいなら、ランディを自分の世話係として再登録しなければならないと虚偽のことを告げられた。
Wilson acquiesced and was subsequently taken to Hawaii, where he was isolated from friends and family and put on a rigorous diet and health regimen.
ウィルソンはこれを承諾し、その後ハワイに連れて行かれ、友人や家族から隔離され、厳しい食事療法と健康管理を施された。
Coupled with counseling sessions, which involved reteaching Wilson basic social etiquette, this therapy was successful in bringing him back to physical health.
そして、カウンセリングで社会的なエチケットを教えるなどして、健康な体を取り戻した。
By March 1983, he had returned to Los Angeles and was moved by Landy into a home in Malibu, where Wilson lived with several of Landy's aides and was cut off from contacting many of his own friends and family, including his children and ex-wife Marilyn.
1983年3月までにロサンゼルスに戻ったウィルソンは、ランディによってマリブの家に移され、そこでランディの側近数人と暮らし、子供や元妻マリリンを含む多くの友人や家族との連絡を絶たれた。
Between 1983 and 1986, Landy charged about $430,000 annually (equivalent to $1.17 million in 2021).
1983年から1986年にかけて、ランディは年間約43万ドル（2021年の117万ドルに相当）を請求していた。
When Landy requested more money, Carl Wilson was obliged to give away a quarter of Brian's publishing royalties.
ランディがもっとお金を要求すると、カール・ウィルソンはブライアンの出版印税の4分の1を手放さざるを得なくなった。
Landy soon extended to being Brian's creative and financial partner.
ランディはすぐにブライアンのクリエイティブ・パートナー、ファイナンシャル・パートナーへと拡張していった。
Eventually, Landy became his representative at BRI corporate meetings.
やがて、ランディはBRIの会社会議に彼の代表として出席するようになった。
Landy was accused of creating a Svengali-like environment for Wilson, controlling every movement in his life, including his musical direction.
ランディは、スヴェンガリのような環境をつくり、音楽の方向性を含め、ウィルソンの人生のあらゆる動きを支配していると非難された。
Responding to such allegations, Wilson said, "People say that Dr. Landy runs my life, but the truth is, I'm in charge."
そのような疑惑に対して、ウィルソンは「みんなはランディ博士が私の人生を牛耳っていると言うが、本当は私が仕切っているんだ」と言った。
He later claimed that, in mid-1985, he attempted suicide by swimming out to sea as far as he could before one of Landy's aides brought him back to shore.
彼は後に、1985年半ばに、ランディの側近の一人が彼を岸に連れ戻す前に、海に向かって思い切り泳いで自殺を図ったと主張している。
As Wilson's recovery consolidated, he actively participated in the recording of the album The Beach Boys (June 1985).
ウィルソンの回復が固まるにつれ、彼はアルバム『ザ・ビーチ・ボーイズ』（1985年6月）のレコーディングに積極的に参加するようになった。
The publicity surrounding the release labelled it as a "comeback" for Wilson.
このアルバムは、ウィルソンにとって「カムバック」と呼ばれた。
Afterward, he stopped working with his bandmates on a regular basis to focus on launching a solo career with Landy's assistance.
その後、彼はバンドメンバーとの活動を休止し、ランディの支援を受けながらソロ活動に専念する。
Starting in 1986, Wilson engaged his former collaborator Gary Usher in writing songs and recording demos for his prospective solo album at Usher's studio.
1986年から、ウィルソンはかつての協力者ゲイリー・アッシャーのスタジオで曲作りとソロアルバム用のデモの録音に取り組んだ。
They recorded about a dozens songs in varying stages of completion, most of which remain unreleased.
1986年、ウィルソンはかつての協力者ゲイリー・アッシャーと、アッシャーのスタジオでソロ・アルバムのための曲作りとデモ・レコーディングを行った。
This collection of recordings came to be known as "the Wilson Project".
この録音集は「ウィルソン・プロジェクト」として知られるようになった。
Brian Wilson and Sweet Insanity
During this period, Wilson occasionally joined his bandmates at concerts, and he performed his first gig as a solo artist at several charity concerts around Los Angeles.
この間、ウィルソンは時折バンドメンバーのコンサートに参加したり、ロサンゼルス周辺のチャリティ・コンサートでソロ・アーティストとしての初舞台を踏んだりした。
In January 1987, Wilson agreed to a solo contract offered by Sire Records president Seymour Stein, who stipulated his own choice of co-producer, multi-instrumentalist Andy Paley, to keep Wilson on-task.
1987年1月、ウィルソンはサイアー・レコード社長のシーモア・スタインから提示されたソロ契約に同意し、ウィルソンが仕事を続けられるよう、共同プロデューサーにマルチ・インストゥルメンタリストのアンディ・パレイを自ら指名することを規定した。
In exchange, Landy was allowed to take on an "executive producer" role.
その代わり、ランディは「エグゼクティブ・プロデューサー」としての役割を担うことが許された。
Other producers, including Russ Titelman and Lenny Waronker, were soon involved, and difficulties between them and Landy ensued throughout the recording sessions.
その後、ラス・ティテルマンやレニー・ワロンカーなどのプロデューサーも参加し、レコーディングの間、彼らとランディの間でトラブルが続いた。
Released in July 1988, Brian Wilson was met with favorable reviews and moderate sales, peaking at number 52 in the U.S.
1988年7月に発売された『ブライアン・ウィルソン』は好評を博し、売り上げもそこそこで、全米で52位を記録した。
It included "Rio Grande", an eight-minute Western suite written in a similar vein to the songs from Smile.
このアルバムには、『Smile』の曲と同じようなテイストで書かれた8分間の西部劇組曲『Rio Grande』が収録されている。
The LP's release was largely overshadowed by the controversy surrounding Landy and the success of the Beach Boys' "Kokomo", the band's first number-one hit since "Good Vibrations", and their first hit that had no involvement from Wilson.
このLPのリリースは、ランディをめぐる論争と、ビーチ・ボーイズの「ココモ」の成功によって大きく影を潜めた。この曲は、バンドにとって「グッド・ヴァイブレーション」以来のナンバーワンヒットで、ウィルソンが関わっていない初めてのヒットだった。
In 1989, Wilson and Landy formed the company Brains and Genius, by which time Landy had ceased to be Wilson's therapist on legal record and had surrendered his license to practice psychology in the state of California.
1989年、ウィルソンとランディはブレインズ・アンド・ジーニアス社を設立したが、その時点でランディはウィルソンのセラピストとしての法的記録をやめ、カリフォルニア州での心理学の開業許可も返上していた。
Together, they worked on Wilson's second solo album, Sweet Insanity, with Landy co-writing almost all of the material.
彼らはウィルソンのセカンド・ソロ・アルバム『Sweet Insanity』の制作に取り組み、ランディはほぼすべての楽曲を共同執筆している。
Sire rejected the album due to Landy's lyrics and the inclusion of Wilson's rap song "Smart Girls".
サイヤーはランディの歌詞とウィルソンのラップ曲「スマート・ガールズ」が含まれていることを理由にこのアルバムを拒否した。
In May 1989, Wilson recorded "Daddy's Little Girl" for the film She's Out of Control, and in June, was among the featured guests on the charity single "The Spirit of the Forest".
1989年5月、ウィルソンは映画『シーズ・アウト・オブ・コントロール』のために「ダディーズ・リトル・ガール」を録音し、6月にはチャリティ・シングル「ザ・スピリット・オブ・ザ・フォレスト」にゲストとして参加した。
Wilson also collaborated with Linda Ronstadt on her single "Adios".
また、リンダ・ロンシュタットのシングル「アディオス」にも参加している。
Lawsuits and conservatorship
Throughout the 1990s, Wilson was embroiled in numerous lawsuits.
1990年代を通じて、ウィルソンは数々の訴訟に巻き込まれた。
In August 1989, he filed a $100 million suit against Irving Music to recover the song publishing rights that had been sold by his father decades earlier.
1989年8月には、父親が数十年前に売却した楽曲の出版権を取り戻すため、アービング・ミュージックを相手に1億ドルの訴訟を起こした。
Although Wilson failed to recover the rights, he was awarded $10 million through an out of court settlement in April 1992.
しかし、1992年4月、和解により1,000万ドルが支払われた。
By 1990, Wilson was estranged from the Beach Boys, with his bandmates deliberately scheduling recording sessions that Wilson could not attend.
1990年になると、ウィルソンはビーチ・ボーイズと疎遠になり、バンドメンバーはウィルソンが参加できないレコーディング・セッションのスケジュールを意図的に組むようになった。
According to Brother Records president Elliot Lott, the band also twice rejected Wilson's offers to produce an album for them.
ブラザー・レコード社長のエリオット・ロットによると、バンドはウィルソンからのアルバム制作の申し出を2度にわたって拒否したという。
In October 1991, Wilson's first memoir Wouldn't It Be Nice: My Own Story was published.
1991年10月、ウィルソンの最初の回想録『Wouldn't It Be Nice: My Own Story』が出版された。
According to biographer Peter Ames Carlin, in addition to plagiarizing excerpts from earlier biographies, the contents of the book ranged from Wilson's castigations against his bandmates to passages that "read like depositions for their various court cases".
伝記作家のピーター・エイムズ・カーリンによると、この本の内容は、それ以前の伝記からの抜粋の盗用に加えて、ウィルソンのバンドメンバーに対する非難から「彼らの様々な裁判のための供述調書のように読める」文章に及んでいるとのことである。
The book prompted defamation lawsuits from Love, Al Jardine, Carl Wilson, and his mother Audree Wilson.
この本により、ラブ、アル・ジャーディン、カール・ウィルソン、そして母親のオードリー・ウィルソンから名誉毀損で訴えられた。
Following a conservatorship suit filed by Wilson's family in May 1991, Wilson and Landy's partnership was dissolved in December, with a restraining order enacted soon thereafter.
1991年5月にウィルソンの家族から保佐人の訴訟を起こされ、12月にウィルソンとランディのパートナーシップは解消され、その後すぐに接近禁止令が出された。
A month after Wilson was awarded $10 million from his Irving Almo lawsuit, in May 1992, he was sued by Mike Love for decades-long neglected royalties and songwriting credits.
ウィルソンがアーヴィング・アルモの訴訟で1000万ドルを獲得した1ヵ月後の1992年5月、マイク・ラブから何十年も放置されていた印税と作曲クレジットで訴えられる。
In December 1994, the jury ruled in favor of Love, who was awarded $5 million and a share of future royalties from Wilson.
1994年12月、陪審はラブに有利な判決を下し、ラブには500万ドルとウィルソンから将来受け取る印税の分け前が与えられることになった。
Another lawsuit, this time filed by Wilson against his former conservator Jerome Billet, was enacted in September 1995.
1995年9月、今度はウィルソンが元保佐人ジェローム・ビレットを相手取り、別の訴訟を起こした。
Wilson sought $10 million, alleging that Billet "failed to supervise the lawyers" overseeing the suits between Wilson, Irving Music, and Love.
ウィルソンは、ビレットがウィルソン、アービング・ミュージック、ラブの間の訴訟を監督する弁護士を「監督しなかった」と主張し、1,000万ドルを要求した。
According to Melinda, when she and Wilson married in 1995, "we were in the midst of nine separate lawsuits" that were not all resolved until the early 2000s.
メリンダさんによると、ウィルソンさんと結婚した1995年当時、「私たちは9つの訴訟の真っ只中にいた」そうだ。
1992–present: Later years
Paley sessions, Orange Crate Art, and Imagination
Wilson's productivity increased significantly following his disassociation from Landy.
ランディと縁を切ったことで、ウィルソンの生産性は著しく向上した。
The day after the restraining order had been placed on Landy, Wilson had renewed his songwriting partnership with Andy Paley and, together, subsequently wrote and recorded a large collection of material for a proposed Beach Boys album throughout the early to mid-1990s.
ランディに接近禁止命令が出された翌日、ウィルソンはアンディ・ペイリーとの作曲パートナーシップを更新し、その後、1990年代初期から中期にかけて、ビーチ・ボーイズのアルバム案のために大量の曲を書き、レコーディングした。
Concurrently, Wilson worked with Don Was on a documentary about his life, Brian Wilson: I Just Wasn't Made for These Times (1995).
同時に、ウィルソンはドン・ワズとともに、彼の人生についてのドキュメンタリー映画『ブライアン・ウィルソン：アイ・ジャスト・ワズント・メイド・フォー・ゼイ・タイムズ』（1995年）を制作した。
The soundtrack consisted of rerecordings of Beach Boys songs and was released as Wilson's second solo album in August.
このサウンドトラックはビーチ・ボーイズの曲の再録音で構成され、8月にウィルソンのセカンド・ソロ・アルバムとしてリリースされた。
In 1993, Wilson accepted an offer to record an album of songs written by Van Dyke Parks.
1993年、ウィルソンはヴァン・ダイク・パークスが書いた曲のアルバムのレコーディングのオファーを受けた。
Credited to the pair, Orange Crate Art was released in October 1995.
この二人がクレジットされた『Orange Crate Art』は1995年10月にリリースされた。
In the late 1990s, Wilson and Asher rekindled their writing partnership and wrote some songs together.
1990年代後半、ウィルソンとアッシャーは作曲のパートナーシップを再燃させ、何曲か一緒に作曲した。
One of them "Everything I Need", appeared on The Wilsons (1997), a project involving Wilson and his daughters.
そのうちのひとつ「Everything I Need」は、ウィルソンと彼の娘たちが参加したプロジェクト、『The Wilsons』（1997年）に収録された。
Although some recordings were completed with the Beach Boys, the Wilson/Paley project was ultimately abandoned.
ビーチ・ボーイズとのレコーディングも完了したが、ウィルソン／ペイリーのプロジェクトは最終的に放棄された。
Instead, Wilson co-produced the band's 1996 album Stars and Stripes Vol.
その代わり、ウィルソンは1996年の同バンドのアルバム『Stars and Stripes Vol.
1 with Joe Thomas, owner of River North Records and former professional wrestler.
1を、River North Recordsのオーナーで元プロレスラーのジョー・トーマスと共同制作した。
In 1997, Wilson moved to St. Charles, Illinois to work on a solo album project with Thomas Released in June 1998, Wilson described his third album, Imagination, as "really a Brian Wilson/Joe Thomas album."
1997年、ウィルソンはトーマスとのソロ・アルバム・プロジェクトに取り組むためにイリノイ州セント・チャールズに移住した 1998年6月にリリースされたサード・アルバム『イマジネーション』を、ウィルソンは "本当にブライアン・ウィルソン／ジョー・トーマスのアルバム "と表現している。
It peaked at number 88 in the U.S. and was criticized by fans for its homogenized radio pop sound.
全米で88位を記録し、その均質化されたラジオ・ポップ・サウンドはファンから批判を浴びた。
Shortly before the album's release, Wilson suffered the loss of what remained of his immediate family with the deaths of his brother Carl and their mother Audree.
このアルバムがリリースされる少し前に、ウィルソンは弟のカールと母親のオードリーを亡くし、残された肉親を失うという苦難に見舞われた。
Numerous reports from this period suggested that Wilson was being pressured to have a career and exploited by those close to him, including Melinda.
この時期、ウィルソンがキャリアを持つよう圧力をかけられ、メリンダを含む近しい人たちから搾取されていたことを示唆する報道が数多くなされている。
Wilson's daughter Carnie referred to Ledbetter as "Melandy", and Ginger Blake, a family friend, characterized Wilson as "complacent and basically surrendered".
ウィルソンの娘カーニーはレドベッターのことを「メランディ」と呼び、家族の友人であるジンジャー・ブレイクはウィルソンを「自己満足で、基本的に降参している」と特徴づけている。
Mike Love stated that he was in favor of reuniting the Beach Boys with Wilson, however, "Brian usually has someone in his life who tells him what to do. And now that person kinda wants to keep him away from us. I don't know why. You'd have to ask her, I guess."
マイク・ラブは、ウィルソンとビーチ・ボーイズを再結成することに賛成であると述べたが、「ブライアンには通常、何をすべきかを教えてくれる人が人生にいる。そして今、その人は彼を我々から遠ざけようとしている。なぜかはわからない。彼女に聞いてみないとわからないよ」。
Asked if he still considered himself a Beach Boy, Wilson replied, "No. Maybe a little bit."
まだ自分をビーチ・ボーイだと思うかと聞かれたウィルソンは、「いや、少しは思うかもしれない」と答えた。
Referencing Wilson's longtime dependencies on his father and Landy, Westword's Michael Roberts wrote in 2000 that "his public statements over time have tended to reiterate those of whoever's supervising his activities at the moment."
ウィルソンが長年にわたって父親とランディに依存していたことについて、Westwordのマイケル・ロバーツは2000年に「彼の公の発言は、その時々に彼の活動を監督している人物の発言を繰り返す傾向がある」と書いている。
From March to July 1999, Wilson embarked on his first ever solo tour, playing about a dozen dates in the U.S. and Japan.
1999年3月から7月にかけて、ウィルソンは初のソロ・ツアーに乗り出し、米国と日本で約12回の公演を行った。
His supporting band consisted of former Beach Boys touring musician Jeff Foskett (guitar), Wondermints members Darian Sahanaja (keyboards), Nick Walusko (guitar), Mike D'Amico (percussion, drums), and Probyn Gregory (guitar, horns), and Chicago-based session musicians Scott Bennett (various), Paul Mertens (woodwinds), Bob Lizik (bass), Todd Sucherman (drums), and Taylor Mills (backing vocals).
彼のサポート・バンドは、元ビーチボーイズのツアー・ミュージシャン、ジェフ・フォスケット（ギター）、ワンダーミンツのメンバー、ダリアン・サハナジャ（キーボード）、ニック・ワルスコ（ギター）、マイク・ダミーコ（パーカッション、ドラム）、プロビン・グレゴリー（ギター、ホーン）、シカゴのセッションミュージシャン、スコット・ベネット（各種）、ポール・メルテンス（木管楽器）、ボブ・リジク（ベース）、トッド・スチャーマン（ドラム）、テイラー・ミルズ（バックボーカル）であった。
Wilson toured the U.S. again in October.
ウィルソンは10月に再び全米ツアーを行った。
In 2000, Wilson said that the tours "so far [have] been great. I feel much more comfortable on stage now. I have a good band behind me. It's a much better band than the Beach Boys were."
2000年、ウィルソンは「これまでのところ（の）ツアーは最高だった。ステージに立つのがより心地よく感じられるようになった。僕の後ろにはいいバンドがいる。ビーチ・ボーイズのときよりもずっといいバンドだよ」。
In August 1999, Wilson filed suit against Thomas, seeking damages and a declaration which freed him to work on his next album without involvement from Thomas.
1999年8月、ウィルソンはトーマスに対して訴訟を起こし、損害賠償と、トーマスの関与なしに次のアルバムに取り組むことを可能にする宣言を求めた。
Thomas reciprocated with his own suit, citing that Ledbetter had "schemed against and manipulated" him and Wilson.
トーマスは、レドベッターが自分とウィルソンに対して「策略をめぐらし、操った」ことを理由に、自らも訴訟を起こした。
The case was settled out of court.
この訴訟は示談で解決した。
Live albums and Brian Wilson Presents Smile
Early in 2000, Wilson released his first live album, Live at the Roxy Theatre.
2000年初頭、ウィルソンは初のライブ・アルバム『Live at the Roxy Theatre』をリリースした。
Later in the year, he embarked on a series of U.S. concert dates that included the first full live performances of Pet Sounds, with Wilson backed by a 55-piece orchestra.
同年末には、55人編成のオーケストラをバックにした『ペット・サウンズ』の初のフル・ライブを含む全米コンサート・シリーズを開始した。
Van Dyke Parks was commissioned to write an overture arrangement of Wilson's songs.
ヴァン・ダイク・パークスには、ウィルソンの曲の序曲の編曲を依頼した。
Critic Geoff Edgers wrote that the historical importance of the tour was comparable to that of Syd Barret or J.D.
批評家のジェフ・エドガーは、このツアーの歴史的重要性は、シド・バレットやJ.D.サリンジャーが数十年の歳月をかけて再生したことに匹敵すると書いている。
Salinger emerging from their decades-long reclusion.
サリンジャーが数十年にわたる隠遁生活から脱するのに匹敵する歴史的な出来事だった。
Although the tour was positively received by critics, it was poorly attended, and financial losses ran up to hundreds of thousands of dollars.
このツアーは批評家からは好意的に受け入れられたが、参加者は少なく、経済的な損失は数十万ドルに上った。
In March 2001, Wilson attended a tribute show held in his honor at the Radio City Music Hall in New York, where he sang "Heroes and Villains" before a public audience for the first time in decades.
2001年3月、ウィルソンはニューヨークのラジオシティ・ミュージックホールで行われたトリビュート・ショーに出席し、数十年ぶりに一般聴衆の前で「ヒーローズ・アンド・ビランズ」を歌った。
The Pet Sounds tour was followed by another in 2002, this time playing in Europe, with a sold-out four-night residency at the Royal Festival Hall in London.
ペット・サウンズのツアーは2002年にも行われ、今度はヨーロッパで演奏し、ロンドンのロイヤル・フェスティバル・ホールで行われた4日間の公演は完売となった。
Recordings from these concerts were released in the form of a second live album, Brian Wilson Presents Pet Sounds Live (June 2002).
このコンサートの録音は、2枚目のライブ・アルバム『Brian Wilson Presents Pet Sounds Live』としてリリースされた（2002年6月）。
Over the next year, Wilson continued sporadic recording sessions for his fourth solo album, Gettin' In over My Head.
翌年、ウィルソンは4枚目のソロ・アルバム『Gettin' In over My Head』のレコーディング・セッションを散発的に続けている。
Released in June 2004, the record featured guest appearances from Van Dyke Parks, Paul McCartney, Eric Clapton, and Elton John.
2004年6月にリリースされたこのアルバムには、ヴァン・ダイク・パークス、ポール・マッカートニー、エリック・クラプトン、エルトン・ジョンがゲストとして参加している。
Some of the songs were leftovers from Wilson's past collaborations with Paley and Thomas.
曲のいくつかは、ウィルソンが過去にペイリーやトーマスとコラボレートしたときの残りであった。
To the surprise of his associates, Wilson agreed to follow the Pet Sounds tours with concert dates that would feature songs from the unfinished Smile album arranged for live performance.
ウィルソンは、「ペット・サウンズ」のツアーに続いて、未完成のアルバム「スマイル」の曲をライブ用にアレンジしたコンサートを開催することに同意し、関係者を驚かせた。
Sahanaja assisted Wilson with the sequencing, and later, they were joined by Parks, who was brought in to contribute additional lyrics.
サハナジャはウィルソンのシークエンスに協力し、後にパークスも加わって、歌詞を書き加えた。
Brian Wilson Presents Smile (BWPS) premiered at the Royal Festival Hall in London in February 2004.
ブライアン・ウィルソン・プレゼンツ・スマイル（BWPS）は2004年2月にロンドンのロイヤル・フェスティバル・ホールで初演された。
Encouraged by the positive reception, a studio album adaptation was soon recorded.
好評に後押しされ、すぐにスタジオ・アルバム化のレコーディングが行われた。
Wilson's engineer Mark Linett recalled that when he handed Wilson the CD of the completed album, "I swear you could see something change in him. And he's been different ever since."
ウィルソンのエンジニア、マーク・リネットは、完成したアルバムのCDをウィルソンに渡したとき、「彼の中で何かが変わるのが見えたと誓うよ」と回想している。それ以来、彼はずっと変わってしまったんだ」。
According to Sahanaja, Wilson held the CD to his chest and said, "'I'm going to hold this dear to my heart.' He was trembling."
サハナジャによると、ウィルソンはCDを胸に抱いて、「"これを大切に持っていこう "と言っていた。彼は震えていたよ"
Released in September, BWPS debuted at number 13 on the Billboard 200, the highest chart position of any album by the Beach Boys or Brian Wilson since 1976's 15 Big Ones, and the highest ever debut for a Beach Boys-related album.
9月に発売されたBWPSは、ビルボード200で13位にランクインし、1976年の『15 Big Ones』以来、ビーチ・ボーイズやブライアン・ウィルソンのアルバムとしては最高のチャート位置を獲得し、ビーチ・ボーイズ関連のアルバムとしては史上最高のデビューとなった。
It was later certified platinum.
このアルバムは後にプラチナ認定された。
In support of BWPS, Wilson embarked on a world tour that included stops in the US, Europe, and Japan.
BWPSを引っさげて、ウィルソンはアメリカ、ヨーロッパ、日本を含むワールドツアーを開始した。
Sahanaja told Australian Musician, "In six years of touring this is the happiest we've ever seen Brian, I mean consistently happy".
サハナジャはオーストラリアン・ミュージシャンに、「6年間のツアーで、ブライアンを見た中で一番幸せだった、つまり一貫して幸せだった」と語っている。
In July 2005, Wilson performed a concert at Live 8 in Berlin watched by a television audience of about three million.
2005年7月、ウィルソンはベルリンで行われたライブ8でコンサートを行い、約300万人のテレビ視聴者が見守る中、ライブを終えた。
In September 2005, Wilson arranged a charity drive to aid victims of Hurricane Katrina, wherein people who donated $100 or more would receive a personal phone call from Wilson.
2005年9月、ウィルソンはハリケーン・カトリーナの被災者を支援するためのチャリティ・ドライブを企画し、100ドル以上の寄付をした人にウィルソンから個人的に電話をかけることにしている。
According to the website, over $250K was raised.
ウェブサイトによると、25万ドル以上の寄付が集まった。
In November, Mike Love sued Wilson over "shamelessly misappropriating [...] Love's songs, likeness, and the Beach Boys trademark, as well as the 'Smile' album itself" in the promotion of BWPS.
11月、マイク・ラブはBWPSのプロモーションにおいて「ラブの歌、肖像、ビーチ・ボーイズの商標、そしてアルバム『スマイル』そのものを恥知らずにも流用した」としてウィルソンを提訴した。
The lawsuit was ultimately dismissed on grounds that it was meritless.
この訴訟は、最終的に無意味であるという理由で却下された。
Covers albums, That Lucky Old Sun, and Beach Boys reunion
In October 2005, Arista Records released Wilson's album What I Really Want for Christmas, which contained two new originals by Wilson.
2005年10月、アリスタ・レコードはウィルソンのアルバム『What I Really Want for Christmas』をリリースし、ウィルソンの新しいオリジナル曲2曲を収録した。
To celebrate the 40th anniversary of Pet Sounds, Wilson embarked on a brief tour in November 2006.
Pet Soundsの40周年を記念して、ウィルソンは2006年11月に短いツアーを開始した。
Al Jardine accompanied Wilson for the tour.
このツアーにはアル・ジャーディンが同行した。
In 2007, the Southbank Centre in London commissioned Wilson to create another song cycle in the style of Smile.
2007年、ロンドンのサウスバンク・センターは、ウィルソンに『Smile』のスタイルで別の曲のサイクルを作るよう依頼した。
With Scott Bennett, Wilson reconfigured a collection of songs that they had recently written and recorded together.
スコット・ベネットと一緒に、ウィルソンは最近書いて録音した曲のコレクションを再構成した。
The result, That Lucky Old Sun, was a semi-autobiographical conceptual piece about California.
その結果、『That Lucky Old Sun』は、カリフォルニアについての半自伝的なコンセプチュアル作品となった。
One year after Wilson premiered the work in London, a studio-recorded version of the piece was released as his seventh solo album in September 2008.
ロンドンでの初演から1年後、この作品のスタジオ録音版が2008年9月に彼の7枚目のソロアルバムとしてリリースされた。
It received generally favorable reviews.
この作品は、概ね好評を博した。
Around this time, Wilson announced that he was developing another concept album, titled Pleasure Island: A Rock Fantasy.
この頃、ウィルソンは『Pleasure Island』というタイトルの別のコンセプト・アルバムを開発中であることを発表している。A Rock Fantasy "と題したコンセプト・アルバムを制作中であることを発表した。
Accordingly: "It's about some guys who took a hike, and they found a place called Pleasure Island. And they met all kinds of chicks, and they went on rides and — it's just a concept. I haven't developed it yet. I think people are going to love it — it could be the best thing I've ever done."
それによると 「ハイキングに出かけた男たちが、プレジャー・アイランドという場所を見つけたという話だ。そして、いろんな女の子に出会って、乗り物に乗って......あくまでコンセプトだよ。まだ開発してないんだ。でも、きっとみんなに気に入ってもらえると思うんだ。
In 2009, Wilson was asked by Walt Disney Records to record an album of Disney songs.
2009年、ウィルソンはウォルト・ディズニー・レコードから、ディズニーの曲を集めたアルバムのレコーディングを依頼された。
He accepted on the condition that he could also record an album of George Gershwin songs as part of the deal.
彼は、契約の一環としてジョージ・ガーシュウィンの曲のアルバムも録音することを条件に、これを引き受けた。
The latter, Brian Wilson Reimagines Gershwin, was released in August 2010; it reached number 26 on the Billboard 200 and topped Billboard's Jazz Albums chart.
2010年8月に発売された『Brian Wilson Reimagines Gershwin』は、ビルボード200で26位、ビルボードのジャズ・アルバム・チャートで上位にランクされた。
Wilson embarked on a concert tour in which he performed the album in its entirety.
ウィルソンは、このアルバムを全曲演奏するコンサートツアーを開始した。
In October 2011, the record was followed by In the Key of Disney, which peaked at number 83 in the U.S.
2011年10月には、『イン・ザ・キー・オブ・ディズニー』が発売され、全米83位を記録した。
The album was largely overshadowed by the release of The Smile Sessions one week later.
このアルバムは、その1週間後に発売された『The Smile Sessions』によって、大きな影を落とすことになった。
Whether Wilson had truly consented to his semi-regular touring schedule since the 2000s remained a subject of debate among fans.
2000年代以降の半定期的なツアースケジュールをウィルソンが本当に承諾していたのかどうかは、ファンの間で議論の対象となったままである。
Wilson himself frequently stated that he enjoyed live performances, however, writing in his 2011 book about the Beach Boys, Jon Stebbins concluded, "His handlers, managers, and wife insist that he works. It's all a bit Landy-like when you look behind the curtain."
しかし、ジョン・ステビンズは2011年に出版したビーチ・ボーイズに関する本の中で、「彼のハンドラー、マネージャー、そして妻は、彼が働くことを主張している」と結論づけている。カーテンの裏を見ると、ちょっとランディっぽいんだ。"
Stebbins referred to a "recent interview [in which Brian was asked] what he disliked the most about touring, [and] Brian replied that it was going on stage and performing. [...] Upon hearing Brian say that, his 'handler' quickly reminded Brian, through a fake smile, that he loved performing."
ステビンズは、「最近のインタビューで、ブライアンはツアーで何が一番嫌いかと聞かれ、ブライアンはステージに上がって演奏することだと答えた」と言及した。[中略）ブライアンがそう言うのを聞いて、彼の "ハンドラー "はすぐにブライアンに、偽の笑顔で、彼はパフォーマンスをするのが好きなんだと思い出させたんだ」。
Asked about Wilson's alleged exploitation in an interview, Jeff Foskett denied the reports.
インタビューでウィルソンの搾取疑惑について尋ねられたジェフ・フォスケットは、この報道を否定した。
In mid-2011, Wilson reunited with his bandmates to rerecord "Do It Again" surreptitiously for a potential 50th anniversary album.
2011年半ば、ウィルソンはバンドメンバーと再結成し、50周年記念アルバムの候補として「Do It Again」を密かに再レコーディングした。
Rumors that the group would reunite for a world tour soon appeared in the music press.
グループがワールド・ツアーのために再結成するという噂は、すぐに音楽専門誌に掲載された。
Wilson stated in a September report that he was not participating in the tour with his bandmates.
ウィルソンは9月の報道で、バンドメンバーとのツアーには参加しないことを明言した。
"I don't really like working with the guys, but it all depends on how we feel and how much money's involved. Money's not the only reason I made records, but it does hold a place in our lives."
「でも、それは僕らがどう感じるか、そしてどれだけのお金が関わってくるかによるんだ。僕がレコードを作る理由はお金だけじゃないけど、僕らの生活の中で重要な位置を占めているんだ"。
Wilson ultimately agreed to the tour, which lasted until September 2012, and an album, That's Why God Made the Radio, released in June 2012.
ウィルソンは最終的に2012年9月まで続いたツアーに同意し、2012年6月にアルバム『That's Why God Made the Radio』がリリースされた。
By then, Wilson had renewed his creative partnership with Joe Thomas.
その頃、ウィルソンはジョー・トーマスとのクリエイティブ・パートナーシップを更新していた。
Although Wilson was listed as the album's producer, Thomas was credited with "recording", while Mike Love was "executive producer".
ウィルソンはアルバムのプロデューサーとして記載されているが、トーマスは「レコーディング」、マイク・ラブは「エグゼクティブ・プロデューサー」とクレジットされている。
No Pier Pressure and At My Piano
In June 2013, Wilson's website announced that he was recording and self-producing new material with Don Was, Al Jardine, David Marks, former Beach Boy Blondie Chaplin, and guitarist Jeff Beck.
2013年6月、ウィルソンのウェブサイトは、ドン・ワス、アル・ジャーディン、デヴィッド・マークス、元ビーチボーイのブロンディ・チャップリン、そしてギタリストのジェフ・ベックと新曲を録音しセルフプロデュースしていることを発表している。
It stated that the material might be split into three albums: one of new pop songs, another of mostly instrumental tracks with Beck, and another of interwoven tracks dubbed "the suite" which initially began form as the closing four tracks of That's Why God Made the Radio.
その内容は、新しいポップ・ソングを収録したアルバム、ベックとのインストゥルメンタル曲を中心としたアルバム、そして「スイート」と呼ばれる、当初は『ザッツ・ホワイ・ゴッド・メイド・ザ・レディオ』のエンディング4曲という形で始まった曲を織り込んだアルバムの3つに分けられるかもしれないと書かれている。
In January 2014, Wilson declared in an interview that the Beck collaborations would not be released.
2014年1月、ウィルソンはインタビューで、ベックとのコラボレーションはリリースされないと宣言した。
In September 2014, Wilson attended the premiere of the Bill Pohlad-directed biopic of his life, Love & Mercy, at the Toronto International Film Festival.
2014年9月、ウィルソンはトロント国際映画祭で、ビル・ポーラッド監督による自身の半生を描いた伝記映画『ラブ＆マーシー』のプレミア上映に出席した。
Wilson had contributed a song to the film, "One Kind of Love", that was nominated for Best Original Song at the 2016 Golden Globe Awards.
ウィルソンはこの映画に楽曲「One Kind of Love」を提供し、2016年のゴールデン・グローブ賞で最優秀オリジナル楽曲賞にノミネートされていた。
In October 2014, BBC released a newly recorded version of "God Only Knows" with guest appearances by Wilson, Brian May, Elton John, Jake Bugg, Stevie Wonder, Lorde, and many others.
2014年10月、BBCはウィルソン、ブライアン・メイ、エルトン・ジョン、ジェイク・バグ、スティービー・ワンダー、ローデなどがゲスト参加した「ゴッド・オンリー・ノウズ」の新録ヴァージョンをリリースした。
It was recorded to celebrate the launch of BBC Music.
これはBBC Musicの立ち上げを記念して録音されたものである。
A week later, Wilson was featured as a guest vocalist on the Emile Haynie single "Falling Apart".
その1週間後、ウィルソンはエミール・ヘイニーのシングル「Falling Apart」にゲスト・ヴォーカリストとして参加している。
Wilson's cover of Paul McCartney's "Wanderlust" was released on the tribute album The Art of McCartney in November.
ポール・マッカートニーの「Wanderlust」のウィルソンのカバーは、11月のトリビュート・アルバム『The Art of McCartney』で発表された。
Released in April 2015, No Pier Pressure marked another collaboration between Wilson and Joe Thomas, featuring guest appearances from Jardine, Marks, Chaplin, and others.
2015年4月にリリースされた『No Pier Pressure』は、ウィルソンとジョー・トーマスのもうひとつのコラボレーションとなり、ジャーディン、マークス、チャップリンらがゲスト参加した。
Fans reacted negatively to the announcement that Wilson would be recording a duets album, describing it as a "cash-in".
ウィルソンがデュエット・アルバムをレコーディングするという発表に、ファンは否定的な反応を示し、「キャッシュイン」だと表現している。
A Facebook post attributed to Wilson responded to the feedback: "In my life in music, I've been told too many times not to fuck with the formula, but as an artist it's my job to do that."
ウィルソンと述べているフェイスブックの投稿は、このフィードバックに応えている。"音楽人生で、公式をなめるなと何度も言われたけど、アーティストとしてそれをやるのが僕の仕事なんだ"。
The album reached the U.S. top 30, but critical reaction was mixed due to the adult contemporary arrangements and excessive use of autotune.
アルバムは全米トップ30に入ったが、アダルト・コンテンポラリーなアレンジとオートチューンの過剰な使用により、批評家の反応は散々なものであった。
Later in the year, Sahanaja was asked if Wilson was reaching the end of his career as a performing artist.
その年の暮れ、サハナジャは、ウィルソンがアーティストとしてのキャリアに終止符を打ったのではと問われ、こう答えた。
He answered, "I gotta be honest.
という質問に、「正直に言うとね。
Each of the past five years I thought to myself, 'Well, this is probably going to be it.'" In March 2016, Wilson embarked on the Pet Sounds 50th Anniversary World Tour, promoted as his final performances of the album.
過去5年間、それぞれ自分自身で "まあ、これで終わりだろう "と思っていたんだ」。2016年3月、ウィルソンは『ペット・サウンズ』50周年記念ワールド・ツアーに乗り出し、アルバムの最終公演として宣伝した。
In October, his second memoir, I Am Brian Wilson, was published.
10月には、2冊目の回顧録『I Am Brian Wilson』が出版された。
It was written by journalist Ben Greenman through several months of interviews with Wilson.
これはジャーナリストのベン・グリーンマンが数ヶ月にわたるウィルソンへのインタビューを通じて執筆したものである。
Also in October, Wilson announced a new album, Sensitive Music for Sensitive People, comprising originals and rock and roll cover songs.
同じく10月、ウィルソンはオリジナルとロックンロールのカバー曲で構成されたニューアルバム『Sensitive Music for Sensitive People』を発表。
He described the name as a "working title" and said that recording would begin in December.
彼はこの名前を「ワーキング・タイトル」と表現し、12月にレコーディングを開始する予定であると述べた。
Asked about negative remarks made against him in Wilson's book, Love disputed that Wilson's printed statements were actually spoken by him and suggested that Wilson is "not in charge of his life, like I am mine. [...] But, I don't like to put undue pressure on him [...] because I know he has a lot of issues."
ウィルソンの本の中で自分に対して否定的な発言があったことについて聞かれたラブは、ウィルソンが印刷した文章が実際に自分が話したものだと反論し、ウィルソンは「私が私の人生のように、彼の人生の責任者ではない」と示唆した。[...] でも、彼に過度なプレッシャーを与えるのは好きじゃないんだ [...] 彼が多くの問題を抱えていることは知っているからね。"
During the filming of the 2021 documentary Brian Wilson: Long Promised Road, Wilson remarked that he had not "had a friend to talk to in three years."
2021年のドキュメンタリー映画『ブライアン・ウィルソン』の撮影中、ウィルソンはこう語っている。Long Promised Road』の撮影中、ウィルソンは "3年間話す友達がいなかった "と発言している。
In a 2016 Rolling Stone interview, Wilson responded to a question about retiring: "Retirement? Oh, man. No retiring. If I retired I wouldn't know what to do with my time. What would I do? Sit there and go, 'Oh, I don't want to be 74'? I'd rather get on the road and do concerts and take airplane flights."
2016年のローリング・ストーンのインタビューで、ウィルソンは引退についての質問にこう答えている。"引退？やばいな。引退はない。もし引退したら、自分の時間をどうしたらいいのかわからない。どうするかって？74歳にはなりたくない」とでも言うのか？むしろツアーに出てコンサートをしたり、飛行機で飛んだりしたいね"。
Similarly, in 2017, Wilson told Rolling Stone that he had not written a song since 2012, but still had no intentions of retiring from the road.
同様に2017年、ウィルソンはローリング・ストーン誌に、2012年以来曲は書いていないが、それでもロードから引退するつもりはないと語っている。
In 2019, Wilson embarked on a co-headlining tour with the Zombies, performing selections from Friends and Surf's Up.
2019年、ウィルソンはゾンビーズとの共同ヘッドライン・ツアーに乗り出し、『フレンズ』や『サーフズ・アップ』からの選曲を披露している。
Around this time, Wilson had two back surgeries that left him unable to get around without a walker.
この頃、ウィルソンは2度の背中の手術を受け、歩行器なしでは移動できない状態になっていた。
Wilson was still performing concerts shows at the time the COVID-19 pandemic emerged in early 2020.
2020年初頭にCOVID-19のパンデミックが発生した時も、ウィルソンはコンサート・ショーを行っていた。
He resumed his concert touring in August 2021, with many dates rescheduled to the next year.
彼は2021年8月にコンサート・ツアーを再開し、多くの日程が翌年に変更された。
Two releases followed in November.
その後、11月に2枚のリリースが行われた。
The first, At My Piano, was issued by Decca and consists of new instrumental rerecordings of Wilson's songs played by himself on piano.
1枚目はデッカから発売された『アット・マイ・ピアノ』で、ウィルソンの曲を彼自身がピアノで演奏した新しいインストゥルメンタル再録音で構成されている。
The second was the soundtrack to Long Promised Road, which includes new and previously unreleased recordings by Wilson.
もう1枚は『ロング・プロミセッド・ロード』のサウンドトラックで、ウィルソンの新録音と未発表音源を収録している。
Artistry
Influences
Early influences
Chord-wise, Wilson's main music influences come from rock and roll, doo-wop, and vocal-based jazz.
ウィルソンは、ロックンロール、ドゥーワップ、ヴォーカルベースのジャズから主に影響を受けている。
At about age two, he heard Glenn Miller's 1943 rendition of Gershwin's Rhapsody in Blue, which had a profound emotional impact on him.
2歳頃、グレン・ミラーが1943年に演奏したガーシュウィンのラプソディー・イン・ブルーを聴き、深い感動を覚えたという。
Wilson said, "It sort of became a general life theme [for me]."
ウィルソンは、「この曲は、ある意味、私の人生のテーマとなった」と語っている。
As a child, his favorite artists included Roy Rogers, Carl Perkins, Bill Haley, Elvis Presley, Henry Mancini, and Rosemary Clooney.
子供の頃、彼の好きなアーティストは、ロイ・ロジャース、カール・パーキンス、ビル・ヘイリー、エルビス・プレスリー、ヘンリー・マンシーニ、ローズマリー・クルーニーなどであった。
Asked for the first music that he had felt compelled to learn and sing repeatedly, Wilson answered with Haley's 1954 recording of "Rock Around the Clock".
繰り返し学び、歌わなければならないと感じた最初の音楽を尋ねられたウィルソンは、ヘイリーが1954年に録音した「ロック・アラウンド・ザ・クロック」と答えている。
Most of Wilson's education in music composition and jazz harmony came from deconstructing the harmonies of his favorite vocal group, the Four Freshmen, whose repertoire included songs by Gershwin, Jerome Kern, and Cole Porter.
作曲とジャズ・ハーモニーに関するウィルソンの教育のほとんどは、ガーシュウィン、ジェローム・カーン、コール・ポーターなどの曲をレパートリーにしていた彼のお気に入りのボーカル・グループ、フォー・フレッシュメンのハーモニーを分解することから得られたものである。
Wilson credited his mother with introducing him to the Four Freshmen, and he attributed his love for harmonies and the human voice to the group, whom he considered had a "groovy sectional sound".
ウィルソンは、母親がフォー・フレッシュメンを紹介してくれたと信じており、ハーモニーと人間の声に対する愛情は、彼が「グルーヴィーなセクション・サウンド」を持つグループだと考えていたことに起因している。
Their 1956 album Freshmen Favorites was the first pop album that Wilson listened to in its entirety and he cited Voices in Love (1958) as "probably the greatest single vocal album I've ever heard".
1956年の彼らのアルバム『フレッシュメン・フェイバリッツ』は、ウィルソンが初めて全曲を聴いたポップ・アルバムであり、『ヴォイセズ・イン・ラブ』（1958年）を「おそらく私がこれまで聴いた中で最も素晴らしいシングル・ボーカル・アルバム」として挙げている。
He referred to their arranger, Dick Reynolds, as "just about a God to me" and later employed his services for the Beach Boys' Christmas album and Adult/Child.
彼は彼らのアレンジャーであるディック・レイノルズを「私にとっての神様のような存在」と呼び、後にビーチ・ボーイズのクリスマス・アルバムや『Adult/Child』で彼のサービスを利用することになる。
It is likely that Wilson learned virtually the entirety of the Four Freshmen's recorded repertoire up through 1961, after which his obsession with the group was reduced.
1961年までフォー・フレッシュメンのレコーディングされたレパートリーのほぼ全てをウィルソンが学んだと思われるが、それ以降はグループに対する執着が薄れていった。
Inquired for his music tastes in 1961, Wilson replied, "top 10", referring to essentially any of the top hits of the era.
1961年当時、音楽の好みを聞かれたウィルソンは「トップ10」と答え、その時代のトップヒットを基本的に指していた。
Particular favorites included many songs by Chuck Berry, the Coasters, and the Everly Brothers.
特に好きだったのは、チャック・ベリー、コースターズ、エバリー・ブラザーズの多くの曲である。
Later in his career, Wilson recorded renditions of certain favorites, including the Everly Brothers' "Devoted to You" (1958), the Robins' "Smokey Joe's Cafe" (1955), the Olympics' "Hully Gully" (1960), the Shirelles' "Mama Said" (1961), and the Regents' "Barbara Ann" (1961).
その後、ウィルソンはエヴァリー・ブラザーズの「デヴォーテッド・トゥ・ユー」（1958年）、ロビンズの「スモーキー・ジョーズ・カフェ」（1955年）、オリンピックズの「ハリー・ガリー」（1960年）、シャレルズの「ママ・セッド」（1961年）、リーゼンツの「バーバラ・アン」（1961年）など特定のお気に入りの曲を演奏したものを録音している。
He disliked surf music when the Beach Boys began forming; in the estimation of biographer Timothy White, Wilson instead aspired for a "new plateau midway between Gershwin and the best Four Freshmen material".
伝記作家のティモシー・ホワイトによれば、ウィルソンは代わりに「ガーシュウィンとフォー・フレッシュメンの最高の楽曲の中間にある新しいプラトー」を目指した。
Gershwin's influence became more apparent in Wilson's music later in his career, particularly after the 1970s, when he dedicated himself to learning the violin parts from Rhapsody in Blue for the first time.
ガーシュインの影響は、ウィルソンの音楽の中でより明らかになり、特に1970年代以降は、『ラプソディ・イン・ブルー』のヴァイオリン・パートを初めて習得することに専念している。
In 1994, Wilson recorded a choral version of Rhapsody in Blue with Van Dyke Parks.
1994年、ウィルソンはヴァン・ダイク・パークスと『ラプソディ・イン・ブルー』の合唱版を録音している。
Spector and Bacharach
Phil Spector's influence on Wilson is well-documented.
フィル・スペクターがウィルソンに与えた影響については、よく知られている。
In a 1966 article, Wilson referred to Spector as "the single most influential producer."
1966年の記事で、ウィルソンはスペクターのことを "最も影響力のある唯一のプロデューサー "と言っている。
He reaffirmed in 2000 that Spector was "probably the biggest influence of all [...] Anybody with a good ear can hear that I was influenced by Spector. I would listen to his records and pick up ideas."
彼は2000年に、スペクターが「おそらく最も大きな影響を与えた人物」であると再確認している[...] 私がスペクターから影響を受けたことは、耳の良い人なら誰でも分かるだろう。彼のレコードを聴いて、アイデアを得ることができたんだ」。
Wilson particularly admired Spector's treatment of "the song as one giant instrument. [...] Size was so important to him, how big everything sounded. And he had the best drums I ever heard."
ウィルソンは特にスペクターの「曲をひとつの巨大な楽器として扱う」ことに感心していた。[中略）彼にとってはサイズがとても重要で、すべてがいかに大きく聞こえるかが重要だった。それに、彼のドラムは今まで聴いた中で一番良かった」。
He often cited Spector's Christmas album as his favorite album of all time.
彼はよくスペクターのクリスマス・アルバムを一番好きなアルバムとして挙げていた。
Wilson stated that he was made aware of Spector's records via Bob Norberg.
ウィルソンは、スペクターのレコードを知ったのはボブ・ノーバーグ経由だったと述べている。
According to White, the Crystals' Spector-produced hit "He's a Rebel" (1962) "hit Brian hardest" when it was released.
ホワイトによれば、スペクターがプロデュースしたクリスタルズのヒット曲「ヒーズ・ア・レベル」（1962年）が発表されたとき、「ブライアンを最も激しく打ちのめした」そうだ。
Wilson recalled that when he heard the Ronettes' 1963 hit "Be My Baby" for the first time through his car radio, he immediately pulled over to the side of the road and deemed it the greatest record he had ever heard.
ウィルソンは、ロネッツの1963年のヒット曲「ビー・マイ・ベイビー」をカーラジオから初めて聞いたとき、すぐに道端に車を止め、これまで聞いた中で最高のレコードと判断したと回想している。
His 2016 memoir states that he met Spector only a few days after hearing "Be My Baby" for the first time.
2016年の回顧録には、「ビー・マイ・ベイビー」を初めて聴いたわずか数日後にスペクターに会ったと書かれている。
Biographer James Murphy says that Lou Adler may have personally introduced Wilson to Spector around June 1963.
伝記作家のジェームス・マーフィーは、1963年6月頃、ルー・アドラーが個人的にウィルソンをスペクターに紹介したのではないかと述べている。
Most accounts suggest that Spector had not shared the same admiration for Wilson's music, but according to Larry Levine, "Brian was one of the few people in the music business Phil respected. [...] Phil would tell anybody who listened that Brian was one of the great producers."
しかし、ラリー・レヴィーンによれば、「ブライアンは音楽業界でフィルが尊敬していた数少ない人物の一人だった。[フィルは誰にでも、ブライアンは偉大なプロデューサーのひとりだと言って聞かせるんだ」。
He remembered that when Wilson attended Spector's sessions, Wilson "would ask questions, but [he] always understood what was happening in the studio. They had a good rapport."
スペクターのセッションに参加したウィルソンは、「質問をすることもあったが、スタジオで何が起こっているのかを常に理解していた」と彼は回想している。二人はいい関係だったんだ」。
After Spector's "You've Lost That Lovin' Feelin'" (1964) became a hit for the Righteous Brothers, Wilson personally phoned Spector's co-writers, Barry Mann and Cynthia Weil, to praise it as the "greatest record ever" and expressed a wish to be their co-writer on future songs.
スペクターの「ユー・ロスト・ザ・ラヴィン・フィーリング」（1964年）がライト・ユー・ブラザーズのヒットとなった後、ウィルソンはスペクターの共同作曲家であるバリー・マンとシンシア・ワイルに自ら電話をかけ、「史上最高のレコード」と賞賛し、将来彼らの共同作曲家になりたいという意思を表明した。
Wilson unsuccessfully submitted two of his compositions to the producer: "Don't Worry Baby" and "Don't Hurt My Little Sister"; both written with the Ronettes in mind.
ウィルソンは、プロデューサーに自作を2曲提出したが、失敗に終わった。「Don't Worry Baby」と「Don't Hurt My Little Sister」だ。どちらもロネッツを意識して書かれた曲である。
In 1977, Wilson wrote a 1950s style love song, "Mona", whose lyrics discuss some of his favorite songs by Spector, including "Da Doo Ron Ron" and "Be My Baby".
1977年、ウィルソンは1950年代風のラブソング「モナ」を書き、その歌詞は「ダ・ドゥ・ロンロン」や「ビー・マイ・ベイビー」など、スペクターの好きな曲のいくつかを取り上げている。
Burt Bacharach is among the "often-overlooked" influences on Wilson's music.
バート・バカラックは、ウィルソンの音楽に「しばしば見過ごされる」影響を与えた人物のひとりである。
In a 1998 interview, he cited Bacharach as "probably the greatest songwriting genius of the 20th century, and that includes...even better than George Gershwin."
1998年のインタビューで、彼はバカラックを "おそらく20世紀最大のソングライティングの天才で、それにはジョージ・ガーシュインよりも優れている "と引用している。
He named Spector and Bacharach (along with Chuck Berry) as his main influences chord-wise.
彼はスペクターとバカラックを（チャック・ベリーと一緒に）コード的に主に影響を受けた人物として挙げている。
Earlier in 1966, he said, "Burt Bacharach and Hal David are more like me. They're also the best pop team – per se – today. As a producer, Bacharach has a very fresh, new approach."
1966年の初めには、「バート・バカラックとハル・デイヴィッドは、どちらかというと僕に似ている。彼らは、今日、最高のポップ・チームでもある。プロデューサーとして、バカラックはとても新鮮で新しいアプローチをしている"。
He later said that Bacharach's work "had such a profound thing on my head; he got me going in a direction."
彼は後に、バカラックの作品について、"私の頭にとても深いものを与えてくれた。"彼が私をある方向へ向かわせたのだ、と語っている。
Wilson produced renditions of Bacharach's "My Little Red Book" and "Walk On By" in 1967 and 1968, respectively, but left the recordings unreleased.
ウィルソンは1967年と1968年にそれぞれバカラックの「マイ・リトル・レッド・ブック」と「ウォーク・オン・バイ」を演奏したが、この録音は未発表のままになっている。
Asked for songs he wished he had written, he listed "You've Lost That Lovin' Feelin'", "Be My Baby", and Bacharach's "Here I Am".
自分が書きたかった曲を聞かれ、「You've Lost That Lovin' Feelin'」、「Be My Baby」、そしてバカラックの「Here I Am」を挙げた。
Others
Although it is often reported that the Beach Boys and the Beatles reciprocated each other's musical developments, Wilson rebuked the suggestion that he had been influenced by his rivals.
ビーチ・ボーイズとビートルズは互いの音楽的発展に貢献したとよく言われるが、ウィルソンは自分がライバルから影響を受けたという指摘をはねのけた。
"The Beatles inspired me. They didn't influence me."
「ビートルズは私にインスピレーションを与えた。彼らは私に影響を与えなかった"
Carl Wilson supported that his brother preferred the music of Phil Spector over the Beatles.
カール・ウィルソンは、兄がビートルズよりもフィル・スペクターの音楽を好んでいたことを支持した。
"He loved the Beatles' later music when they evolved and started making intelligent, masterful music, but before that Phil was it."
彼はビートルズが進化して知的で傑作な音楽を作り始めた後の音楽を愛していたが、それ以前はフィルがそれだった。
In a 1969 interview, Mike Love rejected the notion of Brian being influenced by the Beatles, adding that "Brian was in his own world, believe me."
1969年のインタビューでマイク・ラブは、ブライアンがビートルズに影響を受けたという考え方を否定し、"ブライアンは自分の世界にいた、信じてくれ "と付け加えている。
Wilson acknowledged that he was highly self-conscious of the Beatles as a cultural force.
ウィルソンは、ビートルズを文化的な力として強く意識していたことを認めている。
He recalled that he and Mike Love immediately felt threatened by the Beatles and added that he knew the Beach Boys could never match the excitement created by the Beatles as performers, and that this realization led him to concentrate his efforts on trying to outdo them in the recording studio.
彼とマイク・ラブはすぐにビートルズに脅威を感じたと振り返り、ビーチ・ボーイズはパフォーマーとしてのビートルズが作り出す興奮には決してかなわないと知っており、この認識からレコーディング・スタジオでビートルズを凌駕しようとすることに努力を傾けるようになったと付け加えた。
In a 2002 interview, Wilson said that each new Beatles release, particularly over 1964–65, pushed him "to try something new" in his work.
2002年のインタビューでウィルソンは、特に1964年から65年にかけてビートルズの新作が発表されるたびに、自分の作品に「何か新しいことをやってみよう」と背中を押されたと語っている。
He praised Paul McCartney's bass playing, calling it "technically fantastic, but his harmonies and the psychological thing he brings to the music comes through. Psychologically he is really strong [...] The other thing that I could never get was how versatile he was. [...] we would spend ages trying to work out where he got all those different types of songs from."
彼はポール・マッカートニーのベースプレイを賞賛し、「技術的にも素晴らしいが、彼のハーモニーと、彼が音楽にもたらす心理的なものが伝わってくる」と述べている。彼は心理的にとても強いんだ[...]もうひとつ、僕が理解できなかったのは、彼がどれだけ多才かということ。[私たちは、彼がどこからさまざまなタイプの曲を持ってくるのか、何年もかけて調べようとしたものです」。
Granata writes that Wilson also admired Frankie Valli and the Four Seasons, although Wilson rarely singled them out in interviews.
グラナタは、ウィルソンはフランキー・ヴァリとフォー・シーズンズも賞賛していたと書いているが、ウィルソンはインタビューの中で彼らを特別視することはほとんどなかった。
Wilson has referred to Motown as another influence.
ウィルソンはモータウンの影響も受けたと述べている。
Cultural historian Hal Lifson argued that Wilson's "symphonic element" was influenced by Disney film soundtracks such as Mary Poppins (1964).
文化史家のハル・リフソンは、ウィルソンの「シンフォニックな要素」は『メリー・ポピンズ』（1964年）などのディズニー映画のサウンドトラックに影響されていると論じている。
In 1986, Wilson told ethnomusicologist David Toop, "I listened to a lot of orchestral music. I learned a lot of tricks too. Nelson Riddle taught me a lot about arranging."
1986年、ウィルソンは民族音楽学者デイヴィッド・トゥープに「オーケストラの音楽をたくさん聴いたよ。トリックもたくさん学んだ。ネルソン・リドルからはアレンジのことをたくさん教わったよ"。
Asked about soul music in 2004, he cited Smokey Robinson and Stevie Wonder as influences.
2004年にソウル・ミュージックについて尋ねられた彼は、スモーキー・ロビンソンとスティービー・ワンダーを影響を受けたアーティストとして挙げた。
Wendy Carlos's 1969 album Switched-On Bach, described by Wilson as "one of the most electrifying records" he had ever heard, influenced his use of synthesizers.
ウェンディ・カルロスの1969年のアルバム『Switched-On Bach』は、ウィルソンがこれまで聴いた中で「最も衝撃的なレコードのひとつ」と評し、彼のシンセサイザーの使い方に影響を及ぼしている。
In 1976, Wilson commented that he felt contemporary popular music had lacked the artistic integrity it once had, with Queen's "Bohemian Rhapsody" (1975) being one exception.
1976年、ウィルソンは、現代のポピュラー音楽にはかつてのような芸術性が欠けていると感じるとコメントしたが、クイーンの「ボヘミアン・ラプソディ」（1975）は一つの例外であった。
In a 1988 interview, he named the 1982 compilation Stevie Wonder's Original Musiquarium I and Paul Simon's 1986 release Graceland among his ten favorite albums of all time.
1988年のインタビューでは、1982年のコンピレーション『Stevie Wonder's Original Musiquarium I』と1986年のポール・サイモンの『Graceland』を、歴代のお気に入りアルバム10枚の中に挙げている。
In 2007, he cited Billy Joel as his favorite pianist.
2007年には、好きなピアニストとしてBilly Joelを挙げている。
As of 2015[update], Wilson maintained that he does not listen to modern music, only "oldies but goodies".
2015年現在[update]、ウィルソンは現代音楽は聴かず、「オールディーズ・ブット・グッディーズ」しか聴かないことを主張している。
Singing
Through listening to Four Freshmen records, Wilson developed a distinctive singing style—a versatile head voice that allowed him to sing high without engaging in falsetto, although he did also sing in falsetto on some Beach Boys songs.
フォー・フレッシュメンのレコードを聴くことで、ウィルソンは独特の歌い方を身につけた。多才なヘッドボイスによって、ファルセットを使わずに高く歌うことができたが、ビーチ・ボーイズの曲ではファルセットで歌うこともあった。
Wilson recalled that he "learned how to sing falsetto" through listening to the Four Freshmen's renditions of songs like "I'm Always Chasing Rainbows", "I'll Remember April", and "Day by Day".
ウィルソンは、フォー・フレッシュメンが歌う「I'm Always Chasing Rainbows」、「I'll Remember April」、「Day by Day」などを聴いて、「ファルセットの歌い方を学んだ」と回想している。
Another strong influence was Rosemary Clooney, whom he said "taught me to sing with love in my heart [...] I would sing along with [her recording of "Hey There"], studying her phrasing, and that's how I learned to sing with feeling."
もうひとつ強く影響を受けたのはローズマリー・クルーニーで、彼は「心の中で愛を込めて歌うことを教えてくれた[...]（彼女が録音した "Hey There"）と一緒に歌って、彼女のフレーズを研究し、そうして気持ちを込めて歌うことを学んだ」と述べている。
In 1966, he said that the highest note he could sing was D5.
1966年、彼は自分が歌える最高音はD5だと言っていた。
Wilson typically sang in a pure tenor voice until later in his adult life, when he began invoking his tenor only on rare occasions.
ウィルソンは、大人になってから、まれにしかテナーを使わないようになるまで、通常、純粋なテナー・ボイスで歌っていた。
He was sometimes embarrassed by his singing, as he was worried of being perceived as a homosexual, and would avoid performing in a high voice for this reason.
彼は自分の歌を恥ずかしがることがあった。同性愛者だと思われることを心配し、そのために高い声での演奏を避けていた。
After the early 1970s, Wilson's voice degraded due to his excessive consumption of cigarettes and cocaine.
1970年代前半以降、タバコとコカインの過剰摂取により、ウィルソンの声は劣化していった。
15 Big Ones marked the introduction of what biographer Peter Ames Carlin terms Wilson's "baritone croak".
15 Big Ones』では、伝記作家のピーター・エイムズ・カーリンがウィルソンの「バリトンのしゃがれ声」と呼ぶものが登場することになる。
In a 1999 interview, Wilson remarked, "You know Bob Dylan? Well, live, you know, he sort of has this harsh, raspy voice. That's what I have. I'm like the Bob Dylan of the '90s."
1999年のインタビューで、ウィルソンは「ボブ・ディランを知ってるかい？まあ、ライブでは、彼はこのような厳しい、荒々しい声を持っていますね。それが僕なんだ。僕は90年代のボブ・ディランみたいなものさ」。
Songwriting
Musical structures
Explaining his writing process in 1966, Wilson stated that he started with finding a basic chord pattern and rhythm that he described as "feels", or "brief note sequences, fragments of ideas", and "once they're out of my head and into the open air, I can see them and touch them firmly. They're not 'feels' anymore."
1966年に作曲のプロセスを説明したウィルソンは、基本的なコードパターンとリズムを見つけることから始めると述べている。"フィーリング"、つまり「短い音列、アイデアの断片」と表現しているが、「いったんそれらが頭の中から出て、野外に出ると、それらを見て、しっかり触れることができるんだ。彼らはもう "フィーリング "ではないんだ」。
He wrote that he aspired to write songs that appear "simple, no matter how complex it really is."
本当はどんなに複雑でもシンプルに見える曲 を書くことを志していると書いている。
In a 2009 interview, he stated that his favorite chord is E major seventh, while his favorite key signatures to play in are B, C♯, E, and E♭.
2009年のインタビューでは、好きなコードはEメジャーセブンス、演奏するのに好きな調号はB、C♯、E、E♭であると述べている。
Common devices in Wilson's musical structures include:
・jazz chords (such as sevenths and ninths)
・chord inversions (especially a tonic with a fifth in the bass)
・prominent, melodic bass parts
・functional ambiguity
・key changes within verse and choruses (including "truck driver's modulations")
・I – IV – I – V chord progressions (derived from "Da Doo Ron Ron")
・a circle of fifths run that begins with the mediant (iii) (derived from "Be My Baby")
・stepwise-falling melodic lines
・stepwise diatonic rises (such as I – iii – IV – V)
・whole-step root movement (such as I – ♭VII – ♭VI – V)
・tertian movement
・chromatic harmony (including diminished seventh chords)
・chromatic bass descents (most prominently demonstrated in "Our Prayer")
・alternations between supertonic and dominant chords (ii – V) or tonic and flattened subtonic chords (I – ♭VII)
・sudden breaks into a cappella (another technique borrowed from the Four Freshmen).
・"syncopated exercises and counterpoints piled on top of jittery eighth-note clusters and loping shuffle grooves", features that producer Alan Boyd said took "an almost manic edge" in Wilson's work during the 1970s
Wilson also composed his own arrangements – an unusual practice among rock groups of the 1960s.
ウィルソンの音楽構成に共通する工夫は以下の通り。
・ジャズ・コード（7分音符、9分音符など）。
・コードの転回（特にトニックとベースの5分の1）。
・メロディックな低音部
・機能的な曖昧さ
・ヴァースとコーラス内のキー・チェンジ（トラック運転手の転調を含む）
・I - IV - I - Vのコード進行（「ダ・ドゥ・ロンロン」から派生したもの）
・メディエント(III)から始まるサークル・オブ・ファイブス(Be My Baby由来)
・ステップワイズ・フォールディング・メロディック・ライン
・ステップワイズ・ダイアトニック・ライズ（I - iii - IV - Vのような）。
・全音階ルート移動（I - ♭VII - ♭VI - V など）。
・テルティアンの動き
・クロマチック・ハーモニー（ディミニッシュ・セブンスコードを含む）
・クロマティック・バスの下降（"Our Prayer "で顕著に見られる）
・上声部と下声部の交替（ⅱ～Ⅴ）、トニックと平板化した下声部の交替（Ⅰ～♭Ⅶ）。
・突然のアカペラへの移行（これもフォー・フレッシュメンから借りた技法）。
・プロデューサーのアラン・ボイドは、1970年代のウィルソンの作品について、「ほとんど躁病のようなエッジを持つ」と述べている。
また、1960年代のロック・グループには珍しく、ウィルソン自身がアレンジを手がけている。
Lyrics
Wilson typically wrote songs in conjunction with another lyricist, although there are several examples of songs in which he composed both the music and words alone, including "Surfer Girl", "Girl Don't Tell Me", "I'm Bugged at My Ol' Man", "Busy Doin' Nothin'", "This Whole World", "'Til I Die", and "Love and Mercy".
ウィルソンは通常、他の作詞家と共同で曲を書くが、「サーファー・ガール」、「ガール・ドント・テル・ミー」、「アイム・バグド・アット・マイ・オールド・マン」、「ビジー・ドイン・ノーシン」、「ティス・ホールワールド」、「ティル・アイ・ディ」、「ラブ・アンド・マーシー」など曲と言葉の両方を単独で作曲する例もいくつかある。
In his 2008 book Dark Mirror: The Pathology of the Singer-Songwriter, Donald Brackett identifies Wilson as "the Carl Sandburg and Robert Frost of popular music—deceptively simple, colloquial in phrasing, with a spare and evocative lyrical style embedded in the culture that created it."
2008年の著書『Dark Mirror: Donald Brackettは2008年の著書『Dark Mirror: The Pathology of the Singer-Songwriter』で、ウィルソンを「ポピュラー音楽のカール・サンドバーグとロバート・フロスト-欺瞞的にシンプルで口語体、それを作り出した文化に埋め込まれた簡潔で喚起的な歌詞のスタイル」であると見なしている。
Most of Wilson's songs relate to introspective themes.
ウィルソンの曲のほとんどは、内向的なテーマに関連している。
Although the Beach Boys were known for their surfing imagery, his songs typically avoided such topics when he wrote with collaborators outside of his band's circle, such as in the 1963 songs "Lonely Sea" and "In My Room".
ビーチ・ボーイズはサーフィンのイメージで知られていたが、1963年の「Lonely Sea」や「In My Room」のように、バンドのサークル外の共同制作者と書いた場合は、彼の曲は通常そのようなテーマを避けている。
In several of his other songs, the male object or narrator is portrayed as a "loser", such as on "She Knows Me Too Well", "Don't Hurt My Little Sister", "Merry Christmas, Baby", and "All Dressed Up for School".
また、「She Knows Me Too Well」、「Don't Hurt My Little Sister」、「Merry Christmas, Baby」、「All Dressed Up for School」など、男性の対象や語り手が「敗者」として描かれている曲もある。
Brackett argues that although "John Lennon came close", there have been "[v]ery few singer-songwriters [that have expressed] intense fragility or emotional vulnerability as deeply or severely as Brian Wilson did."
ブラケットは、「ジョン・レノンがそれに近かった」とはいえ、「ブライアン・ウィルソンほど深く、厳しく、強烈な脆さや感情の弱さを表現したシンガーソングライターはほとんどいない」と論じている。
Other recurring themes in Wilson's songs include feminine objectification, youthful innocence, slice of life stories or observations, and health and fitness.
ウィルソンの曲で繰り返される他のテーマは、女性の客観化、若者の無邪気さ、人生の断片的な物語や観察、健康とフィットネスなどである。
Unlike his contemporaries, social issues were never referenced in his lyrics.
同時代のアーティストとは異なり、彼の歌詞の中で社会問題に言及することはなかった。
Wilson acknowledged that he had "never been the type" to preach social messages in his songs.
ウィルソンは、自分の歌の中で社会的なメッセージを説くようなタイプでは「なかった」と認めている。
Recording in the 1960s
Studios and musicians
On the subject of recording, Wilson said, "I was unable to really think as a producer up until the time where I really got familiar with Phil Spector's work. That was when I started to design the experience to be a record rather than just a song."
レコーディングについて、ウィルソンは「フィル・スペクターの仕事をよく知るまでは、プロデューサーとしての考えを持てなかった。そのときから、曲だけでなく、レコードとしての体験をデザインするようになったんだ」。
Wilson often attended Spector's recording sessions, taking notes on the producer's arranging and recording methods (later dubbed the "Wall of Sound"), and adopted the same choice of studios and session musicians as Spector.
ウィルソンは、スペクターのレコーディング・セッションにしばしば参加し、プロデューサーのアレンジや録音方法（後に「ウォール・オブ・サウンド」と呼ばれる）をメモし、スペクターと同じスタジオやセッション・ミュージシャンの選択を取り入れた。
This collective of studio musicians later became known as the Wrecking Crew.
このスタジオミュージシャンの集団が、後に「レッキング・クルー」と呼ばれるようになる。
Rather than using Gold Star Studios, Spector's favorite studio, Wilson preferred working at the Studio 3 room of Western for its privacy and for the presence of staff engineer Chuck Britz.
スペクターのお気に入りだったゴールド・スター・スタジオではなく、ウィルソンは、プライバシーが守られ、スタッフ・エンジニアのチャック・ブリッツがいるウエスタンのスタジオ3ルームでの仕事を好んだ。
From 1962 to 1967, Britz acted as Wilson's "right-hand man".
1962年から1967年まで、ブリッツはウィルソンの「右腕」となって活躍した。
Although more technical recording details such as level mixing and microphone placement were usually handled by Britz, Wilson would adjust the configuration to a large extent.
レベルミキシングやマイクの配置など、より技術的なレコーディングの詳細は、通常ブリッツが担当しますが、ウィルソンがその構成を大きく調整することもありた。
Once Britz assembled a preliminary recording setup, Wilson would take over the console, directing the session musicians from the booth using an intercom or verbal gestures after supplying them with chord charts.
ブリッツがレコーディングの下準備をすると、ウィルソンはコンソールを操作し、セッションミュージシャンにコード表を渡し、インカムや身振り手振りでブースの中から指示を出していた。
According to Britz, "Brian would work with [the players] until he got the sound he wanted. The process often took hours."
ブリッツによれば、「ブライアンは、自分が求めるサウンドが得られるまで（ミュージシャンと）一緒に仕事をするんだ。その作業には何時間もかかることが多い」。
Wilson first used the Wrecking Crew for his productions with the Honeys in March 1963.
ウィルソンがレッキング・クルーを初めて使ったのは、1963年3月のハニーズとの作品である。
Two months later, during the sessions for Surfer Girl, he began gradually integrating these musicians on the Beach Boys' records.
その2ヵ月後、『サーファー・ガール』のセッションで、彼はビーチ・ボーイズのレコードにこのミュージシャンたちを徐々に参加させはじめた。
Still, the band members almost always performed the instrumentation on their records until 1965.
それでも、1965年までは、バンドのメンバーがほとんどレコードの楽器を演奏していた。
By then, a typical Wilson session would feature about 11 or more musicians.
そのころには、ウィルソンの典型的なセッションには、約11人以上のミュージシャンが参加するようになっていた。
In 1966 and 1967, Wilson almost exclusively relied on the Wrecking Crew for the recording of the Beach Boys' backing tracks.
1966年と1967年、ウィルソンはビーチ・ボーイズのバックトラックのレコーディングをほとんどレッキング・クルーに頼っていた。
After 1967, his use of these musicians was considerably reduced.
1967年以降、彼はこれらのミュージシャンの使用をかなり減らした。
Wilson's musicians, many of whom had studied in conservatories, were astounded by his abilities.
音楽学校で学んだミュージシャンの多くは、ウィルソンの才能に驚嘆していた。
Among them, guitarist Jerry Cole said, "we would walk out of Brian's sessions shaking our heads, saying, 'This son of a bitch is either crazy, or he's an absolute genius.' And the latter came to pass."
ギタリストのジェリー・コールは、「ブライアンのセッションから出ると、『このクソ野郎は頭がおかしいのか、それとも絶対的な天才なのか』と頭を振っていたよ」と語っている。そして、後者が実現したんだ"。
Keyboardist Don Randi admired Wilson's chord choices and referred to him as "the Bill Evans of rock 'n' roll".
キーボーディストのドン・ランディはウィルソンのコード選択を賞賛し、彼を「ロックンロールのビル・エヴァンス」と呼んだ。
Bassist Carol Kaye remembered, "We had to create [instrumental] parts for all the other groups we cut for, but not Brian. We were in awe of Brian."
ベーシストのキャロル・ケイは、「私たちは他のグループのためにパートを作らなければならなかったが、ブライアンは違った」と回想している。ブライアンには畏敬の念を抱いたよ」。
Drummer Hal Blaine, who was similarly amazed by Wilson's talents, slightly differed in his account of the players' contributions: "Everyone helped arrange, as far as I'm concerned."
ドラマーのハル・ブレインも同様にウィルソンの才能に驚嘆していたが、プレイヤーたちの貢献については若干異なる説明をしている。"僕の知る限り、みんながアレンジを手伝ってくれた"。
For his part, Wilson said that he would work out "about a third" of the finished arrangement of a song as he was writing it, leaving the rest to studio experimentation.
ウィルソン自身は、曲のアレンジの「3分の1くらい」は作曲しながら作り上げ、残りはスタジオでの実験に任せると言っている。
Production style
Wilson's best-known productions typically employed instruments such as saxophones and bass harmonicas.
ウィルソンの最も有名な作品は、サックスやベースハーモニカなどの楽器を使ったものである。
He usually instructed Blaine to play only the snare and floor-tom afterbeats used on Spector's records.
また、スペクターのレコードで使われていたスネアやフロアタムのアフタービートだけをブレーンに弾かせるように指示するのが常だった。
Owing further to Spector's influence, Wilson rarely used ride or crash cymbals in his work and often combined color tones (such as a banjo doubled with a harpsichord) to produce novel sounds.
また、スペクターの影響で、ライドシンバルやクラッシュシンバルをほとんど使わず、バンジョーとハープシコードの二重奏のような色彩音で斬新なサウンドを作り出すことも多い。
Among other practices that Wilson copied directly from Spector was recording two echo chambers simultaneously, as well as having standup bass and Fender bass play identical parts.
また、2つのエコーチェンバーを同時に録音したり、スタンドアップベースとフェンダーベースを同じパートで演奏させるなど、スペクターから直接真似たこともあった。
His bass parts were usually played with a hard plectrum, giving the instrument a more percussive sound, a practice he had drawn from Motown.
ベースは硬い撥で弾き、よりパーカッシブな音を出すが、これはモータウンから学んだやり方である。
String ensembles were rarely used in Wilson's productions prior to Pet Sounds, and he did not usually record strings as part of the basic track, instead preferring to overdub them afterward.
ペット・サウンズ』以前のウィルソンの作品では、ストリングス・アンサンブルが使われることはほとんどなく、基本トラックの一部としてストリングスを録音することはなく、後からオーバーダビングするのが普通であった。
Once the instrumental track was completed, vocals would then be overdubbed.
インストゥルメンタルのトラックが完成すると、次にボーカルがオーバーダビングされる。
Beginning with the 1963 song "Surfin' U.S.A.", Wilson double-tracked the vocals, resulting in a deeper and more resonant sound.
1963年の「Surfin' U.S.A.」から、ウィルソンはボーカルをダブルトラックで録音し、より深く、より響く音になった。
According to Wilson, after his first nervous breakdown in 1964, he endeavored to "take the things I learned from Phil Spector and use more instruments whenever I could."
ウィルソンによると、1964年に初めて神経衰弱になった後、「フィル・スペクターから学んだことを生かして、できる限り多くの楽器を使う」ように努めたという。
Starting in 1964, Wilson performed tape splices on his recordings, usually to allow difficult vocal sections to be performed by the group.
1964年から、ウィルソンは自分の録音にテープスプライスを施し、通常は難しいボーカル部分をグループによって演奏できるようにした。
By 1965, he had become more adventurous in his use of tape splicing, such as on the song "And Your Dream Comes True", which was recorded in sections and then edited together to create the final song.
1965年になると、彼はテープスプライシングをより冒険的に使うようになり、例えば「And Your Dream Comes True」という曲では、部分的に録音したものを編集して最終的な曲に仕上げている。
These experiments culminated with the similar, but more complex editing processes adopted for "Good Vibrations" and Smile.
これらの実験は、「グッドヴァイブレーション」と「スマイル」で採用された、似ているがより複雑な編集プロセスで頂点に達した。
Mark Linett, who has engineered Wilson's recordings since the 1980s, stated, "He certainly wasn't the first person to do edits, but it was unusual to record a song in four or five sections, and then cut it together."
1980年代からウィルソンのレコーディングのエンジニアを務めてきたマーク・リネットは、「確かに彼が初めて編集を行ったわけではないが、1曲を4つか5つのセクションに分けて録音し、それをまとめてカットするのは珍しいことだった」と述べている。
In Priore's assessment, Wilson reconfigured Spector's Wall of Sound techniques in the pursuit of "audio clarity" and "a more lush, comfortable feel".
プリオーレの評価では、ウィルソンはスペクターのウォール・オブ・サウンドの手法を再構築し、「オーディオの透明感」と「より豊かで心地よい感触」を追求したのである。
The 2003 book Temples of Sound states that Wilson distinguished himself from Spector through the usage of certain instruments, such as banjo, and that Spector's productions "do not possess the clean muscle of Brian's work."
2003年に出版された『Temples of Sound』では、ウィルソンはバンジョーなど特定の楽器を使うことでスペクターと一線を画しており、スペクターの作品は "ブライアンの作品のようなクリーンな筋肉は持っていない "と述べている。
Danny Hutton, who attended many of Wilson's recording sessions, felt that Wilson's engineering talents had been underrated by the public.
ウィルソンのレコーディング・セッションに数多く参加したダニー・ハットンは、ウィルソンのエンジニアリングの才能が世間では過小評価されていると感じていた。
Hutton noted, "Somebody could go in right after Brian's session and try to record, and they could never get the sound he got. There was a lot of subtle stuff he did. [...] He was just hands-on. He would change the reverb and the echo, and all of a sudden, something just – whoa! – got twice as big and fat."
ブライアンのセッションのすぐ後に誰かが行って録音してみても、彼のような音は絶対に出せない。彼がやったのは微妙なものがたくさんあったんだ。[中略）彼はとにかく手先が器用だった。リバーブやエコーを変えると、突然、何かが......おっ！......2倍も大きく、太くなったんだ"。
Personal life
Deafness in right ear
At age 11, during a Christmas choir recital, Wilson was discovered to have significantly diminished hearing in his right ear.
11歳の時、クリスマスの聖歌隊の発表会で、ウィルソンは右耳の聴力が著しく低下していることが判明した。
A family doctor soon diagnosed the issue as a nerve impingement.
かかりつけの医師は、すぐに神経の圧迫と診断した。
The cause is unclear; theories range from it being a birth defect to him being struck by either his father or a neighborhood boy.
原因は不明で、生まれつきのものという説と、父親か近所の少年に殴られたからという説がある。
It is unlikely for Wilson to have been born partially deaf since such congenital defects usually appear at an earlier age.
このような先天性の障害は、通常もっと早い時期に現れるので、ウィルソンが生まれつき耳が聞こえなかったということはありえない。
Brian's father Murry offered, "He was injured in some football game or some injury of some kind. Or it just happened, who knows?"
ブライアンの父マリーは、「彼はフットボールの試合か何かで怪我をしたんだ。あるいは、たまたまそうなったのか、それは誰にもわからない" と言った。
According to Brian's mother Audree, "Brian thinks it happened when he was around ten. Some kid down the street really whacked him in the ear."
ブライアンの母親であるオードリーは、「ブライアンは10歳ごろに発症したと思っている。ブライアンは10歳くらいのとき、近所の子供に耳を殴られたんだと思う」。
On another occasion, Audree said that the deafness was caused by Murry hitting Brian with an iron while Brian was asleep.
また、オードリーは、ブライアンが寝ている間にマリーがアイロンでブライアンを叩いたことが原因で耳が聞こえなくなったと言ったこともある。
One account from Wilson suggested that the deafness was caused by his father slapping his ear shortly before his third birthday.
また、ウィルソンの証言では、3歳の誕生日の直前に父親が彼の耳を叩いたことが原因であるとされている。
Timothy White states that Brian rarely discussed the issue with Murry after the father had "reacted so menacingly the one time Brian had brought up the subject".
ティモシー・ホワイトは、「ブライアンが一度だけこの話題を持ち出したとき、父親がとても威嚇的な反応を示した」ため、ブライアンがマーリーとこの問題を話し合うことはほとんどなかったと述べている。
Brian said of his father in a 2000 interview, "I was born deaf [...] He hit me with a 2×4, but I was already deaf by that time."
ブライアンは2000年のインタビューで父親について、"私は生まれつき耳が聞こえなかった[...]彼は私を2×4で殴ったが、私はその時すでに耳が聞こえなくなっていた "と語っている。
In his 2016 memoir, the blame is given to a neighborhood boy.
2016年の回顧録では、その責任は近所の少年にあるとされている。
Due to this infirmity, Wilson developed a habit of speaking from the side of his mouth, giving the false impression that he had had a stroke.
この病弱のせいで、ウィルソンは口の横から話す癖がつき、脳卒中になったという誤った印象を与えてしまった。
He also had ringing in the ear that worsens when he is tired or subjected to loud noise.
また、疲れたり、大きな音にさらされると悪化する耳鳴りもあった。
In the late 1960s, he underwent corrective surgery that was unsuccessful in restoring his hearing.
1960年代後半に矯正手術を受けたが、聴力回復には至らなかった。
Relationships and children
Wilson's first serious relationship was with Judy Bowles, a girl he had met at a baseball game in mid-1961.
1961年半ば、野球の試合で知り合ったジュディ・ボウレズと初めて真剣な交際をした。
She inspired his songs "Judy" (1962), "Surfer Girl" (1963), and "The Warmth of the Sun" (1964).
彼女は、彼の曲「ジュディ」（1962年）、「サーファー・ガール」（1963年）、「太陽のぬくもり」（1964年）にインスピレーションを与えた。
During their relationship, Wilson gradually became more romantically involved with Marilyn Rovell, a 14-year-old high school student he had met in August 1962.
二人の関係の中で、ウィルソンは1962年8月に出会った14歳の高校生、マリリン・ロヴェルとの恋愛を次第に深めていった。
Wilson's "All Summer Long" (1964) nodded to their first meeting with the lyric "Remember when you spilled Coke all over your blouse?"
ウィルソンの「オール・サマー・ロング」（1964年）は、"Remember when you spilled Coke all over your blouse? "という歌詞で、二人の最初の出会いを頷かせる。
Inspired by a remark from her older sister Diane Rovell, Wilson later wrote "Don't Hurt My Little Sister" (1965) about the affair.
姉のダイアン・ロヴェルの発言に触発されたウィルソンは、後にこの不倫を題材にした「ドント・ハート・マイ・リトル・シスター」（1965年）を書いている。
Wilson and Bowles were engaged during Christmas 1963 and planned to be married the next December, but ultimately had separated by then.
ウィルソンとボウルズは1963年のクリスマスに婚約し、翌年の12月に結婚する予定だったが、結局その頃には別居していた。
Wilson and Marilyn were married in December 1964.
ウィルソンとマリリンは1964年12月に結婚した。
Together, they had two daughters, Carnie and Wendy (born 1968 and 1969, respectively), who later had musical success of their own as two-thirds of the group Wilson Phillips.
二人の間にはカーニーとウェンディという二人の娘（それぞれ1968年と1969年生まれ）がいたが、彼らは後にウィルソン・フィリップスというグループの3分の2として音楽的に成功を収めた。
Wilson believed that he "wasn't a good husband", nor "much of a father".
ウィルソンは、自分は「良い夫ではなかった」し、「たいした父親でもなかった」と考えていた。
Marilyn said that her husband completely "backed out" of the responsibility of raising their children because he felt that he was an unfit parent and would repeat the same mistakes of his own father.
マリリンは、夫は自分が親としてふさわしくなく、自分の父親と同じ過ちを繰り返すと思い、子育ての責任から完全に「手を引いた」のだと語っている。
Biographer Peter Ames Carlin referred to a "disturbing anecdote" printed in a 1971 Rolling Stone article in which Brian discussed his child's sexual experiments.
伝記作家のピーター・エームズ・カーリンは、1971年のローリング・ストーンの記事で、ブライアンが自分の子供の性的実験について語った「不穏な逸話」に言及した。
Brian had remarked, "It just goes to prove that if you don't hide anything from kids, they'll start doing things they normally wouldn't do until much later."
ブライアンは「子供から何も隠さないと、ずっと後になってから普通はやらないようなことをやり始めるということが証明された」と発言している。
Much of the lyrical content from Pet Sounds reflected the couple's early marital struggles.
ペット・サウンズ』の歌詞の内容の多くは、夫妻の初期の夫婦喧嘩を反映したものだった。
A few years into his marriage to Marilyn, Wilson encouraged her to have affairs with other men, including songwriter Tandyn Almer.
マリリンと結婚して数年後、ウィルソンは彼女に、ソングライターのタンディン・アルマーなど他の男性との不倫を勧めた。
In turn, Wilson had simultaneous affairs with Diane and a teenage telephone operator named Debbie Keil.
一方、ウィルソンはダイアンや10代の電話オペレーター、デビー・ケイルと同時に不倫していた。
To Marilyn's chagrin, Wilson permitted Keil's frequent visitations to the Wilson household.
マリリンの不満は、ウィルソンがケイルが頻繁にウィルソン家を訪れることを許したことだった。
Wilson wrote "The Night Was So Young" (1977) about Keil and her nightly visits and "My Diane" (1978) about his affair with his sister-in-law.
ウィルソンは、ケイルと彼女の毎晩の訪問について「夜はとても若かった」（1977年）を、義理の姉との関係について「私のダイアン」（1978年）を書いた。
Initially, Debbie Keil had been a Beach Boys fan who, according to biographer Steven Gaines, had moved from Kansas to Los Angeles with the purpose of getting close to Wilson.
伝記作家のスティーブン・ゲインズによれば、当初デビー・ケイルはビーチ・ボーイズのファンで、ウィルソンに近づく目的でカンザスからロサンゼルスに引っ越してきたという。
From 1969 to 1970, she worked for the band as a fan mail sorter.
1969年から1970年にかけて、彼女はファン・メールの仕分け人としてバンドのために働いていた。
Keil ultimately contributed many of the anonymous insider quotes that were published in David Leaf's 1978 biography The Beach Boys and the California Myth.
キールは最終的に、1978年のデイヴィッド・リーフの伝記『The Beach Boys and the California Myth』に掲載された匿名のインサイダーの引用の多くを寄稿した。
Writing in the book's 2022 revision, Leaf explained, "Debbie never tried to shape the narrative. I felt her observations were insightful, very different from what I'd been reading."
この本の2022年の改訂版で、リーフは「デビーは決して物語を形作ろうとはしなかった」と説明している。彼女の観察は洞察力に富み、私が読んできたものとは全く違うと感じた"。
In her 2013 memoir Simple Dreams, singer Linda Ronstadt suggested that she may have also briefly dated Wilson in the 1970s.
歌手のリンダ・ロンシュタットは2013年の回顧録『Simple Dreams』で、1970年代にウィルソンとも短期間付き合った可能性を示唆している。
In July 1978, Wilson and Marilyn separated, with Wilson filing for divorce in January 1979.
1978年7月、ウィルソンとマリリンは別居し、ウィルソンは1979年1月に離婚を申請した。
Marilyn was given custody of their children.
二人の子供の親権はマリリンに渡った。
He subsequently maintained a relationship with Keil until 1981.
その後、1981年までキールとの関係を維持した。
Keil later told Leaf, "I always felt that to survive as 'the girlfriend,' I would ultimately have to be [a father figure] for him every so often. He seemed to always be looking for something to rebel against and withhold from. I didn't have it in me."
キールは後にリーフに、「『ガールフレンド』として生き残るためには、最終的には彼のために（父親的存在に）ならねばならないといつも思っていた。彼はいつも何かに反発し、遠慮しているように見えた。私にはそれがなかったんです」。
Following this, Wilson entered a relationship with one of his nurses, a black woman named Carolyn Williams he had met in 1979, which lasted until January 1983.
この後、ウィルソンは看護師の一人で、1979年に知り合ったキャロリン・ウィリアムスという黒人女性と関係を持ち、1983年1月まで続いた。
His 2016 memoir says of Williams, "My head wasn't on straight at all and I would sometimes say stupid things to her. Once I got impatient and said, 'Get your black ass in there and make me lunch.' I apologized immediately but I didn't feel right about it. She split pretty soon and it was mostly because of me. I'm sorry about it even today."
2016年の回顧録には、ウィリアムズについて「私の頭はまったく正常ではなかったので、彼女にバカなことを言うこともあった」と書かれている。一度、焦って『黒人のケツを出して、昼飯を作ってくれ』と言ってしまったことがある。すぐに謝ったんだけど、どうも腑に落ちない。彼女はすぐに別れてしまったが、それはほとんど僕のせいだった。今でも反省しているよ」。
Wilson initially dated former model and car saleswoman Melinda Kae Ledbetter from 1986 to late 1989.
ウィルソンは当初、1986年から1989年後半まで、元モデルで自動車販売員のメリンダ・ケー・レッドベッターと交際していた。
Ledbetter stated that the relationship ended prematurely due to interference from Landy.
レドベッターは、ランディの妨害により、その関係は早々に終わったと述べている。
After Wilson parted ways with his psychiatrist, in 1991, he and Ledbetter reconnected and were married on February 6, 1995.
1991年、ウィルソンが精神科医と別れた後、レドベッターと再会し、1995年2月6日に結婚した。
Since 1999, Ledbetter has been Wilson's manager, a job which she has said is "basically negotiating, and that's what I did every single day when I sold cars."
1999年以来、レドベッターはウィルソンのマネージャーを務めており、その仕事について彼女は、"基本的に交渉することであり、それは私が車を売っていたときに毎日していたことだ "と語っている。
They adopted five children: Daria Rose (born 1996), Delanie Rae (born 1998), Dylan (born 2004), Dash (born 2009) and Dakota Rose (born 2010).
二人は5人の子供を養子にした。ダリア・ローズ（1996年生まれ）、デラニー・レイ（1998年生まれ）、ディラン（2004年生まれ）、ダッシュ（2009年生まれ）、ダコタ・ローズ（2010年生まれ）である。
By 2012, Wilson had six grandchildren.
2012年には、孫が6人になった。
Beliefs
Wilson grew up in a Presbyterian family.
ウィルソンは長老派の家庭で育った。
Later in various interviews, he frequently emphasized the spiritual qualities of his music, particularly with respect to Pet Sounds.
その後、さまざまなインタビューで、特に『ペット・サウンズ』に関して、自分の音楽の精神的な特質を頻繁に強調している。
Wilson also had a fascination with matters such as astrology, numerology and the occult that was reflected in his original conceptions for Smile.
ウィルソンはまた、占星術、数秘術、オカルトといった事柄に魅了されており、それは『スマイル』の最初の構想にも反映されていた。
In 1966, he stated that he believed all music "starts with religion" and that although he believed in "some higher being who is better than we are", he was not religious in a "formal" sense.
1966年、彼はすべての音楽は「宗教から始まる」と信じており、「我々より優れた存在」を信じてはいるが、「形式的」な意味での宗教家ではないと述べている。
Asked whether his music was religiously influenced in 1988, he referred to the 1962 book A Toehold on Zen, and said that he believed that he possessed what is called a "toehold".
1988年、彼の音楽は宗教的な影響を受けているかという質問に対して、彼は1962年の著書『A Toehold on Zen』を参照し、自分はいわゆる「Toehold」を持っていると信じていると述べた。
He explained, "say somebody had a grasp on life, a good grasp—they ought to be able to transfer that over to another thing."
彼は、「誰かが人生を掴んでいるとしたら、それは良い掴み方で、それを別のものに移すことができるはずだ」と説明した。
In 1990, Wilson said that his LSD flirtations in the mid-1960s led to him developing "a Jesus Christ complex, which was weird", although he added, "to live is to be a Christ, to be alive."
1990年、ウィルソンは、1960年代半ばのLSDとの戯れから、「イエス・キリスト・コンプレックス」を抱くようになったと語ったが、「生きることは、キリストであり、生きているということだ」と付け加えた。
During the late 1960s, Wilson joined his bandmates in the promotion of Transcendental Meditation (TM).
1960年代後半、ウィルソンはバンド仲間とともに超越瞑想（TM）の普及に努めた。
In a 1968 interview, he stated that religion and meditation were the same, and felt relieved that all of society had attained "a personal path to God", something that he believed had not happened since "I don't know how many millions of years, or thousands or hundreds [of years ago]".
1968年のインタビューでは、宗教と瞑想は同じものだと述べ、「何百万年、何千年、何百年前かわからないが」以来起こっていなかったと信じていた「神への個人的な道」に、社会のすべてが到達したことに安堵感を覚えたという。
He recalled that he had "already been initiated" into TM beforehand, but "for some ridiculous reason I hadn't followed through with it, and when you don't follow through with something you can get all clogged up."
彼は、事前にTMに「入門」していたが、「何かばかげた理由で、それをやり通せなかったんだ、何かをやり通せないと、すべてが詰まってしまうんだ」と回想している。
Wilson soon lost interest in TM, saying that "it just doesn't do shit for me. I've given up on it."
ウィルソンはすぐにTMに興味を失い、「僕には何の役にも立たない。もう、あきらめたよ」。
He revealed to the public that his mantra was "eye-neh-mah" during a 1976 television appearance, moments after declaring that the Maharishi Mahesh Yogi had bestowed him the mantra and had asked him to keep it private.
彼は、1976年のテレビ出演の際、マハリシ・マヘシ・ヨギからマントラを授かり、それを秘密にするように言われたことを明かした後、自分のマントラが「アイ・ネ・マ」であることを世間に明らかにした。
Wilson described himself in 1976 as someone who had "read too many books" and "went through a thing of having too many paths to choose from and of wanting to do everything and not being able to do it all."
ウィルソンは、1976年当時の自分を「本を読みすぎた」「選ぶべき道が多すぎて、すべてをやりたいと思ったが、やりきれなかったということがあった」と述べている。
He maintained that he still believed, as he did in the 1960s, that the coming of "the great Messiah [...] came in the form of drugs", even though his own drug experiences "really didn't work out so well, so positively."
彼は、1960年代と同じように、「偉大なメシア（...）がドラッグという形でやってくる」と信じていたが、彼自身のドラッグ体験は「本当にそんなにうまく、ポジティブにはいかなかった」のだという。
According to friend Stanley Shapiro, he and Dennis once discovered a tape reel labelled "Song to God" and attempted to play it in Brian's home.
友人のスタンリー・シャピロによると、彼とデニスは「Song to God」と書かれたテープリールを発見し、ブライアンの家でそれを再生しようとしたことがあるそうだ。
Brian immediately rushed in the room, confiscated the tape, and shouted "Don't you ever touch that again! That's between me and God!"
ブライアンはすぐに部屋に駆け込んでテープを没収し、「二度とそれに触るな！」と怒鳴った。それは俺と神様の問題だ！"と叫んだ。
The tape has since been lost.
そのテープはその後紛失してしまった。
In a 1977 interview, Wilson promoted "sexual deprivation" as a means of becoming "cosmically conscious".
1977年のインタビューでは、ウィルソンは「宇宙的な意識」になるための手段として「性的剥奪」を推進した。
In another interview, from 1995, he revealed that abstinence was the "secret" to how he functions, calling it an "Einsteinian formula" that "create[s] a void in your brain".
1995年の別のインタビューでは、禁欲が自分の機能の「秘密」であることを明らかにし、それを「アインシュタインの公式」と呼び、「あなたの脳に空洞を作る」と述べた。
In 1999, when asked for his religious beliefs, Wilson responded: "I believe in Phil Spector."
1999年、宗教上の信条を問われたウィルソンは、こう答えている。"フィル・スペクター "を信じている」。
Asked again, in 2011, he said that while he had spiritual beliefs, he did not follow any particular religion.
2011年に再び尋ねられた際、彼はスピリチュアルな信念は持っているが、特定の宗教を信仰しているわけではないと答えた。
Asked in 2004 for his favorite book, Wilson answered "the Bible", and questioned if he believed in life after death, Wilson replied "I don't."
2004年に好きな本を聞かれたウィルソンは「聖書」と答え、死後の生を信じるかどうか質問されたウィルソンは「信じない」と答えた。
Politically, Wilson was quoted as saying about the Beach Boys' affiliations in the 1980s, "Bipartisan means you don't take sides. We have that image with the public. We're not known to America as either Democrats or Republicans."
政治的には、1980年代のビーチ・ボーイズの所属について、ウィルソンは「超党派とは、どちらの側にもつかないということだ」と発言している。我々は大衆に対してそのようなイメージを持っている。僕たちはアメリカでは民主主義者とも共和党員とも呼ばれていないんだ」。
He voted for Republican candidate John McCain during the 2008 U.S. presidential elections.
2008年の米大統領選では、共和党のジョン・マケイン候補に投票した。
Mental health
Wilson is diagnosed with schizoaffective disorder and mild manic depression.
ウィルソン氏は統合失調感情障害と軽度の躁うつ病と診断されている。
He regularly experiences auditory hallucinations that present in the form of disembodied voices.
彼は、実体のない声の形で現れる幻聴を定期的に経験している。
According to Wilson, he began having hallucinations at the age of 22 in 1965, shortly after starting to use psychedelic drugs, but the age of 21 has also been reported.
ウィルソンによると、幻覚を見るようになったのは、サイケデリック・ドラッグを使い始めて間もない1965年、22歳の時だが、21歳の時も報告されている。
Part of his paranoid delusions involved the belief that these voices were Satan coming "in the form of other people that were competing with me and had ideas of killing me."
彼の偏執的な妄想の一部には、これらの声が "私と競争し、私を殺そうと考えている他の人々の形で "やってくるサタンであるという信念が含まれていた。
The messages from these imagined characters are mostly derogatory and sometimes positive.
これらの想像上の人物からのメッセージは、ほとんどが軽蔑的なもので、時には肯定的なものもある。
Wilson, aware of the fact that they are fantasies, referred to the voices as "heroes and villains" that had forced him into "a life of scare".
ウィルソンは、それらが空想であることを自覚した上で、声を、自分を「恐怖の人生」に追いやった「英雄と悪党」と呼んだ。
Asked in 2015 if these hallucinations had inspired songs, Wilson responded, "every now and then".
2015年に、こうした幻覚が曲のインスピレーションになったかと問われたウィルソンは、「たまに」と答えている。
According to Gaines in his 1986 biography of the Beach Boys, Wilson's family and friends had often struggled "to tell how much of his behavior was out of true craziness and how much was Brian's clever faking".
1986年に出版されたビーチ・ボーイズの伝記でゲインズによると、ウィルソンの家族や友人はしばしば「彼の行動のどれだけが本当の狂気からで、どれだけがブライアンの巧妙なごまかしなのかを見分けるのに苦労していた」そうである。
Wilson's 1991 memoir suggests that his Houston flight incident from December 1964 made him conscious of the fact that he "could manipulate people to get my way" through displays of "craziness".
ウィルソンの1991年の回想録によると、1964年12月に起きたヒューストンでの飛行事件は、彼に「狂気」を見せることで「自分の思い通りにするために人々を操ることができる」という事実を意識させたという。
After the incident, Marilyn brought Wilson to his first visit to a psychiatrist, who ruled that Wilson's condition was simply a byproduct of work fatigue.
この事件の後、マリリンはウィルソンを初めて精神科医に診せたが、彼はウィルソンの状態を単に仕事の疲れの副産物であると断定した。
Wilson typically refused counseling, and it had been long thought by his family that, rather than mental illness, his idiosyncrasies stemmed from his drug habits, or were merely natural to his personality.
ウィルソンはカウンセリングを拒否することが多く、家族も、精神疾患というよりは、薬物依存からくる特異性、あるいは性格的なものだと長い間考えていた。
Marilyn said that while Brian had displayed instances of odd behavior, she began having serious concerns about his mental well-being after the birth of their first child in 1968.
マリリンは、ブライアンが奇妙な行動をとることはあったが、1968年に第一子が生まれたあたりから、彼の精神状態に深刻な不安を抱くようになったという。
Later that year, Brian was admitted to a psychiatric hospital, where he was prescribed Thorazine for severe anxiety disorder.
その年の後半、ブライアンは精神病院に入院し、重度の不安障害でソラジンを処方された。
Carlin speculated that Wilson may have self-admitted and may have been administered treatments ranging from talking therapies to doses of Lithium and electroconvulsive therapy during this stay.
カーリンは、ウィルソンが自ら入院し、入院中に会話療法からリチウムの投与、電気けいれん療法まで様々な治療を受けたのではないかと推測している。
Responding to accusations of neglect, Marilyn stated that she had sought professional help for her husband for many years.
ネグレクトの非難に対し、マリリンは長年、夫のために専門家の助けを求めてきたと述べている。
"Brian's ability to 'put on' these professionals made it difficult to find someone who could deal with him on his own level. I am tired of hearing that Brian's problems were never addressed, for those who say that were not there, and do not know the truth!"
ブライアンは専門家に対して「上から目線」で接するため、彼自身のレベルに合った人を見つけるのは困難だったのです。ブライアンの問題は対処されなかったと聞くのはうんざりです。そう言う人はその場にいなかったし、真実を知らないのですから！"
Following his admission to Landy's program, Wilson was diagnosed with paranoid schizophrenia, with doctors finding evidence of brain damage caused by excessive and sustained drug use.
ランディのプログラムに参加した後、ウィルソンは妄想型統合失調症と診断され、医師からは過剰かつ継続的な薬物使用による脳損傷の証拠が発見された。
The paranoid schizophrenia diagnosis was later retracted.
妄想型精神分裂病という診断は、後に撤回された。
Under Landy's regimen, Wilson developed facial tics, called tardive dyskinesia, that were symptomatic of the excessive psychotropic medications he was taking.
ランディの治療法では、ウィルソンは遅発性ジスキネジアと呼ばれる顔面チックを発症したが、これは過剰な向精神薬の服用による症状であった。
Therapist Peter Reum, a fan who had met Wilson on several occasions, stated that Wilson would have deteroriated into a "drooling, palsied mental patient" and died of heart failure had he continued this drug regimen.
ウィルソンと何度か会ったことのあるファンのセラピスト、ピーター・レウムは、この薬物療法を続けていたら、ウィルソンは「よだれが出て、まひした精神病患者」になって、心不全で死んでいただろうと述べている。
However, Wilson intimated in a 2002 interview, "I don't regret [the Landy program]. I loved the guy—he saved me."
しかし、ウィルソンは2002年のインタビューで、「（ランディ・プログラムを）後悔はしていない。彼は私を救ってくれたのだった。
After Wilson sought medical care elsewhere, he was declared to have organic personality disorder.
ウィルソンは別の場所で治療を受けた後、有機人格障害であると宣告された。
Musician Sean O'Hagan, who was invited to collaborate with Wilson in the 1990s, characterized Wilson as "totally dependent on other people" and had "a kinda weird adult autism."
1990年代にウィルソンとコラボレーションしたミュージシャンのショーン・オヘイガンは、ウィルソンを「完全に他人に依存している」、「ちょっと奇妙な大人の自閉症」であると特徴づけている。
Wilson's mental condition improved in later years, although his auditory hallucinations were not eliminated, as the voices become more pronounced when he would perform onstage.
ウィルソンの精神状態は後年、改善されたが、ステージで演奏するときに声が顕著になるなど、幻聴がなくなることはなかった。
He credits his relationship with his second wife for allowing him to resume his career as a musician.
彼は、ミュージシャンとしてのキャリアを再開できたのは、2番目の妻との関係のおかげだと考えている。
In his own words, he said that he should have spent the early 2000s "in a mental institution under heavy sedation" due to the stresses of his condition, however, "Things have started to get a little bit easier, but I'm not always in a positive, happy place."
彼自身の言葉を借りれば、2000年代前半はそのストレスから「精神病院で重い鎮静剤を使って」過ごすべきだったが、しかし、"少しは楽になり始めたが、いつもポジティブでハッピーな場所にいるわけではない。"と語っている。
In 2002, he said that he felt that his successful treatment inhibited his creativity and songwriting.
2002年には、治療の成功が自分の創造性や曲作りを阻害していると感じていると語っている。
In 2019, Wilson postponed some concert dates due to worsening mental health.
2019年、ウィルソンは精神状態の悪化により、いくつかのコンサート日程を延期した。
His social media stated, "I've been struggling with stuff in my head and saying things I don't mean and I don't know why. Its [sic] something I've never dealt with before and we can't quite figure it out just yet."
彼のソーシャルメディアには、「頭の中でいろいろ悩んでいて、本心でないことを言ってしまい、その理由が分からない。その[sic]は今まで対処したことがないもので、まだ解明できないんだ "と述べている。
The next month, his social media declared that he had recovered and would resume touring.
翌月、彼のソーシャルメディアは、彼が回復し、ツアーを再開することを宣言した。
Interviews
During his comeback in the late 1970s, Wilson stated that he believed "Interviews are for publicity."
1970年代後半にカムバックしたウィルソンは、"インタビューは宣伝のためにある "と考えていることを明かした。
At the time, he often solicited drugs from journalists mid-interview.
当時、彼はしばしばインタビューの途中でジャーナリストからドラッグを要求していた。
Leaf writes that this was "a game" on Brian's part.
リーフは、これはブライアンの「ゲーム」だったと書いている。
"As one friend notes, 'If he had really wanted to get drugs, he would have known where to get them.'" Nonetheless, journalist Alexis Petridis characterized Wilson's interviews from this period as "heartbreaking and horrifying in equal measure, depicting a halting, visibly terrified man who said he 'felt like a prisoner'".
ある友人は、「もし彼が本当にドラッグを手に入れたいのなら、どこで手に入れられるか知っていただろう」と記している。 それでも、ジャーナリストのアレクシス・ペトリディスは、この時期のウィルソンのインタビューを「心が痛むと同時に恐ろしい。"囚人のように感じる "と言った、訥々として目に見えて恐怖を感じる男の姿が描かれている」と特徴づけている。
In later years, many writers have accused Wilson of being difficult to interview, as his responses are usually curt or lacking in substance.
後年、多くの作家が、ウィルソンの回答はたいてい素っ気なかったり、中身がなかったりするので、インタビューが難しい、と非難している。
Edgers wrote in 2000 that "no writer will ever understand Brian Wilson", as Wilson often gives "clipped and conflicting answers to questions both pointed and banal" and "generally makes it clear to interviewers that he would rather be somewhere else -- and that's when he's feeling good."
エジャーズ誌は2000年に、ウィルソンはしばしば「鋭い質問にも平凡な質問にも、歯切れが悪く矛盾した答えを返し」、「インタビュアーに対して、彼はむしろどこか別の場所にいたいということを明らかにし、それは彼が気分がいいときだ」と書いており、「どんな作家もブライアン・ウィルソンを理解することはできないだろう」と述べている。
According to Salon writer Peter Gilstrap in 2015: "He's also been known to get up, extend a hand and blurt out 'Thanks!' well before the allotted time is up. And sometimes he just gets tired and shuts down. None of this, however, is due to a bad attitude."
2015年のSalonのライター、Peter Gilstrapによると。彼はまた、決められた時間が終わる前に立ち上がって手を差し伸べ、「ありがとう！」と吹き出すことでも知られている。そして、時には疲れて黙ってしまうこともある。しかし、いずれも態度が悪いわけではありません」。
During one 2007 interview, Wilson was asked about "good movies" he had watched recently and answered with Norbit.
2007年のあるインタビューで、ウィルソンは最近観た「いい映画」を聞かれ、「ノービット」と答えた。
Then, asked for his favorite movie ever, Wilson again answered Norbit.
そして、「今までで一番好きな映画」を聞かれ、またもや『ノービット』と答えている。
Writing in a Spin piece marking the tenth anniversary of the exchange, journalist Winston Cook-Wilson (no relation) referred to it as a typical example of Brian's terseness, and jokingly as "one of the most important blog posts in recent American history".
このやりとりの10周年を記念したSpinの記事で、ジャーナリストのウィンストン・クック＝ウィルソン（関係者ではない）は、ブライアンの短気さの典型例とし、「最近のアメリカ史で最も重要なブログ記事のひとつ」と冗談めかして言及している。
Wilson has admitted to having a poor memory and occasionally lying in interviews to "test" people.
ウィルソンは、記憶力が悪く、インタビューで「人を試す」ために時々嘘をつくことを認めている。
David Oppenheim, who interviewed Wilson in 1966, remembered that "we tried to talk with him but didn't get much out of him.
1966年にウィルソンにインタビューしたデビッド・オッペンハイムは、「彼と話をしようとしたが、あまり聞き出せなかった」と記憶している。
Some guy said 'He's not verbal.'" Journalist Verlyn Klinkenborg, who interviewed Wilson in 1988, observed that although Wilson has a reputation for "blurting out the truth no matter how unflattering it may be", in reality, "the truth he pours out, it seems, is what's true for him at that moment, and if you ask him the same question the next day he may give you another truthful answer that's 180 degrees removed."
ある男は『彼は口がきけない』と言った」。1988年にウィルソンにインタビューしたジャーナリストのヴェルリン・クリンケンボーグは、ウィルソンは「どんなに不愉快なことでも真実をぶちまける」という評判があるが、実際には「彼が注ぐ真実は、その瞬間の彼にとっての真実であり、翌日に同じ質問をすれば、180度かけ離れた別の真実の答えをするかもしれない」ことを観察している。"
In 2017, The Charlotte Observer's Theodon Janes surmised that, while his past struggles with mental illness are widely documented, Wilson was still "faring well enough" to author his second memoir, as well as to embark on a "hugely ambitious concert tour", so presumably, "is capable of telling people who work for him that he's not up for interviews, if he isn't."
2017年、The Charlotte ObserverのTheodon Janesは、彼の過去の精神疾患との闘いは広く知られているが、それでもウィルソンは2作目の回顧録を執筆し、「非常に野心的なコンサートツアー」に乗り出すほど「順調」であり、したがっておそらく、「彼のために働く人々に、インタビューには応じないと伝えることができる」のだと推察している。
Cultural impact and influence
Sales achievements
From 1962 to 1979, Wilson wrote or co-wrote more than two dozen U.S.
1962年から1979年まで、ウィルソンは20数曲の全米トップ40ヒットを作曲または共同作曲した。
Top 40 hits for the Beach Boys.
1962年から1979年まで、ウィルソンはビーチ・ボーイズのために20曲以上の全米トップ40ヒットを作曲または共同作曲した。
Eleven of those reached the top 10, including the number-ones "I Get Around" (1964), "Help Me, Rhonda" (1965), and "Good Vibrations" (1966).
そのうち11曲がトップ10に入り、ナンバー・ワンの「I Get Around」（1964年）、「Help Me, Rhonda」（1965年）、「Good Vibrations」（1966年）などがある。
Three more that he produced, but did not write, were the band's "Barbara Ann" (number 2) in 1965, "Sloop John B" (number 3) in 1966, and "Rock and Roll Music" (number 5) in 1976.
プロデュースはしたが作曲はしなかったのは、1965年の「バーバラ・アン」（2位）、1966年の「スループ・ジョンB」（3位）、1976年の「ロックンロール・ミュージック」（5位）の3曲である。
Among his other top 10 hits, Wilson co-wrote Jan and Dean's "Surf City" (the first chart-topping surf song) and "Dead Man's Curve" (number 8) in 1963, and the Hondells' "Little Honda" (number 9) in 1964.
他のトップ10ヒット曲の中で、ウィルソンは1963年にジャン＆ディーンの「サーフ・シティ」（チャート上位に入った最初のサーフソング）と「デッドマンズ・カーブ」（8位）、1964年にホンデルズの「リトル・ホンダ」（9位）を共同作曲している。
Popular music and record production
Wilson is widely regarded as one of the most innovative and significant songwriters of the late 20th century, Writing on the topic of his harmonic ingenuity, musicologist Philip Lambert states that Wilson's "harmonic language [...] represents a mastery and expansion of the British-American pop idiom of the 1960s" and that his "range of harmonic imagination represents a distinguished contribution to music in the second half of the twentieth century and beyond, balancing the achievements of his artistic forebears".
音楽学者のフィリップ・ランバートは、ウィルソンの和声の工夫について、「和声言語は[...]1960年代のイギリス・アメリカのポップ・イディオムの習得と拡大を表している」、「和声的想像力の範囲は20世紀後半以降の音楽への際立った貢献を意味し、彼の芸術的先人の業績とバランスを取っている」として、広く20世紀末の最も革新的で重要なソングライターの一人として評価されている。
The level of creative control that Wilson asserted over his own record output was unprecedented in the music industry, leading him to become the first pop artist credited for writing, arranging, producing, and performing his own material.
ウィルソンが自身のレコード作品に対して主張した創造的コントロールのレベルは、音楽業界では前例のないものであり、彼自身が作曲、編曲、プロデュース、演奏を行ったとされる最初のポップアーティストになった。
Although there had been numerous examples of artists who were essentially "self-produced", Wilson distinguished himself for having directed every phase of an album's production.
それまでも、基本的に「セルフ・プロデュース」のアーティストは数多くいたが、ウィルソンは、アルバム制作のすべての段階を指揮した点で際立っていた。
Biographer James Murphy writes, [N]o other recording artist had [...] wrested complete creative control of his music away from a major record company, its recording studios, engineers, and the watchful, but often intrusive, A&R man assigned to produce the group. [...] Armed with this unprecedented artistic freedom, Brian began transforming popular music and, equally important, the industry's perception of it.
伝記作家のジェームス・マーフィーは、「他のレコーディング・アーティストは、大手のレコード会社、レコーディング・スタジオ、エンジニア、そしてグループをプロデュースするために任命された、注意深いがしばしば押しつけがましいA&Rマンから、自分の音楽の完全な創造的コントロールを奪い取ったことはない」と書いている。[この前例のない芸術的自由を手に入れたブライアンは、ポピュラー音楽と、それと同じくらい重要な、音楽に対する業界の認識を変え始めたのだった。
In addition to being one of the first music producer auteurs, Wilson helped popularize the idea of the recording studio as a compositional tool, and he was the first rock producer to use the studio in this fashion.
ウィルソンは、最初の音楽プロデューサーの一人であると同時に、レコーディング・スタジオを作曲の道具として使うという考えを広めることに貢献し、この方法でスタジオを使用した最初のロック・プロデューサーとなったのである。
Granata writes that Wilson's "authoritative approach [...] affected his contemporaries" and thus "redefined" the role of the producer.
グラナタは、ウィルソンの「権威あるアプローチ[...]は同時代のアーティストに影響を与え」、その結果、プロデューサーの役割を「再定義」したと書いている。
In his 2015 book Electric Shock, Peter Doggett identifies Wilson as "the most emblematic artist" of an era when "[s]ome of the most notorious pop battles [were] conducted between idealistic musicians and the businessmen who had to finance their increasingly crazy ideas."
ピーター・ドゲットは2015年の著書『Electric Shock』の中で、ウィルソンを「最も悪名高いポップ・バトルのいくつかは、理想主義的なミュージシャンと、彼らのますます狂い始めたアイデアに資金を提供しなければならないビジネスマンとの間で行われた」時代の「最も象徴的なアーティスト」と位置づけている。
Brian's brother Carl commented, "Record companies were used to having absolute control over their artists. [...] But what could they say? Brian made good records."
ブライアンの弟のカールは、「レコード会社は、アーティストを絶対的にコントロールすることに慣れていた。[しかし、彼らは何を言うことができるだろうか？ブライアンはいいレコードを作ったんだ」。
Beatles producer George Martin said, "No one made a greater impact on the Beatles than Brian [...] the musician who challenged them most of all."
ビートルズのプロデューサー、ジョージ・マーティンは「ブライアンほどビートルズに大きな影響を与えた人はいない...最も彼らに挑戦したミュージシャンだ」と語っている。
Jimmy Webb explained, "As far as a major, modern producer who was working right in the middle of the pop milieu, no one was doing what Brian was doing. We didn't even know that it was possible until he did it."
ジミー・ウェッブは、「ポップス界のど真ん中で仕事をしていたメジャーでモダンなプロデューサーとしては、ブライアンがやっていたようなことは誰もやっていなかった」と説明している。彼がやるまでは、それが可能だということさえわからなかったんだ" と。
David Crosby of the Byrds remarked of Wilson, "He was the most highly regarded pop musician in America. Hands down. Everybody by that time had figured out who was writing it all and who was arranging it all."
バーズのデヴィッド・クロスビーはウィルソンについて、「彼はアメリカで最も高く評価されているポップ・ミュージシャンだった。断トツだ。そのころには、誰が作曲し、誰が編曲しているのか、みんなわかっていたんだ」。
His accomplishments as a producer effectively set a precedent that allowed subsequent bands and artists to enter a recording studio and act as producers, either autonomously, or in conjunction with other like minds, and music producers afterward drew on his influence.
プロデューサーとしての彼の功績は、後続のバンドやアーティストがレコーディング・スタジオに入り、自主的に、あるいは同じような考えを持つ仲間と一緒にプロデューサーとして活動することを可能にする前例を効果的に作り、その後の音楽プロデューサーたちは彼の影響を受けているのだ。
Following his exercise of total creative autonomy, Wilson ignited an explosion of like-minded California producers, supplanting New York as the center of popular records.
ウィルソンが完全な自主性を発揮したことで、同じ志を持つカリフォルニアのプロデューサーたちが爆発的に増え、ニューヨークがポピュラーレコードの中心地となるのに取って代わられたのだった。
Then, Wilson pioneered "project" recording, where an artist records by himself instead of going into an established studio.
そして、ウィルソンは、アーティストが既存のスタジオに入るのではなく、自分で録音する「プロジェクト・レコーディング」のパイオニアとなった。
The 1967 CBS documentary Inside Pop: The Rock Revolution, hosted by the classical conductor Leonard Bernstein, described Wilson as "one of today's most important pop musicians."
1967年、クラシック音楽の指揮者レナード・バーンスタインが司会を務めたCBSのドキュメンタリー番組『Inside Pop: The Rock Revolution』は、ウィルソンを「今日最も重要なポップミュージシャンの一人」と評している。
In Virgil Moorefield's 2010 book The Producer as Composer: Shaping the Sounds of Popular Music, Wilson is acknowledged as a "brilliant producer" and "a major innovator in the field of music production."
ヴァージル・ムーアフィールドの2010年の著書『The Producer as Composer: ウィルソンは、ヴァージル・ムーアフィールドが2010年に出版した「The Producer as Composer: Shaping the Sounds of Popular Music」において、「優秀なプロデューサー」、「音楽制作の分野における主要な革新者」として認められている。
Many other musicians have voiced admiration for Wilson or cited him as an influence, including Bob Dylan, Neil Young, Ray Davies, John Cale, David Byrne, Todd Rundgren, Patti Smith, Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Bruce Springsteen, Randy Newman, Ray Charles, and Chrissie Hynde.
ボブ・ディラン、ニール・ヤング、レイ・デイビス、ジョン・ケイル、デヴィッド・バーン、トッド・ラングレン、パティ・スミス、ミック・ジャガー、キース・リチャーズ、エリック・クラプトン、ブルース・スプリングスティーン、ランディ・ニューマン、レイ・チャールズ、クリッシー・ハインドなど多くのミュージシャンがウィルソンに対する称賛の声や影響を受けた人物として名を挙げている。
Art pop, pop art, psychedelia, and progressive music
Further to his invention of new musical textures and his novel applications of quasi-symphonic orchestras, Wilson helped propel the mid-1960s art pop movement, and, with Pet Sounds, was immediately heralded as art rock's leading figure.
新しい音楽のテクスチャーの発明と準シンフォニック・オーケストラの斬新な応用により、ウィルソンは1960年代半ばのアートポップ運動を推進し、『ペット・サウンズ』で一躍アートロックの旗手として脚光を浴びることになった。
Carlin writes that Wilson originated "a new kind of art-rock that would combine the transcendent possibilities of art with the mainstream accessibility of pop music".
カーリンは、ウィルソンが「芸術の超越的な可能性とポップミュージックの主流のアクセス性を組み合わせた、新しいタイプのアートロック」を創始したと書いている。
According to journalist Erik Davis, "Not only did [he] write a soundtrack to the early '60s, but Brian let loose a delicate and joyful art pop unique in music history and presaged the mellowness so fundamental to '70s California pop."
ジャーナリストのエリック・デイビスによれば、「彼は60年代初頭のサウンドトラックを書いただけでなく、ブライアンは音楽史上ユニークな繊細で喜びに満ちたアートポップを放ち、70年代のカリフォルニアポップの基本であるメロウネスを先取りした」のである。
Academic Larry Starr writes, "In a sense, Brian Wilson was the first self-conscious second-generation rock 'n' roller" as well as "the first fully realized" example of both an innovative and majorly successful pop musician.
学者のラリー・スターは、「ある意味、ブライアン・ウィルソンは最初の自意識過剰な第二世代ロックンローラー」であると同時に、革新的で大成功したポップ・ミュージシャン両方の「最初の完全な実現例」だと書いている。
Starr credits Wilson with establishing a successful career model that was then followed by the Beatles and other mid-1960s British Invasion acts: 1. "Start out by demonstrating a mastery of the basic early rock 'n' roll ballad and uptempo styles" 2. "Create original material based on, and extending, those styles" 3. "Eventually branch out totally beyond the traditional forms, sounds, and lyric content of rock 'n' roll to create something truly different and unique" Velvet Underground co-founder Lou Reed, who was mentored by Andy Warhol, wrote in 1966, "There is no god and Brian Wilson is his son. Brian Wilson stirred up the chords."
スターは、ウィルソンが、ビートルズや1960年代半ばのブリティッシュ・インベイジョンに続く成功のキャリア・モデルを確立したと考えている。
1 初期のロックンロールの基本であるバラードやアップテンポのスタイルに精通していることを示すことから始める。
2 それらのスタイルをベースに、さらに発展させたオリジナル曲を作る。
3 アンディ・ウォーホルの指導を受けたヴェルヴェット・アンダーグラウンドの共同設立者ルー・リードは、1966年に「神はいない、ブライアン・ウィルソンは彼の息子だ。ブライアン・ウィルソンがコードをかき鳴らしたんだ。」と書いている。
Van Dyke Parks stated, "Brian Wilson was not imitative, he was inventive; for people who don't write songs, it's hard to understand how inventive he really was."
ヴァン・ダイク・パークスは「ブライアン・ウィルソンは模倣的ではなく、独創的だった。曲を書かない人にとっては、彼が本当に独創的だったのか理解しがたいだろう」と述べている。
Parks elaborated that "Wilson made music as accessible as a cartoon and yet rewarded repeated listening as much as Bach", and he too suggested that Wilson's sensibilities overlapped with those espoused by other pop artists of the era, including Warhol and Roy Lichtenstein.
パークスは「ウィルソンは漫画のように親しみやすい音楽を作り、しかもバッハのように繰り返し聴くことに報いる」と詳しく説明し、ウィルソンの感性がウォーホールやロイ・リキテンシュタインを含む当時の他のポップアーティストが支持したものと重なることも示唆している。
In his 1969 book Awopbopaloobop Alopbamboom: The Golden Age of Rock, Nik Cohn recognizes Wilson as a creator of "genuine pop art. [...] Simply, he'd taken high school and raised it to completely new levels. He'd turned it into myth."
1969年に出版された『Awopbopaloobop Alopbamboom: The Golden Age of Rock）の中で、ニック・コーンはウィルソンを「本物のポップ・アート」のクリエイターとして認めている。[中略）単純に、彼はハイスクールを完全に新しいレベルまで引き上げたのだ。彼はそれを神話に変えたのだ" と述べている。
Under Wilson's creative leadership, the Beach Boys became major contributors to the development of psychedelic music, although they are rarely credited for this distinction.
ウィルソンの創造的なリーダーシップの下、ビーチ・ボーイズはサイケデリック・ミュージックの発展に大きく貢献することになったが、この功績が認められることはほとんどない。
In an editorial piece on sunshine pop, a subgenre closely associated with psychedelia, The A.V.
サイケデリアと密接に関連するサブジャンルであるサンシャイン・ポップについての論説で、The A.V. Clubのノエル・マレーは、このことを認めている。
Club's Noel Murray recognized Wilson as among "studio rats [that] set the pace for how pop music could and should sound in the Flower Power era: at once starry-eyed and wistful."
クラブのノエル・マレーは、ウィルソンを「フラワー・パワー時代のポップ・ミュージックがどのように聞こえるか、聞こえるべきかというペースを設定したスタジオのネズミたち」の一人として認めている。
Murray added that Wilson himself rarely produced true sunshine pop music, but was still "hugely influential" to the genre's development.
マレイは、ウィルソン自身が真のサンシャイン・ポップスを生み出すことはほとんどなかったが、それでもこのジャンルの発展に「多大な影響を与えた」と付け加えている。
Wilson's work with the Beach Boys, especially on Pet Sounds, "Good Vibrations" and Smile, marked the beginnings of progressive pop, a genre that is distinguished by sophisticated and unorthodox approaches to pop music.
ウィルソンとビーチ・ボーイズの作品、特に『Pet Sounds』、『Good Vibrations』、『Smile』は、プログレッシブ・ポップの始まりであり、このジャンルはポップ・ミュージックに対する高度で異端なアプローチによって特徴付けられている。
Writing in 1978, David Leaf identified Wilson's 1960s productions as a chief influence on bands such as Queen, Electric Light Orchestra (ELO), 10cc, and Crosby, Stills, Nash & Young, among others.
1978年、デヴィッド・リーフ（David Leaf）は、ウィルソンの1960年代の作品が、クイーン、エレクトリック・ライト・オーケストラ（ELO）、10cc、クロスビー、スティルス、ナッシュ＆ヤングなどのバンドに大きな影響を与えたと書いている。
Musicologist Bill Martin, an author of books about progressive rock, acknowledged Wilson's influence on the prog movement, particularly through his complex songwriting and basslines, adding that Wilson, alongside the Who frontman Pete Townshend, "showed that adolescence can be the subject of great music".
プログレッシヴ・ロックに関する書籍を執筆している音楽学者のビル・マーティンは、特に複雑な曲作りとベースラインを通じてウィルソンがプログレ・ムーヴメントに影響を与えたことを認め、ウィルソンはザ・フーのフロントマン、ピート・タウンゼントとともに「思春期が素晴らしい音楽の対象になり得ることを示した」と付言している。
Writing in 2016, The Atlantic's Jason Guriel credits Pet Sounds with inventing the modern pop album, stating that Wilson "paved the way for auteurs [and] anticipated the rise of the producer [and] the modern pop-centric era, which privileges producer over artist and blurs the line between entertainment and art."
2016年に書いたアトランティックのジェイソン・グリエルは、ウィルソンが "作家への道を開き、プロデューサーが台頭し、アーティストよりもプロデューサーを優遇し、娯楽と芸術の境界線を曖昧にする現代のポップ中心時代を先取りした "と述べ、『Pet Sounds』が現代のポップアルバムを発明したと評価している。
Among the later artists situated within Wilson's template are Prince, Michael Jackson, Radiohead, and Kanye West.
ウィルソンのテンプレートに位置づけられる後発のアーティストには、プリンス、マイケル・ジャクソン、レディオヘッド、そしてカニエ・ウェストがいる。
Naïve art, rock/pop division, and outsider music
Wilson's popularity and success is partly attributed to the perceived naïveté of his work and personality.
ウィルソンの人気と成功は、彼の作品や性格がナイーブだと思われていることに起因している部分もある。
David Marks opined that although Wilson's early records could appear "campy and corny [...] [Brian] was dead serious about them all and that's what made them work [...] It's hard to believe that anyone could be that naive and honest, but he was. That's what made those records so successful. You could feel the sincerity in them."
デヴィッド・マークスは、ウィルソンの初期のレコードは「野暮ったくて陳腐に見えるかもしれないが（中略）（ブライアンは）すべてに対して真剣で、それが彼らを成功させたのだ」と論評している（中略）誰かがそこまで純真で正直であることは信じがたいが、彼はそうだった。だからあのレコードは成功したんだ。誠意が感じられたんだ」。
In music journalist Barney Hoskyns' description, the "particular appeal of Wilson's genius" can be traced to his "singular naivety" and "ingenuousness", alongside the fact that his band was "the very obverse of hip".
音楽ジャーナリストのバーニー・ホスキンズは、ウィルソンの「天才の特別な魅力」は、彼のバンドが「ヒップの真逆」であるという事実と並んで、彼の「特異な素朴さ」と「純真さ」によるものである、と評している。
John Cale argued, "What Brian came to mean was an ideal of naïveté and innocence [...] Pet Sounds was adult and childlike at the same time."
ジョン・ケイルは、「ブライアンが意味するようになったのは、ナイーブさと無邪気さの理想であり、...ペット・サウンズは大人であると同時に子供っぽかった」と論じている。
The most culturally significant "tragedy" in 1960s rock, according to journalist Richard Goldstein, was Wilson's failure to overcome his insecurities and realize "his full potential as a composer" after having anticipated developments such as electronica and minimalism.
ジャーナリストのリチャード・ゴールドスタインによれば、1960年代のロックにおける最も文化的に重要な「悲劇」は、エレクトロニカやミニマリズムといった発展を予期していたウィルソンが、不安を克服して「作曲家としての潜在能力を完全に発揮」できなかったことだという。
Writing in 1981, sociomusicologist Simon Frith identified Wilson's withdrawal in 1967, along with Phil Spector's self-imposed retirement in 1966, as the catalysts for the "rock/pop split that has afflicted American music ever since".
社会音楽学者のサイモン・フリスは1981年の論文で、1967年のウィルソンの脱退と、1966年のフィル・スペクターによる自主的な引退が、「それ以来、アメリカ音楽を苦しめるロックとポップの分裂」のきっかけになったと指摘している。
Frith added that, while the influence of both these producers was evident in 1967 hit songs by the Electric Prunes, the Turtles, Strawberry Alarm Clock, Tommy James and the Shondells, and the 5th Dimension, the most enduring and successful American pop act was the Monkees, which had been created as "an obvious imitation of the Beatles".
フリスは、エレクトリック・プルーンズ、タートルズ、ストロベリー・アラーム・クロック、トミー・ジェームス＆ザ・ションデルズ、5thディメンションの1967年のヒット曲には、この二人のプロデューサーの影響が見受けられるが、最も永続的で成功したアメリカのポップ・アクトは、「明らかにビートルズの模倣」として作られたモンキーズだったと付け加えている。
Speaking in a 1997 interview, musician Sean O'Hagan felt that rock music's domination of mass culture following the mid-1960s had the effect of artistically stifling contemporary pop composers who, until then, had been guided by Wilson's increasingly ambitious creative advancements.
ミュージシャンのショーン・オヘイガンは1997年のインタビューで、1960年代半ば以降にロックが大衆文化を支配したことが、それまでウィルソンのますます野心的な創作の前進に導かれていた現代のポップ作曲家を芸術的に窒息させる効果があったと感じている。
In her article which dubbed him "the godfather of sensitive pop", music journalist Patricia Cárdenas credits Wilson with ultimately inspiring many musicians to value the craft of pop songwriting as much as "the primal, hard-driving rock 'n' roll the world had come to know since then."
音楽ジャーナリストのパトリシア・カルデナスは、彼を「センシティブ・ポップのゴッドファーザー」と呼んだ記事の中で、ウィルソンが最終的に多くのミュージシャンに、「当時から世界が知っていた原始的でハードなロックンロール」と同じようにポップソング作りの技術を評価するように促したと評価している。
By the mid-1970s, Wilson had tied with ex-Pink Floyd member Syd Barrett for rock music's foremost "mythical casualty".
1970年代半ばまでに、ウィルソンは元ピンク・フロイドのシド・バレットと並んで、ロック・ミュージックにおける最も重要な「神話的犠牲者」になっていた。
Timothy White wrote that Wilson's ensuing legend rivaled that of the California myth promoted by the Beach Boys, while Brackett characterized Wilson's "rise and fall and rise" as a "downright Shakespearean" story, with Wilson "elevated to Olympian status by every serious musician since".
ティモシー・ホワイトは、ウィルソンの伝説はビーチ・ボーイズが広めたカリフォルニア神話に匹敵すると書き、ブラケットはウィルソンの「上昇と転落、そして上昇」を「まさにシェークスピア的」物語とし、「以後のあらゆる真剣なミュージシャンによってオリンピア的地位に引き上げられた」と評している。
Ultimately, Wilson became regarded as the most famous outsider musician.
最終的に、ウィルソンは最も有名なアウトサイダー・ミュージシャンとみなされるようになった。
Author Irwin Chusid, who codified the term "outsider music", noted Wilson as a potentially unconvincing example of the genre due to Wilson's commercial successes, but argued that the musician should be considered an outsider due to his "tormented" background, past issues with drug dependencies, and unorthodox songwriting.
アウトサイダー・ミュージック」という言葉を体系化した作家アーウィン・チューシッドは、ウィルソンの商業的成功により、このジャンルの説得力のない例となりうることを指摘したが、彼の「苦悩した」経歴、過去の麻薬依存の問題、異端な曲作りなどから、このミュージシャンはアウトサイダーと見なされるべきであると主張した。
Other critics have drawn comparisons between Wilson and the outsider musician Daniel Johnston, who also struggled with lifelong mental illness and a "genius" labeling.
他の批評家は、ウィルソンと、同じく生涯精神疾患に苦しみ、「天才」のレッテルを貼られたアウトサイダー・ミュージシャン、ダニエル・ジョンストンを比較した。
Alternative music and continued cultural resonance
Wilson has also been declared the "godfather" of punk, indie rock, and emo.
また、ウィルソンはパンク、インディーロック、エモの「ゴッドファーザー」とも言われている。
Principally through his early records, Wilson, alongside his collaborator Mike Love, was a key influence on the development of punk rock and the movement's evolution into indie rock.
主に初期のレコードを通じて、ウィルソンは共同制作者のマイク・ラブとともに、パンクロックの発展やインディーロックへの進化に重要な影響を及ぼした。
According to critic Carl Wilson (no relation to the Beach Boys' Carl Wilson), "The Ramones, for instance, seized on and subverted the early Wilson template: Be True to Your School became Rock'n'Roll High School."
評論家のカール・ウィルソン（ビーチ・ボーイズのカール・ウィルソンとは無関係）によれば、「例えばラモーンズは初期のウィルソンのテンプレートを利用し、それを覆した」。ビー・トゥルー・ユア・スクールはロックンロール・ハイスクールになった」。
The critic also notes, "For the artier branches of post-punk, Wilson's pained vulnerability, his uses of offbeat instruments and his intricate harmonies, not to mention the Smile saga itself, became a touchstone", especially for such bands as Pere Ubu, XTC, U2, R.E.M., the Pixies, and My Bloody Valentine.
この評論家はまた、「ポスト・パンクの芸術的な枝葉にとって、ウィルソンの痛々しい弱さ、オフビート楽器の使用、複雑なハーモニーは、スマイルの武勇伝そのものは言うまでもなく、試金石になった」、特にPere Ubu, XTC, U2, R.E.M., Pixies, My Bloody Valentineといったバンドにとってであるとも述べている。
Later in the 20th century, Wilson became known as the "godfather" to an era of independently produced music that was heavily indebted to his melodic sensibilities, chamber pop orchestrations, and recording experiments.
20世紀後半、ウィルソンは、彼のメロディーセンス、チェンバーポップ・オーケストレーション、録音実験に大きく依存した自主制作音楽時代の「名付け親」として知られるようになった。
Author Nathan Wiseman-Trowse credited Wilson, alongside Spector, with having "arguably pioneered", in popular music, the "approach to the sheer physicality of sound", an integral characteristic of the dream pop genre.
作家のネイサン・ワイズマン＝トラウズは、スペクターと並んで、ウィルソンがポピュラー音楽において「間違いなく先駆者」であり、ドリームポップというジャンルの不可欠な特徴である「音の圧倒的な物理性へのアプローチ」であると評価している。
Newer acts who were influenced by Wilson, or that voiced their admiration, included Robyn Hitchcock, Redd Kross, the Church, Rain Parade, Big Dipper, the Go-Betweens, Psychic TV, the Feelies, and the dBs.
ウィルソンに影響を受けた、あるいは賞賛の声を上げた新しいアーティストには、ロビン・ヒチコック、レッド・クロス、チャーチ、レイン・パレード、ビッグ・ディッパー、ゴービートゥイーンズ、サイキックTV、フィリーズ、dBsがいる。
Many of the most popular acts of the 1980s and 1990s recorded songs that celebrated or referenced Wilson's music, including R.E.M., Bruce Springsteen, Barenaked Ladies, the Jayhawks, and Wilco.
1980年代と1990年代には、R.E.M.、ブルース・スプリングスティーン、バレネイキッド・レディス、ジェイホークス、ウィルコなど、ウィルソンの音楽を称え、あるいは参考にした多くの人気アーティストが曲を録音している。
Simultaneously, the High Llamas inspired many American touring groups, especially around Los Angeles, to recognize Wilson as an "alternative music hero".
同時に、ハイ・ラマはアメリカの多くのツアー・グループ、特にロサンゼルス周辺に、ウィルソンを「オルタナティブ・ミュージックのヒーロー」として認識させるきっかけとなった。
Stereolab and the Elephant 6 collective, whose roster included Apples in Stereo, of Montreal and the Olivia Tremor Control, were all heavily influenced by Wilson.
ステレオラボや、アップルズ・イン・ステレオ、オブ・モントリオール、オリビア・トレマー・コントロールなどが在籍したエレファント6集団は、いずれもウィルソンから大きな影響を受けている。
In Japan, references to Wilson and his "mad boy genius" legend became a common trope among Shibuya-kei (渋谷系) musicians such as Cornelius, who was heralded by critics as "the Japanese Brian Wilson".
日本では、ウィルソンと彼の「狂気の天才少年」伝説への言及は、コーネリアスなどの渋谷系ミュージシャンの間でよく見られる表現となり、彼は評論家たちから「日本のブライアン・ウィルソン」と称されるようになった。
In 2000, Marina Records released Caroline Now!, an album of Wilson's songs recorded by artists including Alex Chilton, Kim Fowley, the Aluminum Group, Eric Matthews, Saint Etienne, Peter Thomas, the High Llamas, and Jad Fair of Half Japanese.
2000年には、アレックス・チルトン、キム・ファウリー、アルミニウム・グループ、エリック・マシューズ、セイント・エチエンヌ、ピーター・トーマス、ハイ・ラマ、ハーフ・ジャパニーのジャド・フェアなどのアーティストがウィルソンの曲を録音したアルバム「キャロライン・ナウ！」をマリナ・レコードがリリースした。
Thanks to acts such as Panda Bear and his 2007 album Person Pitch, Wilson began to be recognized for his continued impact on the indie music vanguard since the late 2000s.
パンダ・ベアや2007年のアルバム『Person Pitch』などの活動のおかげで、ウィルソンは2000年代後半からインディー音楽の前衛に影響を与え続けていると認識されるようになった。
In 2009, Pitchfork ran an editorial feature that traced the development of nascent indie music scenes, and chillwave in particular, to the themes of Wilson's songs and his reputation for being an "emotionally fragile dude with mental health problems who coped by taking drugs."
2009年、Pitchforkは編集特集を組み、黎明期のインディ音楽シーン、特にチルウェイヴの発展を、ウィルソンの曲のテーマと、"精神的な問題を抱え、ドラッグで対処していた感情的にもろい奴 "という彼の評判になぞらえた。
Writing in his 2011 book on the Beach Boys, Mark Dillon stated that tributes to Wilson remained "common among musicians young enough to be his children".
マーク・ディロンは2011年に出版したビーチ・ボーイズに関する本の中で、ウィルソンへの賛辞は「彼の子供と言えるほど若いミュージシャンの間でよく見られる」ままであると述べている。
Wilson's influence continues to be attributed to modern dream pop acts such as Au Revoir Simone, Wild Nothing, Alvvays, and Lana del Ray.
ウィルソンの影響は、オ・ルヴォワール・シモーヌ、ワイルド・ナッシング、アルヴェイズ、ラナ・デル・レイといった現代のドリーム・ポップに帰結し続けるものである。
In 2022, She & Him, accompanied by the release of Melt Away: A Tribute to Brian Wilson, embarked on a concert tour dedicated to renditions of Wilson's songs.
2022年、She & Himは『Melt Away』のリリースに伴い、『A Tribute to Brian Wilson: A Tribute to Brian Wilson）をリリースし、ウィルソンの楽曲を演奏するコンサート・ツアーに乗り出した。
In popular culture
Authorized documentary films
Brian Wilson: I Just Wasn't Made for These Times, directed by Don Was, premiered at the Sundance Film Festival in January 1995.
1995年1月、サンダンス映画祭で、ドン・ワス監督の『ブライアン・ウィルソン：I Just Wasn't Made for These Times』が初公開された。
It features new interviews with Wilson and many other musicians, including Linda Ronstadt and Sonic Youth's Thurston Moore, who discuss Wilson's life and his music achievements.
リンダ・ロンシュタットやソニック・ユースのサーストン・ムーアなど、ウィルソンや多くのミュージシャンがウィルソンの人生や音楽の功績について語る新たなインタビューが収録されている。
Beautiful Dreamer: Brian Wilson and the Story of Smile, directed by David Leaf, premiered on the Showtime network in October 2004.
ビューティフル・ドリーマー ブライアン・ウィルソンとスマイルの物語」（監督：デヴィッド・リーフ）は、2004年10月にショータイム・ネットワークで初公開された。
It includes interviews with Wilson and dozens of his associates, albeit none of his surviving bandmates from the Beach Boys, who declined to appear in the film.
この映画には、ウィルソンと彼の関係者数十人のインタビューが含まれているが、出演を拒否したビーチ・ボーイズのバンド仲間は残っていない。
Brian Wilson: Long Promised Road, directed by Brent Wilson (no relation), premiered at the Tribeca Film Festival in June 2021.
ブライアン・ウィルソン ブレント・ウィルソン（血縁関係なし）が監督した『Long Promised Road』は、2021年6月にトライベッカ映画祭で初公開された。
It is focused on the previous two decades of Wilson's life, with appearances from Bruce Springsteen, Elton John, Jim James, Nick Jonas, Taylor Hawkins, and Jakob Dylan.
ウィルソンの過去20年の人生に焦点を当て、ブルース・スプリングスティーン、エルトン・ジョン、ジム・ジェームス、ニック・ジョナス、テイラー・ホーキンス、ヤコブ・ディランが出演している。
Other works based on Wilson
John Cale's 1974 album Slow Dazzle included "Mr. Wilson", one of the earliest songs written about Wilson himself.
ジョン・ケイルが1974年に発表したアルバム『Slow Dazzle』には、ウィルソン自身について書かれた初期の曲のひとつである「Mr.Wilson」が収録されている。
The Barenaked Ladies recorded "Brian Wilson" for their 1993 album Gordon.
ベアネイキッド・レディースは1993年のアルバム『Gordon』で「Brian Wilson」を録音した。
A live version of their song was issued as a single and reached the top 40 charts in 1998.
この曲のライブ・バージョンはシングルとして発行され、1998年のチャートでトップ40にランクインした。
Wilson himself performed the song at concerts and released a cover version on the album Live at the Roxy.
ウィルソン自身もコンサートでこの曲を演奏し、アルバム『Live at the Roxy』でカバーバージョンを発表している。
The 1995 film Grace of My Heart includes a character named Jay Philips, played by Matt Dillon, that is modeled after Wilson.
1995年の映画『グレース・オブ・マイ・ハート』には、マット・ディロン演じるジェイ・フィリップスというキャラクターが登場し、ウィルソンのモデルになっている。
Wilson himself wrote "Gettin' In over My Heard" for the film, but the song was rejected.
ウィルソン自身はこの映画のために「Gettin' In over My Heard」を作曲したが、この曲はボツになった。
The 2007 comedy film Walk Hard: The Dewey Cox Story contains scenes inspired by the Smile saga, in which the titular character is consumed with recording his "masterpiece" (titled "Black Sheep") and has a mental breakdown.
2007年のコメディ映画『ウォークハード：デューイ・コックス物語』には、主人公が「傑作」（「黒い羊」というタイトル）のレコーディングに没頭し、精神的に崩壊してしまうという、「スマイル」サーガから着想を得たシーンが含まれている。
Actor Paul Dano drew on his experience playing Wilson in Love & Mercy as the basis of his performance as the Riddler in the 2022 film The Batman.
俳優のポール・ダノは、『ラブ＆マーシー』でウィルソンを演じた経験を、2022年の映画『バットマン』でリドラーを演じる際の基礎とした。
Accolades
Awards and honors
Nine-time Grammy Award nominee, two-time winner.
グラミー賞9回ノミネート、2回受賞。
2005: Best Rock Instrumental Performance for "Mrs. O'Leary's Cow".
2005: ミセス・オリアリーズ・カウ」で最優秀ロック・インストゥルメンタル・パフォーマンス賞を受賞。
2013: Best Historical Album for The Smile Sessions.
2013: ザ・スマイル・セッションズ』で最優秀ヒストリカル・アルバム賞。
1988: Rock and Roll Hall of Fame as a member of the Beach Boys.
1988: ビーチ・ボーイズのメンバーとしてロックの殿堂入りを果たす。
2000: Songwriters Hall of Fame, inducted by Paul McCartney, who referred to him as "one of the great American geniuses".
2000: ソングライターの殿堂入り、ポール・マッカートニーに「アメリカの偉大な天才の一人」と言及される。
2006: UK Music Hall of Fame, inducted by Pink Floyd guitarist David Gilmour.
2006: 英国音楽の殿堂、ピンクフロイドのギタリスト、デヴィッド・ギルモアが殿堂入り。
2003: Ivor Novello International Award for his contributions to popular music.
2003: ポピュラー音楽への貢献が認められ、アイボア・ノヴェロ国際賞を受賞。
2003: Honorary doctorate of music from Northeastern University in Boston, Massachusetts.
2003: マサチューセッツ州ボストンのノースイースタン大学から名誉音楽博士号を授与される。
2004: BMI Icon at the 52nd annual BMI Pop Awards, being saluted for his "unique and indelible influence on generations of music makers."
2004: 第52回BMIポップ・アワードでBMIアイコンとなり、「何世代にもわたる音楽制作者へのユニークで消えない影響力」が評価された。
2005: MusiCares Person of the Year, for his artistic and philanthropic accomplishments 2007: Hollywood Bowl Hall of Fame 2007: Kennedy Center Honors committee recognized Wilson for a lifetime of contributions to American culture through the performing arts in music.
2005: 2005 年: MusiCares Person of the Year、彼の芸術的および慈善的な業績に対して 2007 年。ハリウッドボウルの殿堂 2007 年 ケネディ・センター名誉委員会は、ウィルソンの音楽における舞台芸術を通したアメリカ文化への生涯の貢献を評価した。
2008: Golden Plate Award of the American Academy of Achievement.
2008: アメリカン・アカデミー・オブ・アチーブメントのゴールデン・プレート賞を受賞。
2011: UCLA George and Ira Gershwin Award at UCLA Spring Sing.
2011: UCLA Spring SingにてUCLA George and Ira Gershwin Awardを受賞。
2016: Golden Globe nomination for "One Kind of Love" from Love & Mercy.
2016: Love & Mercy』より「One Kind of Love」でゴールデン・グローブ賞にノミネートされる。
Polls and critics' rankings
As of 2021, the website Acclaimed Music lists eight of Wilson's co-written songs within the thousand highest rated songs of all time: "Surfin' U.S.A." from 1963; "Don't Worry Baby" and "I Get Around" from 1964, "California Girls" from 1965; "Wouldn't It Be Nice", "God Only Knows", and "Good Vibrations" from 1966; and "Surf's Up" from 1971.
2021年現在、ウェブサイトAcclaimed Musicでは、ウィルソンの共作のうち8曲が史上最も評価の高い1000曲以内にランクインしている。1963年の「Surfin' U.S.A.」、1964年の「Don't Worry Baby」と「I Get Around」、1965年の「California Girls」、1966年の「Wouldn't It Be Nice」「God Only Knows」「Good Vibrations」、1971年の「Surf's Up」である。
In 1966, Wilson was ranked number four in NME's "World Music Personality" reader's poll—about 1,000 votes ahead of Bob Dylan and 500 behind John Lennon.
1966年、ウィルソンはNME誌の読者投票「ワールド・ミュージック・パーソナリティ」で、ボブ・ディランに約1000票、ジョン・レノンに約500票差をつけて第4位にランクされた。
In 2008, Wilson was ranked number 52 in Rolling Stone's list of the "100 Greatest Singers of All Time".
2008年、ローリング・ストーン誌の「史上最も偉大な100人のシンガー」ランキングで52位にランクされた。
He was described in his entry as "the ultimate singer's songwriter" of the mid-1960s.
彼はそのエントリーの中で、1960年代半ばの「究極のシンガーズ・ソングライター」と評された。
In 2012, Wilson was ranked number eight in NME's list of the "50 Greatest Producers Ever", elaborating "few consider quite how groundbreaking Brian Wilson's studio techniques were in the mid-60s".
2012年、ウィルソンはNMEの「史上最も偉大なプロデューサー50人」の第8位にランクインし、「ブライアン・ウィルソンのスタジオ技術が60年代半ばにどれほど画期的だったかを考える人は少ない」と詳しく述べている。
In 2015, Wilson was ranked number 12 in Rolling Stone's list of the "100 Greatest Songwriters of All Time".
2015年、ウィルソンはローリング・ストーンの「史上最も偉大な100人のソングライター」リストで12位にランクされた。
In 2020, Brian Wilson Presents Smile was ranked number 399 in Rolling Stone's list of "The 500 Greatest Albums of All Time".
2020年、『ブライアン・ウィルソン・プレゼンツ・スマイル』は、ローリング・ストーンの「史上最も偉大な500枚のアルバム」リストで399位にランクインした。
In 2022, Wilson was ranked second in Ultimate Classic Rock's list of the best producers in rock history.
2022年、アルティメット・クラシック・ロックの「ロック史上最高のプロデューサー」リストでウィルソンは2位にランクされた。