【意訳】エミリー・クラウス：入れ子状の時間
Emily Kraus: Nest Time
The Sunday Painter, London
27 April – 10 June 2023
by SAM CORNISH
※Chat GPTの翻訳に微修正を加えた文章であり、誤訳や誤解が含まれている可能性が高い旨をご留意ください。
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1995年生まれのエミリー・クラウスが、Sunday Painterにて５点の独創的な自信作を展示している。これらは全て今年（2023）に制作されたものだ。
上階には2022年、RCA（ロイヤル・カレッジ・オブ・アート）に在学中に開始されたストカスティック（確率的演算的）なシリーズの作品が2点展示されている。下階では最新のNest Timeシリーズから、いずれも高さ4mほどの3枚組が3点展示されている。
鑑賞者を包み込むと同時に見下ろす２つのシリーズは、瞑想的でありながらもドラマチックで、多層的な画面の全体に身体性・規則性・色彩が複雑に織り込まれている。
一見するとクラウスの絵画は見るからにデジタル的で、まるでモダニストの抽象画が初歩的なソフトウェアによってグリッチされたかの様に見える。
この絵画の背後には非凡な制作手法がある。クラウスはRCAの限定的なスタジオ空間の中で絵を描くために、檻のようなフレームを構築した。支柱はローラーになっており、そこに輪っか状に繋げた長いキャンバスを張るのである。
彼女はこのフレームの中に入り、四方をキャンバスに囲まれた状態で作業する。絵具をローラーに塗ったり、キャンバスに直接塗った後でキャンバスをフレームに沿って引っ張ると。すると絵具が画面へ擦り付けられると同時に、様々な模様が規則的・反復的にキャンバスに押し付けられていく。こうして彼女は、徐々にぼやけながら反復される図像によって特徴的なレイヤーを構築しているのだ。
この手法では直接的な描画と非間接的な印刷が組み合わされている。その両犠牲が、作品に様々な観点を与えていると言えるだろう。
その力強い制作手法は、絵画を見て制作手法が気になった人の予想を裏切るだろう。
この身体的な絵画作品は、豊かなイメージを持つオブジェクトとして独立している。完成の時点で、強度のある空間──身体性を取り込めるだけの強度を持った空間を生み出していることで、単なる描画行為の蓄積ではない、部分の総和を超えた作品仕上がっている。時間の流れに沿って行われた描画行為が１枚の絵画に、永遠に静止した図像になっているのだ。
クラウス作品のように、図像が振動・変動・増幅・減退し、時に複数の反響を生み出しているとき、はっきりと停止している印象がより重要になるのかもしれない。
クラウス作品の細かく分断された絵画空間では、個々の領域、時には画面全体で、画面を構成する各要素がお互いに浸透・融合し合っている。
これらの絵画は音楽、より一般的には音との親和性がある。（カタログのエッセイではフィリップ・グラスについて言及している）
私にはこれらの絵画が、空間を感覚的に把握するために音を使う手法と類似しているように感じられる。音の到達・継続・消失が、背景と前景・位置・距離・方向・容積を語るのである。
画面上の縦方向のストライプは、描画用フレームの中でキャンバスを周期的に引っ張ることで生じるのだが、それが視覚的にも画面全体を引き締める効果を持っており、キャンバス自体の物理的なハリが図像にも反映・再現されているのだと言える。
近代・前近代に多くの画家が愛したグリッドの統制力は、ここでは流動的かつ即興的な操作と極めて独創的なかたちで組み合わされている。
キャンバス表面にかろうじて引っかかっている粒状の絵具の斑点や、画像全体を踊り落ちていく液状の飛沫まで、物質的な色彩に対する見事な感性が見て取れるが、特に『Nest Time』ではそれらが縦方向に現れている。
多くのモダニストたちは、描画手法に制約を課して制作を行った。
モーリス・ルイス、ジャック・ウィッテン、シモン・ハンタイ。あるいは、古典的モダニズムに依拠すると同時にそこから距離を置こうとするゲルハルト・リヒターなどを列挙できるだろう。
しかしクラウスに関しては、ヘレン・フランケンサーラーとの関連性が強く見て取れる。
フランケンサーラーは主に自由奔放な絵画表現に取り組んだアーティストだが、この“一般的な”印象は、彼女の作品の基盤にある厳格さと規律への評価を取りこぼしている。
近年、フランケンサーラーはロンドンで非常に注目されている。
クラウスの色彩感覚、太鼓の様に張られた絵画表面に感じる柔らかさ、キャンバスの織目の上に図像が漂っている印象、そして点・線・流動的に広がる平面が織りなす空間的拡がりから、彼女がフランケンサーラーから受けた影響を感じ取ることができる。
クラウスはフランケンサーラー作品における規律と自由の関係性を逆転させ、自由ではなく規律の方を前面に押し出しているのだと言えるだろう。
これはもちろん、キャリアが始まって間もないアーティストの主張としては非常に大胆である。
若い画家の間で抽象絵画への関心が再燃している。それは市場の飽くなき要望が一因だろう。市場は周期的に新奇性や装飾性を探し求めるものだ。
だがそれによって、多くのアーティストが取り組んでいる本格的かつ本物の芸術的野心が邪魔されてはいけない。
私はクラウスと同様に、ロンドンの大学院課程を修了したばかりのハーミンダー・ジャッジ（Harminder Judge）とパム・エヴリン（Pam Evelyn）の作品にも感銘を受け、感心させられた。エヴリンはクラウスと同じくRCA（ロイヤル・カレッジ・オブ・アート）出身で、ジャッジはロイヤル・アカデミー・スクールズ出身である。
早い段階で商業的成功を手にした若い画家は、直ちに象徴的なアプローチを確立せよ、分かりやすく反復可能なものであれ、大量に制作して青田刈りを目論む世界中の観客を満足させよ、という要望を受ける。しかしその観客は、脱線やスランプに陥る可能性といった、若手アーティストにとって極めて重要なことには気を留めない。
だがこれは目新しいことではない。クレメント・グリーンバーグがジョン・ホイランドに「なぜ１つ以上のイメージを作るのか」と尋ねたのも、おそらく市場を意識していたからだ。（ホイランドは「私は１つ以上のアイデアを持っているからだ」と答えた）。
しかし1960年代よりも金銭面の重圧が大きいのは間違いなく、短期的な収益率も拡大している。
クラウスの制作手法の成功、その多様化と拡張可能性の行く末には現代特有の罠が潜んでいるかもしれないが、彼女がそれを切り抜けてくれることを願っている。
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