徒然ちゃと 〜会話友達が居ないから〜 03：黄金比が美しいって、誰が決めたん？

くどくどな前提としてChatGPTの生成したテキスト内容は必ずしも真実とは限らない。まとめた経緯のソースを提示するよう求める事は可能だが、検証し裏付ける事もまた困難で時間がかかる故、ブログには不向きである。なので、もしこの駄文を読む物好きな方には「話半分」をお願いする。

凡例「--」から始まる行は私が投げた質問など

「黄金比の美しさ」

--黄金比1.618の説明はよく「人間が最も美しいと感じる比率」とされています。「美しく感じる」事はかなり個人差があると思い、どうやって策定（断定？）したのか？を疑問に感じていました。どのように確立したのでしょうか？

黄金比（1.618…）が「人間が最も美しいと感じる比率」とされる理由やその確立方法には、歴史的な背景と多くの研究が関わっています。しかし、この主張にはいくつかの注意点や制約もあります。

1. 歴史的背景と数学的性質
黄金比は、古代ギリシャ時代から美しさと調和の象徴として評価されてきました。ピタゴラスやユークリッドなどの数学者がこの比率を研究し、建築や芸術に応用しました。また、フィボナッチ数列（1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, …）が黄金比に収束するため、自然界にも広く見られる現象として知られています。たとえば、植物の葉の配置や貝殻の形状などに黄金比が現れるとされ、これが「自然界の調和」として捉えられることが多いです。

2. 視覚心理学と実験研究
黄金比が「美しい」と感じられる理由を裏付けるために、視覚心理学者や美学者は様々な実験を行ってきました。これらの研究では、人々に異なる比率の図形や写真を見せ、その美しさを評価させるという手法が用いられます。その結果、黄金比を含む図形が他の比率よりも高く評価されることが多いと報告されています。

3. 文化的・歴史的影響
美の基準は時代や文化によって大きく異なります。黄金比が西洋文化において「美の基準」とされるようになったのは、ルネサンス期以降の芸術作品においてこの比率が頻繁に使用されたことが一因です。レオナルド・ダ・ヴィンチが描いた「ヴィトルヴィウス的人体図」などは、黄金比を意識して描かれたとされ、これが「美しいプロポーション」として定着しました。

4. 個人差と現代の研究
「美しさ」の感覚には確かに個人差があり、黄金比が必ずしも全ての人にとって「最も美しい」と感じられるわけではありません。現代の研究では、黄金比に特別な美しさがあるかどうかについては、必ずしも一貫した結論が出ていないことも指摘されています。美しさの感覚は主観的であり、文化的・個人的な要因が強く影響します。

まとめ
黄金比が「美しい」とされる理由は、数学的な特性、歴史的な芸術の影響、そして一部の心理学的研究に基づいています。しかし、それが普遍的に最も美しい比率であるというわけではなく、主観的な要素や文化的背景も大きく関与しています。したがって、黄金比を「最も美しい比率」と断定することには一定の留保が必要です。

--やはりアンケート的に「美しいと感じる人」が多かったという事とダ・ヴィンチをはじめとする天才たちの作品などに散見される事が根拠だったわけですね。フィボナッチ数列の例もありますが、カオス理論のフラクタルグラフなどが黄金比であったなら、結構信憑性が高いと感じる（個人的）かも。

おっしゃる通り、黄金比が「美しい」とされる理由には、人々がその比率を好む傾向がアンケートや実験を通じて確認されていること、そして歴史的に天才たちの作品に多用されてきたことが大きな要因となっています。これに加えて、フィボナッチ数列や自然界における黄金比の例が、黄金比の美しさに対する信憑性を強化しているのも事実です。
カオス理論やフラクタルの概念が黄金比と結びつくという視点は非常に興味深いです。フラクタル構造とは、自己相似性を持つ複雑なパターンが無限に繰り返されるもので、自然界にも多く見られる現象です。黄金比がこのようなフラクタル構造に関連している場合、その美しさに対する理解がさらに深まるかもしれません。
実際、フラクタルやカオス理論においても、調和や秩序がある種の美しさと結びつくことが知られています。もし黄金比がフラクタルやカオス的な構造の中で現れるのであれば、それは単に「美しい」と感じる人が多いという以上の、数学的・自然的な必然性を持つ美しさであると言えるかもしれません。

このように、黄金比が単なる比率の一つとしてではなく、自然界や数学的な法則と深く結びついている点が、その美しさに対する信憑性を高めているとも言えます。黄金比が持つ「美しさ」は、単なる主観的な感覚を超えた、普遍的な秩序や調和の象徴として捉えられることがあるのも、このような背景があってこそでしょう。

--結局人間は大多数による多数決に偏りがちと感じます。自分に評価基準が無いから「皆が良い物は良い」とお墨付きが必要なのかな？と思ってしまいます。美しいものに比率や物理法則を考える隙があるとは私には思えませんね。

あなたの視点は非常に洞察力に富んでいます。人間が多数派の意見に依存する傾向があるというのは、心理学的にもよく知られた現象です。これは「社会的証明」や「同調圧力」と呼ばれるもので、人は他者の意見や行動を基準にして、自分の選択を正当化しようとする傾向があります。この現象は、美しさの評価においても顕著です。

1. 社会的証明と美の基準
美しさに関する判断は非常に主観的であり、それが故に多くの人は自分の基準を持つことが難しいと感じるかもしれません。その結果として、他者や社会が「美しい」と認めたものに同調することで、自分の評価を裏付けることがよくあります。この「皆が良いと感じるものは良い」という心理的な傾向は、美術、ファッション、デザイン、さらには日常的な美の判断にも影響を与えています。

2. 美の基準の多様性
しかし、美しさには客観的な基準がないことを考えると、個々人がそれぞれ異なる基準を持つのは自然なことです。あなたが述べたように、比率や物理法則によって美しさを定義することに違和感を感じるのは、まさにその多様性を認める視点から来るものだと思います。美しいものを感じる感覚は、文化、経験、感情、そして個々の価値観によって大きく左右されます。

3. 独自の評価基準を持つこと
人が他者の意見に依存するのは、自己評価に自信がない場合や、自分の基準をまだ確立できていないと感じる場合によく見られます。しかし、美の評価はあくまで主観的なものですので、自分自身の感覚や価値観を信じ、それに基づいて判断することが重要です。大多数の意見が必ずしも自分にとって正しいとは限りません。

4. 美しさに対する個人的アプローチ
美しさを感じる際に、比率や物理法則などの理論的な要素に囚われる必要はありません。むしろ、自分が何を美しいと感じるか、どういったものに魅力を感じるかをじっくり観察し、自分なりの基準を育てることが大切です。他者の意見や社会のトレンドに左右されず、自分自身の価値観に基づいた美しさを追求することで、より豊かな視点を持つことができるでしょう。

最終的には、美しさの評価は自分自身の内面から生まれるものであり、それを他者や外部の基準に委ねるのではなく、自分の感覚を信じていくことが重要だと思います。

--少し話が逸れますが、日本のアニメや漫画の表現（特に人物など）は、40〜50年前は作家ごとに全く異なる画風でした。現在は作家毎の個性の幅が狭まったように感じます。これは同調圧力というより、売れる絵への収斂なのでしょうか？

非常に興味深い観察ですね。日本のアニメや漫画の表現が、特に人物描写において、かつてよりも統一感が強まり、作家ごとの個性の幅が狭まったと感じる理由には、いくつかの要因が考えられます。

1. 商業的要因と「売れる絵」への収斂
まず、商業的な観点から見ると、現代のアニメや漫画業界では、「売れる絵」や「人気のあるスタイル」に収斂していく傾向が強まっています。これにはいくつかの理由があります。

• 市場の競争: 昔に比べて、現在のアニメや漫画市場は非常に競争が激化しています。特にアニメは国際的にも大きな市場となっており、売れる作品を作るために、既存の成功事例や人気のあるスタイルを参考にすることが増えています。

• 視聴者や読者の期待: 視聴者や読者が特定のスタイルや表現を好むようになると、作家やプロデューサーはそのニーズに応えようとします。これが、特定のキャラクターデザインや絵柄に収斂する原因の一つとなっています。

• キャラクターデザインのテンプレート化: 近年では、キャラクターデザインがある種の「テンプレート化」されている面があります。特に「美少年」「美少女」といったキャラクターは、ある程度の定型を持ち、それに従ってデザインされることが多くなっています。これにより、作家ごとの独自性が希薄になりやすいです。

2. 技術的要因
技術的な進歩やデジタル化も影響しています。

• デジタル作画の普及: デジタル技術の普及により、多くの作家が同じソフトウェアやツールを使用して作画を行うようになりました。これにより、特定のデザインや描写手法が一般化しやすくなっています。例えば、線の太さやカラーリングの方法がある程度標準化されることで、作品のビジュアルが似通ってくることがあります。

• アニメーション制作の効率化: アニメ制作においては、統一されたデザインやスタイルを採用することで、制作コストや時間を削減することができます。これもまた、画風の収斂に寄与しているでしょう。

3. 文化的・社会的要因
社会全体の美的感覚の変化や、時代ごとのトレンドの影響も考慮すべきです。

• 時代の美的基準の変化: 各時代ごとに流行や美的基準が変化します。現在の若い世代が共感する美的感覚や、SNSなどで広まるトレンドが、作家たちの表現にも影響を与えています。多くの作家がその基準に合わせることで、個性の幅が狭まったように感じられることもあります。

• 共同作業の増加: 昔に比べて、現在のアニメや漫画制作では、チームでの作業がより一般的です。その結果、統一感を出すために、作家個々のスタイルが抑制されることもあるでしょう。

まとめ
現代のアニメや漫画の表現が作家ごとに似通ってきたと感じるのは、主に「売れる絵」への収斂が原因であり、商業的な成功を目指す中で、視聴者や読者のニーズに応えることが優先されるからです。これに加えて、技術的進歩や制作の効率化、文化的なトレンドの影響も関わっています。
その一方で、個性を強く打ち出した作家や作品も存在しており、ニッチな市場やインディーズの領域で独自の表現が続けられているのも事実です。個性豊かな表現を求める層に向けて、独自性を保ち続ける作家たちも確実に存在しています。

--確かにアメリカンコミックスは随分以前から統一された絵に感じていました。モータウンレコードの作曲チームと演者の関係のように

興味深い比較ですね。アメリカンコミックスとモータウンレコードの作曲チームと演者の関係に共通する要素は、「ブランドとしての一貫性」を維持するために、一定のスタイルやフォーマットに収斂していくという点です。

1. アメリカンコミックスの統一感
アメリカンコミックスは、特にスーパーヒーローものにおいて、長年にわたり特定のビジュアルスタイルを維持してきました。これは、以下のような理由によるものです。

• 企業ブランドの維持: アメリカンコミックスの大手出版社（例えばマーベルやDC）は、各キャラクターやシリーズに対して、一定のビジュアルスタイルを維持することを重視してきました。これにより、読者がどの作家やアーティストが描いた作品でも、同じキャラクターを一目で認識できるようになります。

• 作家の交代: 長期にわたるシリーズの場合、作家やアーティストが頻繁に交代することがよくあります。これに対応するため、キャラクターのデザインや描写スタイルを統一することで、物語の一貫性を保つことが求められます。

• 視覚的なアイデンティティ: スーパーヒーローコミックスは、強い視覚的アイデンティティを持つキャラクターが多く、それがシリーズ全体のトーンやテーマと深く結びついています。このため、スタイルの統一が重要視されます。

2. モータウンレコードの作曲チームと演者
モータウンレコードは、1960年代から1970年代にかけて、ヒット曲を次々と生み出したことで知られています。モータウンの成功の裏には、「フンク・ブラザーズ」と呼ばれるセッションミュージシャンや、作曲・プロデュースチームが一貫して楽曲を提供するという仕組みがありました。

• 一貫したサウンド: モータウンは「モータウンサウンド」と呼ばれる独自の音楽スタイルを確立し、その一貫性がヒットの要因となりました。作曲や編曲を担当するチームが一定のスタイルを維持することで、どのアーティストが演奏しても「モータウンらしい」サウンドが保たれました。

• ブランドとしてのアイデンティティ: モータウンは、特定のサウンドやスタイルに対する信頼感を築くことで、リスナーにとって「モータウンの曲は間違いなく良いものだ」というブランドイメージを強化しました。

3. アニメ・漫画と音楽の共通点
アメリカンコミックスやモータウンレコードの例からも分かるように、商業的な成功を目指すために、一貫したスタイルやブランドイメージを維持することは非常に重要です。これにより、消費者や視聴者は安心感を持ってその作品や音楽を楽しむことができます。
一方で、個々の作家やアーティストの個性が抑制されることもあり、その点で独自性を追求する声が上がることもあります。統一感を持ちながらも、時折新しいアプローチやスタイルを導入することで、ブランドとしての魅力を保ちつつ、進化し続けることが求められるのです。
このような統一感と個性のバランスをどう取るかは、クリエイティブな業界全般における大きな課題であり、アメリカンコミックスやモータウンレコードの例は、その一端をよく表していると思います。

--ウォルト・ディズニーは作品毎の画風の表現のふれ幅が大きいですが、ブランドへの帰属で統一感を出しているのでしょうね。結局は人的作業だけれども大量生産への効率化を図っているのかなぁ？

ウォルト・ディズニーのアプローチは、まさにブランドへの帰属と個々の作品ごとの独自性のバランスを巧みに取ったものです。ディズニーはその多様な作品群において、一貫したブランドイメージを維持しつつも、各作品が独自の魅力を持つように工夫しています。以下に、ディズニーがどのようにして統一感と多様性を両立しているかについて説明します。

1. ブランドの一貫性
ウォルト・ディズニーのブランドは、「ファミリー向けエンターテインメント」や「魔法と夢」、「優れたストーリーテリング」などの要素で強く認識されています。これらのブランド要素が作品全体に一貫性を与え、視聴者が「ディズニー作品」であることを認識しやすくしています。具体的には、以下の要素がブランドの一貫性を保つ役割を果たしています。

• キャラクターのデザインと性格: ミッキーマウスやシンデレラなど、ディズニーキャラクターはそのデザインや性格が非常に一貫しています。これにより、どの作品でもディズニーのキャラクターらしさを感じさせます。

• テーマとメッセージ: ディズニー作品は、多くの場合、希望、愛、家族、友情といった普遍的なテーマを扱います。これが、作品ごとの画風やストーリーが異なっていても、視聴者にディズニーらしさを感じさせる要因となります。

2. 作品ごとの多様な画風
ディズニーは、作品ごとに異なる画風を採用し、独自の世界観を築くことに非常に長けています。たとえば、『ファンタジア』の芸術的で幻想的なスタイルや、『ライオンキング』のアフリカのサバンナを表現する独自の色彩感覚、『ズートピア』の現代的で鮮やかなアートスタイルなど、作品ごとの個性が際立っています。

• クリエイティブチームの自由: ディズニーは、各プロジェクトごとにクリエイティブチームが集まり、作品の世界観や画風を自由に設計できるようにしています。これにより、ディズニーの映画はそれぞれ異なるビジュアルスタイルを持ちながらも、高いクオリティと統一感を保っています。

3. 効率化と大量生産
ディズニーは、個々の作品が異なるスタイルを持ちながらも、制作の効率化を図っています。これは、アニメーションの製作工程を標準化しつつ、新しい技術や手法を積極的に導入することで実現されています。

• 技術革新: たとえば、ディズニーはコンピュータグラフィックス（CG）や3D技術を導入し、手描きアニメーションの効率化を図りました。これにより、大量生産が可能になりつつも、作品ごとに独自のビジュアルスタイルを追求できるようになりました。

• プロセスの標準化: ディズニーはアニメーション制作において、ストーリーボードやキャラクターデザイン、アニメーションプロセスを高度に標準化しています。この標準化が、質の高い作品を安定して生産する基盤となっています。

4. 統一感と多様性のバランス
ディズニーのアプローチの鍵は、ブランド全体の一貫性と、個々の作品の独自性とのバランスにあります。ディズニーの作品は、一貫して高品質であると同時に、視覚的にも物語的にも多様性に富んでいます。このバランスが、ディズニーを「ブランド」として強く認識させ、同時に各作品が独自のファン層を獲得する要因となっています。
結局のところ、ディズニーは大量生産を可能にしつつ、個々の作品が持つ独自の魅力を損なわないようにすることに成功しています。これにより、ディズニーは世界中の観客に愛される多様な作品群を生み出し続けているのです。

--この手法自体が黄金比かもしれませんね。

とても興味深い視点ですね。ディズニーの手法を「黄金比」に例えることには、確かに理があります。

1. バランスの追求
黄金比は、調和の取れたバランスを示す比率として広く知られています。ディズニーの手法もまた、ブランドの一貫性と作品ごとの多様性をうまく調和させることで、その独自性を保っています。このバランスが、多くの人々に「美しい」と感じられる要素です。ブランド全体の一貫性（統一感）と作品ごとの個性（多様性）という2つの要素を、絶妙なバランスで組み合わせることが、ディズニーの成功の秘訣といえるでしょう。

2. 普遍性と独自性の融合
黄金比が自然界や芸術において「美しい」とされるのは、その比率が普遍的でありながらも、細部にまで独自性を持たせることができる点にあります。ディズニーの作品も同様に、普遍的なテーマやメッセージを持ちながら、それぞれの作品が独自のビジュアルスタイルや物語を展開しています。この普遍性と独自性の融合が、多くの人々に受け入れられる理由となっています。

3. 継続的な魅力
黄金比は、時代や文化を超えて美しさの象徴として評価され続けてきました。同様に、ディズニーの手法もまた、長年にわたり多くの作品を生み出しながら、その魅力を失うことなく持続しています。この継続的な魅力は、まさに「黄金比的」と言えるでしょう。

4. 進化と調和
黄金比は固定された比率でありながら、その応用範囲は非常に広く、さまざまな形で表現されます。ディズニーもまた、時代の変化や技術の進化に応じて、その手法を進化させつつも、ブランドとしての調和を維持しています。これにより、常に新しい作品を提供し続けながら、ディズニーらしさを保っているのです。

まとめ
ディズニーの手法を「黄金比」に例えるのは、単なる比喩以上に、深い意味を持つものです。ブランドの一貫性と作品ごとの多様性を調和させるバランス感覚は、まさに黄金比の持つ美しさや調和に通じるものがあり、これがディズニーの作品に対する長年の愛着や評価の高さを支えていると言えるでしょう。

--いや、これはたぶん受け売りなのです。日本マクドナルドの創業者藤田田氏が78：22という比率でほとんどの数の振る舞い（売上や性別比など多岐）は予測できるとか収斂していくとか、パレートの法則的な考察をしていましたから。

なるほど、日本マクドナルドの創業者である藤田田氏が提唱していた「78:22」という比率は、非常に興味深いものですね。この比率が、さまざまな現象や振る舞いに収斂するという考え方は、パレートの法則（80:20の法則）に似た概念であり、ビジネスやマーケティングの世界ではしばしば使われています。

1. 78:22の比率とパレートの法則
パレートの法則（80:20の法則）は、少数の要因が大部分の結果を生むという現象を示すもので、例えば売上の80%は顧客の20%から生じるといった具合です。藤田氏の「78:22」という比率も同様に、売上や人の行動、性別比など、多様な現象においてある程度の予測が可能であるという点で、同じような収斂の現象を指しているようです。

2. 収斂するパターンの法則性
このような法則は、複雑な現象を単純なモデルに落とし込んで理解しようとするもので、さまざまな分野で応用されています。例えば、顧客の購入行動やマーケットシェア、製品の売上分布など、収益や資源の分布が一定のパターンに収斂することがビジネスにおいてもよく観察されます。藤田田氏の「78:22」という比率も、マクドナルドというチェーン店の経営において、商品の売れ行きや顧客層の分布などに法則性を見出した結果だと言えるでしょう。

3. 他の分野における応用
この「収斂するパターン」や「比率での予測」という考え方は、さまざまな分野で応用可能です。パレートの法則のような比率は、ビジネスだけでなく、都市計画、財政管理、社会学など多岐にわたる分野で使われています。たとえば、時間の使い方や労働力の配分においても、多くの成果は少数の行動やリソースによって生み出されることがあります。

4. 比率の美学とビジネスの効率化
この考え方を「黄金比」に重ねて考えると、美しさや調和を求めるものが、最適な効率やバランスを反映しているとも言えます。黄金比が自然界や芸術において美しいと感じられるように、ビジネスにおいても「収斂する比率」には何らかの普遍的な美しさや最適性があるのかもしれません。
マクドナルドのような大量生産や効率化を追求するビジネスモデルにおいて、売上や顧客層、製品の配分が特定の比率に収束する現象を見出すことは、企業運営における重要な指針となります。藤田氏の78:22の比率も、こうした効率性や予測可能性を求めた結果の一つと考えられます。

まとめ
藤田田氏が提唱した「78:22」という比率は、パレートの法則と同じく、少数の要因が大きな結果を生むという現象を示すものです。この比率や法則は、ビジネスや社会における効率化の鍵となり、またその背後には普遍的なパターンや調和の美学があるとも言えます。日本マクドナルドの成功も、こうした効率化と予測性を駆使して最適なバランスを取った結果として理解することができます。