Jim O’Rourke by Jay Sanders（bombmagazine.org）

Jim O'Rourke by Jay Sanders - BOMB Magazine

BOMB Magazineのジム・オルークへのインタビュー記事のDeepL翻訳

O’Rourke and Sanders go over the complex layerings—from lyrics to mixes to the LP’s cover—in O’Rourke’s recent pop album, Simple Songs.

Jim O’Rourke in Tokyo, 2015.

ジム・オルークは、彼自身の作品の中で、また彼の鋭い洞察力と、彼を刺激し興奮させる多くのものを熱狂的に後押しすることによって、彼が活動している芸術形態のパラメーターを根本的に変えてしまった稀有なアーティストの一人である。彼は常に、音楽を聴いているときの期待やカテゴリーの区別を再考するように聴衆に挑み、それらの構成要素を探りながら、彼らの意味コードを驚くべき、そして予想外の方法で再配線していくのです。

オルークは、常にオリジナリティと独立したヴィジョンのための新しい用語を設定しており、常にユーモアのセンスを持ち合わせています。彼は、洗練された作曲とコンセプチュアルな芸術的意図をポップ・アルバムのようなものに染み込ませ、エレクトロニック・ミュージックとムジーク・コンクレートの可能性を再考し続け、音を整理して私たちを驚かせ、その現れ方で私たちを驚かせています。

8年前に上京して以来、彼のアルバムは、説明やプロモーション、ツアーのサポートなどの必要性に縛られることなく、自分たちのボキャブラリーや関心事に深く入り込んでいくため、ますます別の軌道からの派遣のように感じられるようになってきています。2009年のインストゥルメンタル作品『The Visitor』は、デヴィッド・ボウイが『The Man Who Fell To Earth』の中で宇宙人のペルソナであるデヴィッド・ボウイが作った架空のアルバムからタイトルを取ったもので、遥か彼方の惑星に向けたありえないメッセージが込められている。今年は、2001年の『Insignificance』（すべてDrag City Recordsからリリース）以来、初のヴォーカル・ソング・アルバム『Simple Songs』のリリースが待ち望まれていた。そんな彼の要求の一部を満たすために、この秋、東京草月ホールで「すべての物語に二面性を」と題した珍しい2夜連続コンサートを開催することになった。ジムは様々な理由で私にインスピレーションを与えてくれました。

-ジェイ・サンダース

ジム・オルーク
今日はひどい天気です。昨夜は台風が来ていたので、本当に暑くてベタベタしています。

ジェイ・サンダース
荒れた夏になりましたか？

JO
キモかったです。

JS
ホイットニーで行われたコンロン・ナンカローのフェスティバルを終えたところです。彼はとても素晴らしいアーティストですが、より多くの人にどのように受け止められるかは期待していませんでした。

JO
たくさんの人が来てくれましたね。

JS
11日間の長丁場で、雪だるまが丘を転がるようにして作り上げていきました。最初の２、３日は共同キュレーターのDominic Murcott と私が昼間は劇場にいました。私たちはピアノのロールを弾いていましたが、その後、よりフォーマルな夜のイベントやライブを行いました。シリーズが終わる頃には、ある種のカルト的な支持者になっていました。最終日には、「the Studies for Player Piano」の第1番から第51番までを順番に演奏しました。7時間半かかりました。午後は、ナンカローがメキシコシティのスタジオでお客さんが来た時にテキーラを出してくれたので、テキーラを飲みました。

ナンカローの周りでは、あなたとあなたの作品のことが気になっていました。彼はアメリカのアーティストでしたが、国外に住んでいました。また、彼は自分のやりたい音楽を自分でやる方法を見つけて、人に頼る必要性を捨てることができました。いつもそうしているわけではありませんが、『The Visitor』のようなレコードを考えると、従来のプレイヤーやスコアへの依存から脱却する方法を発明しなければならなかったような気がします。

JO
彼は必要としていた 私の場合は、カトリックで育ってきたせいか、人にこんなくだらないことをやらせていることに罪悪感を感じているような気がしています。

JS
彼はブギウギでもジャズでもポップなフォームを使っていますが、隠された複雑さを通して、成層圏まで行くような作品を作っています。音楽的なジャンルの使用、複数の声とメロディックなラインを持つカノン形式、そして全く前代未聞のテンポと密度の変化など、他の方法では到達できなかったどこかへ行くのです。そして、彼の実験方法はとても気取らない。音楽の歴史や前衛の歴史の重みが作品には感じられない。隠すとは言わないまでも、彼は多くのことを隠すことができているように見える。

JO
-でも彼はそうしています

JS
そうだな 控えめな手段を使って、彼は何かを作っていて、それ自体が素材の砂粒の中で変容していくのです。それはあなたの作品についても同じように考えています。謙虚さもありますが、努力は極限まで行っています。努力と構成戦略は、それ自体に注意を喚起しない方法で埋め込まれているのです。

JO
私の代わりにNancarrowの話をします（笑）。(笑) 私たちにとってNancarrowは もちろん作曲家ですが 彼は歴史的な文脈の中では 理解されていませんでした Charles Amirkhanianのような 一握りの人々を除いては 彼の音楽を発見して とても真剣に受け止めていました だから今では、すでに飛び立ってしまった鳥の尻尾を追いかけているようなものです。ナンカローの作品はまだ非常に隠れています。何かがどれだけ真剣に受け止められるかは、文脈によって決まります。例えば、Darmstadt （Karlheinz StockhausenやLuigi Nonoなど、数え切れないほどの20世紀の前衛作曲家が学び、教えていた場所）に行った作曲家は、自分の作品がそのフィルターを通過して、特定の方法で知覚されることを知っていました。

自分がNancarrowのような人間だと言っているわけではありませんが、自分のやっていることを正当化するために、その人たちが何を考えているのかを気にしない人もいます。私は自分のやっていることに何が含まれているかを知っています。誰かがそれを理解してくれればそれは素晴らしいことですが、私は茶色の偽物の革と金の刻印がある金色の本に自分の名前を載せる必要があるほど不安ではありません。それは絶対に起こらないし、起こっても問題じゃない。そんな世界で自分の居場所を追い求めて 育てることに一日の大半を費やすなんて 想像できないわ それは魂の死だ お仕事は？

JS
文脈のアイデアは、他のものよりも異なるタイプの音楽素材にあなたを引き寄せているのでしょうか？別のものではなく、一つのもので仕事をするというのは、政治的な決断なのでしょうか？

JO
そもそも自分が尊敬していない音楽とは絶対に仕事ができない。その音楽史を参考にするためだけに何かを使うことはできない。そして、実際に理解できていないものは絶対に仕事にしたくない。理解できていないものは、個人的に時間をかけて勉強しています。対位法をブラッシュアップしなければならない時は、そのために時間を割かなければなりません。研究といってもいいかもしれませんが、これらを自由に使えるようにしておくことで、錆びついてボロボロになっていることに気づかないようにすることも問題です。しかし、それは個人的に行うべきであり、すべてがうまくいけば、気づかれることもないはずだ。

何かを公開する意味が何なのか、この時点ではもうわからない。何かをしたからといって、それを公開する必要はない。これは私が幸運にも幼い頃に学んだことなんだけど、80年代、カセットやノイズの時代に録音したものを何でも出してくれる人たちと一緒に仕事をしていたときにね。ある人にとってはそれは素晴らしいことだったんだけどね。でも、だんだんとそれが出来なくなってきたんだ。僕の基本的なことの一つは、ナルシシズムに対するアレルギーと嫌悪感なんだ。それが壁になっていると言う人もいるかもしれません。私がやったからといって、誰かに聞かれるわけではありません。何年もかけて何かに取り組んできたのに、それを公表するほどのものではないと判断したことは、長い間気にしたことがありませんでした。大事なのは最終的な結果だけです。

JS
John Zornの『Arcana』シリーズ（2007年）のために行った対話がとても好きでした。その時にあなたが言っていたことを覚えていますが、長い間素材を保持しておくことは、文脈をシフトさせて作品を新たな光の中に浮かび上がらせるための重要な方法であり、自分自身から抜け出して現在から抜け出すためのものだと。だから、今回の新譜『Simple Songs』では、『Insignificance』から14年、『The Visitor』から6年の歳月をかけて考えてみたんだ。両アルバムの間の時間がプロジェクトにとって重要だったのでしょうか、それともまたこのような歌謡曲のレコードを出したいと思うようになったのは時間がかかったからでしょうか？

JO
確かにそれだけの時間がかかりました。もっと続けていきたいと思っていました。そういうレコードを出すのは、Editions Megoとか、レーダーを受けていないレーベルのレコードを出すのとは違うんだ。機械が必要なんだよね。ここに引っ越してきたときには、機械のことはもう忘れていたんだけど、以前にコラボしていたグループのためにプロデュースしたり、一緒にプレイしたりしていなかったんだ。仕事が楽しくなかったわけではないんだけど、自分の手から何かを奪うような機械の一部にはもうなりたくなかったんだ。このレコードが完成間近に見えてきて、アートワークやマスタリングの準備に関わったとき、「また始まったんだ」という匂いがしてきたんだ。このレコードのプレスをするというのは、いくつかのレベルで本当に奇妙なことだった。まず、私は長い間インタビューをしていませんでした。『The Visitor』の時でさえ、２、３回しかやっていなかった。

これは私の新譜です」という文脈でアルバムのことを話すのは、とても奇妙なことです。なぜ6年もかかったのか、それが当たり前だと理解してもらうのは難しい。一番ショックだったのは、これまで普通の文化とはかけ離れていたので、最後に訪れた時から世界がこんなにも変わってしまったということです。今まで本当に応援してくれていた雑誌や大きなサイトでさえ、「いや、受け流しています」みたいな感じで、なんでだろうと思っていました。やらないのはいいんだけど、気になったんですよね。今では何でもかんでも、ある種のバイラル能力を持っていないと興味を持ってもらえないような気がします。私に会った時から、私のインターネットに対する恐怖心や嫌悪感は知っていたでしょう。老人のようなものでもないしね 私はこれがどこに行くのか分かっていた この時点で真面目に何かをするのがどれだけ大変か想像もつかない。仕事との関係で自分の立場を維持していくのは、とても大変なことだと思います。

JS
物音が跳ね返っている。受信すらできない。

JO
リフレッシュノイズ。世の中には リフレッシュボタンを押す人の連続するクリック音で 埋め尽くされているような気がします リフレッシュボタンがないのは分かっているのですが...

JS
オープニングの "Friends With Benefits "は前にも話したことがありますが、すぐにサウスパークのフェイスブックのエピソード "You Have 0 Friends "を思い浮かべてしまいます。後半の "These Hands "という曲もそうですね。この曲は、古いイエローページのスローガン "Let your fingers do the walking "をシニカルに予言的にアップデートしたように聞こえます。

JO
Burroughsの「Naked Lunch」の 古典的なルーティンのようなものだ 喋るクソ野郎のことだ 最終的には人間を必要としなくなって死んだ目が見つめているだけになる もちろん言い換えですが 80年代後半から90年代前半にヨーロッパにいた頃を思い出す。Peter WeibelやStelarcなどのアートワークをたくさん見た。彼らの作品に個人的な感情を持っていたというよりも、「はっはっはっは、これが来たら気に入らないだろうな」という感じでした。

ＪＳ
先週、街を出て車で移動しているときに、少しぶりにあなたの前の曲のレコード『Insignificance』を再聴していました。それは、誰かを侮辱するための新しい方法の羅列であると同時に、倒錯と奇妙な性格の研究でもある、そんな侮辱の手引き書です。笑）歌詞は最初から最後まで素晴らしいですね。新譜では、サイコな隣人、死神、死体......など、様々な種類のキャラクターが登場します。

JO
それらはいつも現れるようですね？(笑)

ＪＳ
あなたの音楽にはもうみんな死んでいる？

JO
たぶんね。Insignificanceではほとんどが死にそうな人たちですが、『Simple Songs』ではほとんどの人が死んでいます。死神はいつも現れる 彼はいつもそこにいる。誰も引っ掛からないことに驚いています。というか、"Last Year "が "Get a Room "のパート2になっているのがバレバレになってしまうのではないかと心配していました。その文脈で考えれば、本当に笑えるだけのことなんだろうけどね。曲がフェードアウトしていくのに、この女性は目を覚まして、ベッドの中で死んだ男を見つけなければならないというアイデアが大好きなんです（笑）。笑）で、彼女はどうするんですか？もちろん、森の中に捨てるんだけどね。前の曲では森の近くに住んでいるとは言っていませんでした。失敗してしまいました。

JS
ここ数年、「Get a Room」、「Last Year」、「Eureka」などの曲では、対話の中で2つの声が出ている曲がいくつかあります。二人の登場人物がいて、それぞれのパートを別々に歌っている。こういう台詞があると、片方が大変なことになりそうですよね。笑）。

JO
今回は前回よりも強調してみました。声を二重にするときやコーラスを使うときは、個人ではなく抽象的な三人称か集団であることを暗示しているので、非常に慎重になっています。だから「Last Year」では、毎年ジョガーが男の体のそばを走っている時だけハーモニーやコーラスを入れています。でも、中盤のミックスの仕方も、死んだ人が歌っている時の音が違うんですよね。

JS
ええ、聞こえるでしょう。声が違う

JO
これは本当にくだらない話なのですが、ある空間を録音して分析し、その空間、いわゆる「インパルスファイル」をリバーブとして使うことで、自分でリバーブを作るソフトがあります。そこで、実際に森の中に出て録音してみました。中間部のボーカルのリバーブは、実際に森の中で録音したものですね。

JS
多少の信憑性を貸します。

JO
まあ、違うようだし、面白いと思ったんだけどね。それは私を楽しませてくれたし、私だけを楽しませてくれた。というか、全体的には、今までよりも少しだけ曲の中でこういうことがあるんだなというのを掘り下げてみました。今まで誰も得ていなかったような気がしていたので、間違っていたのかなと。今回も間違ったことをしてしまいました。笑）。

ＪＳ
自律的なメッセージとしての曲を考えていたのでしょうか、それとも何か全体的な形があったのでしょうか？

JO
時間がかかった理由の一部は、レコードとしては適切に感じられなかったからだ。それぞれの曲のストーリーの全体的なアーチと、それがどこで終わるか、そして次の曲へのピックアップと、それがどこへ連れて行くか、それがうまくいかなければならなかったんだ。基本的には、僕が想像していた通りのものになった。曲はある種の出来事だったんだ。もちろん、それは曲が出来上がった時だけの話だけどね。最終的には、周りのものに影響を受けて、形になっていくんですよね。

JS
"The Visitor" も聴き直したよ あのレコードには何か驚くべきものがある。あなたがこれまでにやったことの全てが詰まっている。あるセクションから別のセクションに移って、その下で何が変化し、どのようなインストゥルメントが出現したり後退したりするのか、それはワイルドだよね。このアルバムでは、常に多くのボールが宙を舞っているんだ。

JO
叩かれないように!

JS
聞けば聞くほど、確かにそうですね。

JO
私はそう願っています。リズム的にも調和的にも、たくさんの関係性が続いていて、それが明らかになればいいなと思っています。子供の頃、映画を見に行こうとしたら、親父が「もう見ただろ？なぜもう一度見る必要があるんだ？"と。子供の頃にもこんなことを言っていたのを覚えています。2時間でその人の人生の何年もの時間を理解できると思いますか？

JS
あなたの作品には、あなた自身のコンテクストを微妙に構築する方法があります。その中には、あなたにインスピレーションを与えてくれた様々な音楽を表現したり、オマージュしたりしているものもありますが、それはあなたの音楽素材の扱い方によって大きく変化します。ある意味では、『The Visitor』は、あなたが深く関心を持ち、研究してきたこれらのものが、あなたの作品を通して実際に形を変えることができるという意味で、本当の神託のようなものを感じます。あなたが取り組んでいるイディオムや形式、そしてあなたの作曲上の決定は、常に部分の総和を超えて全体をどこか遠くへ連れて行ってくれるのです。

JO
それはとても素敵なことです。というか、そうあってほしい。私はそう思っています。自分を楽しませるためにやってるわけじゃないし そうじゃない仕事は作れない。不幸なことだけど、ほとんどの人にとって私はアラカルトのようなものだと思う。僕がやったことの大部分を聞いたことがある人はほんの一握りだろう。ドラッグ・シティのレコードしか知らない人は他の作品を知らないから、残念ながら多くのリスナーにとって僕のやっていることの特殊な側面が失われてしまうんだ。

大抵の人はミュージシャンを大きな計画を持って考えている人としては見ないんだ。映画監督の仕事を考えるとき、彼らの作品をライフワークとして考えるのは自然なことです。ニール・ヤングやボブ・ディランのようなミュージシャンは一握りしかいない。もちろん自分と比較しているわけではありませんが、そういう風に音楽を考えるのは珍しいですし、ポップスに触れるものは何でもそうですよね。そういう主張をすると、気取っていると言われますよね。でも、僕は、まあ、いいんじゃないかな？この形式だからとか、このジャンルだからとか。そういう可能性がないと誰が言うんですか？そういうことを言っているのであれば、形式を侮辱しているのはあなたですよね。

JS
あなたは様々な方法で同時に活動していますね。ここ数年の間に、あなたの作品のために様々な配信ラインを作ってきましたね。主にエレクトロニック・ミュージックを中心としたMegoからのオールド・ニュース・シリーズのLP、リイシュー、ライブ・レコーディング、サウンドトラック、スタジオ・ワークなどを含むBandcampでの配信、歌を中心としたDrag Cityのレコード、そしてコラボレーション・プロジェクトなどです。そのようなアプローチは役に立っていますか？Old Newsに関しては、作品をリリースするための一貫したラインやプラットフォームを持っているということは、作業をする上で新たな文脈を与えてくれるのでしょうか？コンセプト的な戦略はありますか？

JO
そうなんだけど、状況が変わってきたから、それらのLPはどれも "自分の新しいレコード "とは思われたくないんだ。それは僕が常に取り組んでいることなんだ。Old Newsでは、前作が完売してから新しいものをリリースするようにしています。前作から1年半くらい経っています。

JS
Old Newsでは、その蔑称のようなタイトル、アルバム・カバーに描かれた、リリースのたびに一行ずつ消えていく絵、20年前のものと新しいものを組み合わせるという事実、これらすべてが、次の新鮮な作品のスライスのアイデアを回避し、混乱させることに大いに役立っています。

JO
そうですね。消える表紙は確かにアイデアの一部ですね。白紙になるかどうかも分からないし 興味を持ってくれる人の数が多ければ、もう一枚は出せないかもしれない。時々、フェス用のエレクトロニック・ミュージックを作ってくれと頼まれることもあります。ヨーロッパ、特にフランスでは、60年代からコンサートでテープ音楽を演奏するという長い歴史があります。作曲家という言葉は使いたくありませんが、その人は時々そこにいるだけです。これはごく普通のことです。そういう演奏会をやりたいという人が復活してきていますが、観客は慣れていないんですよね。ロンドンのCafe OTOと、オーストラリアのフェスティバルでやったばかりなんです。観客は怒るんですよ、僕がいないから。コンロン・ナンカローがいなかったとか。

JS
いや、彼はどうやらコンサートでは生のピアノよりもテープ録音の方を好んでいたようだ。

JO
なぜ、これらの扉は閉じられているのか？何かの価値を「価値」で決めようと主張して、この支離滅裂な状態を引き起こしているのは何なのでしょうか？奇妙なことだ。それが資本主義の末路なのです。(笑)

ＪＳ
Old Newsの時もそうでしたが、曲のレコードについてもそうですが、デザインの決定、カバーのコンセプチュアルなビジュアル、アルバムと曲のタイトル、そしてレコードの周りで行われたプロモ写真のいくつかにも、平行線があります。これらのラインは、つながりを作るための鍵となるものです。Drag Cityの作品では、よく見ると、Bad Timingから始まるすべてのレコードの間に、静かに、しかしはっきりとした方法で、ある種の視覚的な代数が形成されています。

JO
そうですね。初期の作品では、この考えに突き動かされていましたが、それについてはそれほど雄弁ではありませんでした。時間が経つにつれて、自分が何をしたいのか、どうすればいいのかがより鮮明に見えてきたんだ。だから、僕にとってこのレコードのカバー、もっと重要なのは裏表紙で、ある意味ではその時代のものなんだ。これで終わりだ。これで終わりです。私が求めていたものを手に入れるために使われた印刷プロセスは...。

ＪＳ
-黒い鏡のように反射している

JO
うん、結局、見ているのは「自分」なんだよね。何年か前、いつものようにインターネットか何かに文句を言っていたら、パソコンの画面が鏡になっているのは、シャットダウンした時だけだと言っていました。パソコンとは関係ないけど、その心情は私の中に残っている。裏表紙もそれに関係していますね。

JS
レコード全体が出口のように感じられるのは同意するよ。ジャケットのような音楽的な側面は、このプロジェクトに内在するものですが、ある意味では出口戦略の一部でもあるかもしれませんし、全く別の分野への扉を開くかもしれません。

JO
私は間違いなく句読点だと感じます。あと、これらのレコードが他のすべてのものに影を落としているのも気に入らない。自分が望むような形で作品が見られていれば気にならないのですが、このようなアルバムがただの商品だとしたら、自分の時間を割く価値がありません。広い意味での文脈はブラックホールです。どんなに引っ張ってもそのブラックホールに入ってしまう。Insignificanceをやった時もそう感じた。

つまり、私の人生の6年分の価値がないということです。毎日自分の部屋で一人でできることは、8ヶ月でも1年でもいいんですけど、それをやることで何かが得られるんですよ。

JS
あなたの作品をあるべき姿で見てくれる人は十分にいると思いますし、その中に可能性を見てくれる人は十分にいると思います。実際のところ、どのような媒体でも、自分自身の形を作る問題の深い現実に取り組んでいるアーティストは、それほど多くはないと思います。長期的にはもっと多くの人に見てもらえるようになると思います。それがいつ、どのように受け止められるのかは複雑です。

JO
そこには私の日常の現実があります。ゲリラ録音みたいなものだよ "数時間だけ来てもいい "と言って だから、俺たちは、いい演奏ができたらいいなと思って、６年間に渡って演奏してきた。ミュージシャンにはあまりお金をあげられない。俺は何も稼げないんだよ。あのレコードのせいで赤字になってしまったんだ。金のためにやってるわけじゃないんだ。つまり、何の意味があるんだ？チーズケーキを作るのに必死になっても、モッツァレラがあるところに置いていくのと同じだよ。もうチーズケーキを作ることを奨励されることはないでしょう。

もちろん音楽を作っている人は誰でも大変な時代です。ライヴをすることが目的ではないからね。特に曲のネタはライブで演奏することを目的としていないんだよ。それはライブで演奏することを意図したものではないので、ストライク1ですね。ストライク2は、Tシャツとかそういうのはいらないということですね。

JS
(笑)

JO
笑い話に聞こえるけど、それで成り立っている人たちは非常識だと思うんだ。ポール・マッカートニーやウィングスの話をしているならわかるけど、Tシャツでお金を払っている人たちの小さなグループがいるんですよね。それを実現するのが難しいというストレスがあると、やりたいという気持ちが薄れてしまうんですよね。

JS
そんなダサい質問ですが、これまでのプロジェクトから何を学んできたのか、また、答えを出してもらいたい疑問や、今後の困難にぶつかりたいという点では、アーティスト的にはどのような立ち位置にいるのでしょうか？常に何かに取り組んでいることに駆り立てられていますね。

JO
私がしなければならないことの一つは、人と一緒に仕事をすることに恐ろしく後ろめたさを感じない方法を見つけることを学ぶことです。人と遊ぶという意味ではなく、人にお願いするという意味です。そこに罪悪感があるんですよ。人と遊ぶのが楽しいんですよ。オレン・アンバーチさんや灰野敬二さんや石橋英子さんと遊ぶのが好きです。そういうのは全部大好きです。でもね、それは僕の仕事じゃないんだよ。幸いなことに、それは自分が楽しんでやっていることであり、そこから学べることでもあるし、もちろん自分の仕事にも関係している。でも、誰かに何かを頼もうとすると、罪悪感はどうしようもない。ちょうど先日、10月にあるもののために弦楽四重奏をそろえなければならないので、こんな打ち合わせをしたところです。レコードで弦楽器を弾いている敦子が3人を見つけてきて、連れてきてくれて、僕が何をするか説明したんだ。その人たちと会って数分話をしただけでパニックになってしまいました。彼らの生計のためだから できるだけ多く払うつもりだが 彼らにはそれ以上の価値があるだろ？他人への共感をシャットアウトできないのは、私の性格の根本的な欠陥だ。私は毎日この実存的な問題に直面しています。私は人生でもっとたくさんのことを成し遂げることができるだろうから。何でもいいから "うん、何でもいいから、やってみて"

ＪＳ
(笑)

JO
20代前半の頃は、無知のうちにそれができていたので、その頃はもっとたくさんのことができました。人と一緒に仕事をしたくないわけではありません。

本当にもう一回勉強し直さないといけないんです。何年か前から言っているんだけど、もう一回勉強しないといけないんだよね。錆びついてきているので。

JS
レコードを聴くとか、読書とか？

JO
主に...言いたくないけど...楽器を上手に弾けるようになること。和声や対位法のような基本的なことは理解していますし、明らかにできますが、私は数学がとても苦手なので、それらについては、私が望んでいるほどの機敏さを持っていません。ちょっと時間がかかるんですよね。頑張らないといけませんね。それだけです。そのくだらないレコードができてから、ずっとそうしています。

JS
解放されたんですね、願わくば。

JO
そう願うよ その間に支払いの方法を考えないといけませんね

JS
これからのコンサートがそれを助けてくれることを願っています。

JO
このアルバムで演奏してくれる人たちの数を考えると、ライヴを実現させるためにはたくさんの物を売らなければならないだろうね。今回の新譜のおかげで、ライヴをやらなければならない、あれもこれもやらなければならない、というようなアルバムになっていますが、こんなことになるとは思っていませんでした。

JS
そうなんですね。皮肉な話ですが、歌っているからこそ、声があって、その声にアーティストが付いていて、バンドのような感じがして、それがライヴで出せるものであるべきなんですよね。でも、もちろんそれは作品自体が抱えている難問でもあります。曲のレコードにしてもそうでなくても、昔の作品に戻って再訪したり、作り直したりすることで何か得られるものがあるのでしょうか？それは素材への別のアプローチにつながるのでしょうか？

JO
アプローチの仕方で新しいものにするようにしています。昔のものに戻るのは全く楽しくない。安っぽい感じがするし ズルいと思うんだ "この名作を思い出せ...." 名作じゃない "すぐに忘れてしまったことを思い出せ...." 何をしてたっけ？昔、シアーサウンドで誰かのレコードを作っていた時......このクラシックノートを作ったんだ (ラジオのアナウンサーの声で) “Lou Reed, 1976, The Palladium: F# これがクラシック・ノーツです。

JS
これは良い終着点かもしれません。(笑)

JO
"これはクラシック・ノーツになっている"

ジェイ・サンダースはホイットニー美術館のキュレーターであり、パフォーマンスのキュレーターでもある。最近のプロジェクトに『DANCENOISE』がある。DANCENOISE:Don't Look Back』、『Anywhere in Time: A Conlon Nancarrow Festival』などがある。