ラジオ生活：名演奏ライブラリー コープランド バレエ組曲「ロデオ」 Aaron Coplan “Rodeo” ballet suite
聞き逃しサービス 2025/02/23 放送
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名演奏ライブラリー
アメリカの実力派指揮者 ルイス・レーン
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バレエ組曲「ロデオ」
[ “Rodeo”ballet suite ]
作曲： コープランド ( Aaron Copland )
アトランタ交響楽団(管弦楽)
ルイス・レーン(指揮)
[ 1982年録音版]
（18分20秒)
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開始より1時間16分18秒頃 (終了より38分42秒前頃)
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ちなみに、コープランド「庶民のファンファーレ」は、
開始より1時間12分57秒頃 (終了より42分03秒前頃)
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配信終了 2025/03/02 10:55
（すでに配信終了してます）
番組情報
Google検索 URL>
https://www.google.co.jp/search?tbm=vid&hl=ja&source=hp&biw=&bih=&q=Aaron_Copland+Rodeo
Bing検索 URL> https://www.bing.com/videos/search?q=Aaron_Copland+Rodeo_ballet_suite
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☆★☆ コープランド 「ロデオ」について【目次】☆★☆
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1. コープランド 「ロデオ」について
1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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2. 作曲者：コープランド について
2.1 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
2.2 コープランドの作曲作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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<<< 以下、参照しているWikipediaなどへのリンクはそれぞれの先頭あたりで紹介してます。>>>
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1. コープランド 「ロデオ」について
1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
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ロデオ (コープランド)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/ロデオ_(コープランド)
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『ロデオ』（英語：Rodeo）は、アメリカ合衆国の作曲家アーロン・コープランドが1942年に作曲したバレエ音楽、およびバレエ音楽から抜粋した管弦楽組曲。バレエは2幕からなり、『バーント牧場での求愛』（The Courting at Burnt Ranch）の副題があった。
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【概要】
バレエ・リュス・ド・モンテカルロ（モンテカルロ・ロシアバレエ団）の委嘱により1942年6月に作曲され、同年9月にオーケストレーションが完了した。当初は弦楽オーケストラのために構想されたが、後に通常のオーケストラ用に変更された[要出典]。バレエの初演は1942年10月16日、ニューヨークのメトロポリタン歌劇場において、アグネス・デ＝ミル（Agnes de mille）の振り付け・主演、フランツ・アラースの指揮によって行われ成功を収めた。
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【演奏会用組曲】
コープランドは、このバレエ音楽を元に、『ロデオより4つのダンスのエピソード』」（Four Dance Episodes from Rodeo ）と題された演奏会組曲を作った。これは以下の4曲から構成されている。
1. カウボーイの休日（Buckaroo Holiday）
2. 畜舎の夜想曲（Corral Nocturne）
3. 土曜の夜のワルツ（Saturday Night Waltz）
4. ホーダウン（Hoe-Down）
1943年5月28日に、アーサー・フィードラー指揮、ボストン・ポップス・オーケストラによって3曲が抜粋初演され、翌6月にアレクサンダー・スモーレンス（Alexander Smallens）指揮、ニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団の野外演奏会（Stadium concert）において組曲全曲が初演された。
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〜［上記wikipediaより抜粋。］
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1. コープランド 「ロデオ」について
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Rodeo (ballet)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Rodeo_(ballet)
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Rodeo is a ballet composed by Aaron Copland and choreographed by Agnes de Mille, which premiered in 1942. Subtitled "The Courting at Burnt Ranch", the ballet consists of five sections: "Buckaroo Holiday", "Corral Nocturne", "Ranch House Party", "Saturday Night Waltz", and "Hoe-Down". The symphonic version omits "Ranch House Party", leaving the other sections relatively intact.
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【Genesis】
The original ballet was choreographed by Agnes de Mille for the Ballet Russe de Monte-Carlo, a dance company that moved to the United States during World War II. In order to compete with the rival company Ballet Theatre, the Ballet Russe commissioned de Mille out of a career of relative obscurity. The choreographer was given considerable creative control, choosing Aaron Copland as the composer after being impressed by his previous ballet, Billy the Kid. Though Copland was initially reluctant to compose "another Cowboy ballet," De Mille persuaded him that this show would mark a significant departure from his previous work. As de Mille found herself occupied with instructing a highly international cast in the mannerisms of American cowboys, Copland recommended that Oliver Smith design the sets, in what would prove to be a prescient action.
De Mille herself played the lead, and the premiere at the Metropolitan Opera House on 16 October 1942 received 22 curtain calls. The other principal dancers in the cast included Frederic Franklin and Casimir Kokitch. Though de Mille herself was not entirely pleased with the premiere, it was attended by Rodgers and Hammerstein, who approached de Mille afterward to request that she choreograph their upcoming production of Oklahoma!.
The ballet makes use of riding movements that de Mille devised with the assistance of Peggy van Praagh, for a recital in London by Peggy van Praagh and Hugh Laing in 1938. De Mille also made use of such vernacular forms as a square dance and a cadenza for a tap dancer.
Noted among many reviews was de Mille's highly evocative choreography, described as "film sensibility" and renowned for its realism. The original production went on to lead a successful tour, though producers were hard pressed to replicate the skill with which de Mille had portrayed the lead. De Mille retained veto power over any casting of the ballet, which often sent companies to extremes in order to find a worthy Cowgirl. Meanwhile, Copland arranged the music as a symphonic suite for orchestra titled Four Dance Episodes from Rodeo, which consisted chiefly of removing "Ranch House Party" and minor adjustments to the final two sections. With the middle section removed, the composition resembled the symphonic form with an ambitious opening movement, slow movement, minuet and finale. In this form, Rodeo found even greater success, premiering at the Boston Pops in 1943.
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【Instrumentation】
Rodeo is written for the following instrumentation.
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《》Woodwind
2 flutes (one doubling piccolo)
1 piccolo
2 oboes
1 English horn
2 B♭ clarinets
1 bass clarinet
2 bassoons
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《》Brass
4 horns
3 B♭ trumpets
3 trombones
1 tuba
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《》Percussion
timpani
glockenspiel
xylophone
cymbals
triangle
woodblock
whip
bass drum
snare drum
1 piano
1 celesta
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《》Strings
1 harp
violins I, II
violas
celli
double basses
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【Structure and analysis】
The circumstances surrounding the composition of Rodeo led to its having a number of features that set it apart from other Copland compositions. Though many of Copland's works incorporate traditional American folk tunes, Rodeo is unique in that it leaves them quite intact in the score, with very little alteration on the part of the composer. This is likely attributable in part to De Mille's control over the work. Indeed, she had already blocked the entire show before Copland had written a single note and also transcribed several folk tunes, including "Old Paint", for Copland in addition to her blocking notes.
The well-known main theme of "Hoe-Down" is based on a unique version of the American folk song "Bonyparte" or "Bonaparte's Retreat," played by Salyersville, Kentucky fiddler William Hamilton Stepp, which was recorded in 1937 by Alan Lomax for the Library of Congress. A meticulous transcription by Ruth Crawford Seeger of that performance appeared in Lomax's 1941 book, "Our Singing Country".
Many of the themes were autobiographical for De Mille. An extremely skilled dancer, the choreographer nonetheless felt awkward in the offstage world, and the Cowgirl's unwillingness to subscribe to traditional gender roles mirrors De Mille's experience.
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《》Buckaroo Holiday
Rodeo opens with a grand fanfare, vamping until R5-6, where the woodwinds introduce the Cowgirl's theme. This quiet theme continues until the Rodeo theme begins presenting a highly rhythmic motif that evokes the trotting of horses. The lone Cowgirl seeks the affections of the Head Wrangler, who is rather taken with the more feminine Rancher's Daughter. The cowboys enter to the railroad tune of "Sis Joe", envisioned by de Mille as an event "like thunder," which Copland obliges with heavy drums and brass. As the cowgirl seeks the attention of her quarry, she mimics the surrounding cowboys, reflected in the heavy use of the tune "If He'd Be a Buckaroo" in this section. The theme is repeated by various solo instruments before being realized in triple canon by the full orchestra. After a brief return to the quiet Cowgirl theme, the fanfare returns. "Sis Joe" reappears again, before the entire orchestra triumphantly plays "If He'd be a Buckaroo".
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《》Corral Nocturne
The "Corral Nocturne" invokes the lovesick musings of the Cowgirl, portrayed rather lyrically by Copland's heavy use of oboe and bassoon. In writing this scene, de Mille noted that "She run[s] through the empty corrals intoxicated with space, her feet thudding in the stillness." The Head Wrangler discovers her in the darkness, but she does not come toward him as the Rancher's Daughter would. Confused, he exits with the Rancher's Daughter.
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《》Ranch House Party
The subsequent "Ranch House Party" (ballet only) was envisioned by de Mille as "Dance music inside. Night music outside." Indeed, the section (written by Leonard Bernstein on behalf of an overworked Copland) opens with a honky-tonk theme played on a piano, accompanied by a more thoughtful clarinet. The Cowgirl finds herself between the Champion Roper and the Wrangler, who are attracted to the Rancher's Daughter. "Corral Nocturne" is recalled at the end of this section, as the Cowgirl finds herself quite alone.
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《》Saturday Night Waltz
While the "Texas minuet" of the "Saturday Night Waltz" plays de Mille's transcribed version of "I Ride an Old Paint" (also known as "Houlihan") the cowboys and their girls pair off. Expectant of a partner and finding none, the Cowgirl is alone until the Champion Roper approaches her, having failed to best the Wrangler in winning the affections of the Rancher's Daughter. Both this section and the "Corral Nocturne" feature Copland's characteristic economy of sound, where he uses solo instruments in lieu of entire sections.
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《》Hoe-Down
Finally, the "Hoe-Down" opens by vamping the first bar of William Hamilton Stepp's interpretation of the folk tune "Bonaparte's Retreat", which will become a major theme of the section. After a reprisal of the Rodeo theme, the theme proper begins in the strings, as the horns play a simple counterpoint. Instead of building to a climax, this section segues into "Miss McLeod's Reel", performed by various solo instruments. Copland briefly introduces the Irish theme "Gilderoy" in the clarinet and oboe.
Building toward the end, Copland reintroduces "Bonaparte's Retreat" in canon, before returning to the Rodeo theme, which slows into the climactic kiss between the Cowgirl and the Roper. "Bonaparte's Retreat" is then resumed by the full orchestra, which ends the piece with a grand fanfare.
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【Ballet and its place in the repertoire】
In what is considered one of the earliest examples of a truly American ballet, Rodeo combines the exuberance of a Broadway musical with the disciplines of classical ballet. Of particular note, the first scene requires men to pantomime riding and roping while dancing solo and dancing in groups (not very common for male ballet dancers), and while interacting with an awkward Cowgirl, who seeks their acceptance. The cast dresses in stylized western garb, which makes it all the more difficult to execute many of the moves.
Classical ballet storylines typically involve some boy-meets-girl relationship, or at most a love triangle. But Rodeo forces an American Cowgirl to compete against an army of local girls in a quest to win the attention of the Champion Roper. The pairing and mutual attraction of the men and women in the cast appears fluid, and at times confusing to the rejected Cowgirl. Against this backdrop, the Cowgirl emotes strength, awkwardness, confidence, femininity and vulnerability, while executing rapid-fire footwork and pantomime, which mimics the bronco-busting of the men. Any comic dancer who plays the Cowgirl must succeed at being a failure, only to emerge triumphant in the end when she finally dons a dress for dance night.
Regarding this nuanced role, DeMille said: "She acts like a boy, not to be a boy, but to be liked by the boys."
The American Ballet Notes for its 1950 premiere performance (Hessisches Staatstheater Wiesbaden, Germany) state: Rodeo ... is a love story of the American Southwest. The problem it deals with is perennial: how an American girl, with the odds seemingly all against her, sets out to get herself a man. The girl in this case is a cowgirl, a tomboy whose desperate efforts to become one of the ranch's cowhands create a problem for the cowboys and make her the laughingstock of womankind.
As noted above, finding suitable Cowgirls to play this role was a challenge. Lucia Chase recalls that when the Ballet Theater Company had exclusive rights to stage Rodeo, Agnes DeMille urged the employment of "charming and talented comediennes from the Broadway musical stage" for the role. In the ballet world, DeMille's favorites for the role were: Dorothy Etheridge (Ballet Russe de Monte Carlo), Jenny Workman (The Ballet Theater Company), Carole Valleskey (Joffrey Ballet), Bonnie Wyckoff (Boston Ballet) and Christine Sarry (American Ballet Theatre).
In the 1970s, Christine Sarry emerged as DeMille's preferred interpreter of this complex role, DeMille even preferring Sarry's version to her own. Agnes DeMille stated in her will that only Sarry was authorized to approve of dancers who could take up the role of the Cowgirl. Since Agnes DeMille's death, Sarry has coached and approved numerous dancers in the part. In the 21st century, the list includes: Tina LeBlanc (San Francisco Ballet, 2006), Kristin Long (San Francisco Ballet, 2007); Xiomara Reyes (American Ballet Theatre, 2006); Marian Butler (American Ballet Theatre, 2006); and Erica Cornejo (American Ballet Theatre, 2005). Of Ms. Cornejo, critic Jerry Hochman wrote, "Cornejo owns the role now".
Up to 1979, Rodeo was staged mainly by deMille and Vernon Lusby, for many years one of her most trusted assistants on numerous projects. When illness precluded his ability to continue setting Rodeo in 1981, deMille asked Paul Sutherland, a former principal dancer with American Ballet Theatre, Joffrey Ballet, and Harkness Ballet who had danced leading roles in several of her ballets, to begin staging Rodeo. With the passing of Agnes deMille in 1993, ownership and all rights to Rodeo passed to her son, Jonathan Prude. For the next several years, several people staged the ballet. In 1999, Prude set up the deMille Committee to oversee her numerous works and assigned sole responsibility for staging Rodeo to Sutherland, including the selection of dancers, rehearsals and stage production. With the exception of a few companies to whom Agnes deMille had, years before, given the ballet in perpetuity, Sutherland has staged Rodeo over fifty times for dozens of companies and universities throughout the United States and Canada as well as in Antwerp, Belgium, and continues to do so.
For a point of comparison, it has been nearly 120 years since the premiere of The Nutcracker, and more than 70 years since the premiere of Rodeo. This increasing longevity, plus the anchoring of Copland's score in American culture, suggests near-certain permanence for the ballet.
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【In popular culture】
Progressive rock band Emerson, Lake & Palmer recorded a version of "Hoe-Down" (with the title changed slightly to "Hoedown") for their 1972 album Trilogy. In a review of Trilogy, François Couture of AllMusic called ELP's version of "Hoedown" a "crowd-pleaser".
Another version of the "Hoe-Down" section was also later recorded by Jazz Fusion group Béla Fleck and the Flecktones for their album Outbound in 2000.
At Bob Dylan's performances during his "Never-Ending Tour", he is introduced by his stage manager reading a short biography with "Hoe-Down" playing in the background.
Television appearances of "Hoe-Down" include its use as the background theme for the "Beef. It's What's for Dinner" advertising campaign in the 1990s, and The Simpsons episode "The Seemingly Never-Ending Story".
"Hoe-Down" served as the basis for the soundtrack cue "In Training" from the film An American Tail: Fievel Goes West, composed by James Horner. A further adaptation appears in the film Titanic during the below-decks Irish dancing scene, again composed by Horner.
"Hoe-Down" accompanied one of the choreographed opening ceremony performances of the 2002 Winter Olympics in Salt Lake City, Utah.
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〜［Excerpt from above Wikipedia］
〜［上記Wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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『ロデオ』はアーロン・コープランド作曲、アグネス・デ・ミル振付のバレエで、1942年に初演された。 サブタイトルは "The Courting at Burnt Ranch "で、5つのセクションから構成されている： 「バッキャローの休日」、「牧場の夜想曲」、「牧場のパーティー」、「サタデーナイト・ワルツ」、「ホー・ダウン」。 交響曲版では「牧場パーティー」が省略され、他のセクションは比較的そのまま残されている。
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【創世記】
オリジナルのバレエは、第二次世界大戦中にアメリカに渡ったモンテカルロ・ロシア・バレエ団のためにアニエス・ド・ミルが振り付けたもの。 ライバルであるバレエ・シアターに対抗するため、バレエ・ルッセは比較的無名のキャリアからデ・ミルに依頼した。 この振付家にはかなりの創作権が与えられ、作曲家としてアーロン・コープランドを選んだのは、彼の以前のバレエ作品『ビリー・ザ・キッド』に感銘を受けたからだった。 コープランドは当初、"またカウボーイ・バレエか "と難色を示したが、デ・ミルはこのショーが彼の前作とは大きく異なるものになると説得した。 デ・ミルは、国際色豊かなキャストにアメリカのカウボーイの作法を指導することで精一杯だったため、コープランドはオリヴァー・スミスに舞台装置のデザインを薦めた。
デ・ミル自身が主役を演じ、1942年10月16日のメトロポリタン歌劇場での初演には22回のカーテンコールがあった。 他の主要ダンサーはフレデリック・フランクリンとカジミール・コキッチだった。 デ・ミル自身はこの初演に満足していなかったが、ロジャース＆ハマースタイン夫妻はこの初演に出席し、その後デ・ミルに『オクラホマ！』の振付を依頼した。
このバレエでは、1938年にペギー・ヴァン・プレーとヒュー・レインがロンドンで行ったリサイタルのために、デ・ミルがペギー・ヴァン・プレーの協力を得て考案した乗馬の動きが使われている。 デ・ミルはまた、スクエアダンスやタップ・ダンサーのためのカデンツァなど、土俗的な形式も用いた。
多くの批評の中で注目されたのは、デ・ミルの非常に喚起的な振付で、「映画の感性」と評され、そのリアリズムで有名であった。 オリジナル・プロダクションはツアーを成功に導いたが、プロデューサーたちはデ・ミルが演じた主役の技巧を再現することは難しかった。 デ・ミルはこのバレエのキャスティングに対して拒否権を持ち続け、そのためカンパニー側はしばしば、ふさわしいカウガールを見つけるために極端なキャスティングに走った。 一方、コープランドは『ロデオ』から4つのダンス・エピソードというタイトルの管弦楽のための交響組曲に編曲した。 中間部が削除されたことで、この曲は、野心的な冒頭楽章、緩徐楽章、メヌエット、フィナーレを持つ交響曲の形式に似ている。 この形式でロデオはさらに大きな成功を収め、1943年にはボストン・ポップスで初演された。
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【楽器編成】
ロデオは以下の楽器のために書かれている。
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《》木管
フルート2本（1本はピッコロ兼用）
ピッコロ 1 本
オーボエ 2
イングリッシュホルン 1本
2 B♭クラリネット
1 バスクラリネット
2 ファゴット
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《》金管楽器
ホルン4本
B♭トランペット3本
トロンボーン3本
チューバ1本
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《》パーカッション
ティンパニ
グロッケンシュピール
木琴
シンバル
トライアングル
ウッドブロック
ホイップ
バスドラム
スネアドラム
ピアノ 1台
チェレスタ1台
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《》弦楽器
ハープ1台
ヴァイオリン I、II
ヴィオラ
チェリ
コントラバス
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【構成と分析】
『ロデオ』の作曲にまつわる経緯から、この作品には他のコープランド作品とは一線を画すいくつかの特徴がある。 コープランドの作品にはアメリカの伝統的な民謡を取り入れたものが多いが、『ロデオ』は、作曲者がほとんど手を加えず、楽譜にそのまま残している点がユニークである。 これは、デ・ミルがこの作品をコントロールしていたことにも起因していると思われる。 実際、彼女はコープランドが1音も書く前に、すでにショー全体をブロック化しており[1]、ブロック化したメモに加えて、「Old Paint」を含むいくつかの民謡をコープランドのために書き起こしている。
よく知られた「ホー・ダウン」のメイン・テーマは、ケンタッキー州サイヤーズヴィルのバイオリン奏者ウィリアム・ハミルトン・ステップが演奏したアメリカ民謡「ボニーパート」または「ボナパルトの隠れ家」のユニークなヴァージョンに基づいており、これは1937年にアラン・ローマックスが議会図書館のために録音したものである。
テーマの多くは、デ・ミルの自伝的なものだった。 非常に熟練したダンサーであった振付師は、それにもかかわらず、舞台の外の世界ではぎこちなさを感じていた。
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《》バカルーの休日
ロデオは壮大なファンファーレで始まり、木管楽器がカウガールのテーマを紹介するR5-6まで盛り上がる。 この静かな主題は、ロデオの主題が馬の小走りを思わせる非常にリズミカルなモチーフを提示し始めるまで続く。 孤独なカウガールは牧場主の娘の愛情を求めているが、牧場主はむしろ女性的な娘に心を奪われている。 ド・ミルが「雷のような」出来事として思い描いた「シス・ジョー」という鉄道の曲に合わせてカウボーイたちが入場し、コープランドは重厚なドラムと金管楽器でそれに応える。 カウガールが獲物の注意を引こうとするとき、彼女は周囲のカウボーイたちの真似をするが、それはこの部分で「If He'd Be a Buckaroo」という曲が多用されていることにも表れている。 この主題は様々な独奏楽器によって繰り返された後、フルオーケストラによってトリプルカノンで実現される。 静かなカウガールのテーマに少し戻った後、ファンファーレが戻ってくる。 「Sis Joe」が再び登場し、オーケストラ全体が「If He'd Be a Buckaroo」を誇らしげに演奏する。
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《》コラル・ノクターン
オーボエとファゴットを多用し、むしろ叙情的に描かれている。 このシーンを書くにあたり、デ・ミルは「彼女は誰もいない牛舎を駆け抜け、静寂の中を足音を立てながら空間に酔いしれる」と述べている。 頭目のラングラーは暗闇の中で彼女を発見するが、彼女は牧場主の娘のように彼の方へは向かってこない。 混乱した彼は牧場主の娘と一緒に出て行く。
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《》ランチ・ハウス・パーティー
続く『ランチ・ハウス・パーティー』（バレエのみ）は、デ・ミルの構想によれば、「ダンスの音楽は内側に。 外は夜の音楽"。 実際、このセクション（過労のコープランドに代わってレナード・バーンスタインが作曲）は、ピアノで演奏されるホンキートンクのテーマと、より思慮深いクラリネットの伴奏で幕を開ける。 カウガールは、牧場主の娘に惹かれるチャンピオン・ローパーとラングラーの間に身を置くことになる。 「コラル・ノクターン」はこのセクションの最後に回想される。
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《》サタデーナイト・ワルツ
《サタデーナイト・ワルツ》の "テキサス・メヌエット "がデ・ミルの《古いペンキに乗って》（《フーリハン》とも呼ばれる）のトランスクリプション・ヴァージョンを演奏する間、カウボーイとその娘たちはペアを組む。 パートナーを期待していたカウガールは、牧場主の娘の愛情を勝ち取るためにラングラーに勝てなかったチャンピオン・ローパーが彼女に近づくまで孤独だった。 この部分と「牧場の夜想曲」は、コープランドの特徴である音の節約を特徴としており、セクション全体の代わりにソロ楽器を使用している。
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《》ホー・ダウン
最後に、《ホー・ダウン》はウィリアム・ハミルトン・ステップによる民謡「ボナパルトの退去」の解釈の最初の小節をヴァンプして始まる。 ロデオのテーマが再現された後、ホルンがシンプルな対位法を奏する中、弦楽器でテーマが始まる。 このセクションはクライマックスに向かうのではなく、様々な独奏楽器によって演奏される「ミス・マクラウドのリール」に移行する。 コープランドはクラリネットとオーボエでアイルランドの主題「ギルデロイ」を短く紹介する。
終盤、コープランドはカノンで「ボナパルトの隠れ家」を再登場させ、ロデオのテーマに戻り、クライマックスのカウガールとローパーのキスへとなだれ込む。 「ボナパルトの退却」はフルオーケストラによって再開され、壮大なファンファーレで曲を締めくくる。
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【バレエとその位置づけ】
真のアメリカン・バレエの最も初期の例のひとつとされる『ロデオ』は、ブロードウェイ・ミュージカルの高揚感とクラシック・バレエの規律が融合した作品である。 特に注目すべきは、最初のシーンで、男性が乗馬やロープワークのパントマイムを踊りながら（男性バレエダンサーにはあまりない）ソロや群舞を踊り、彼らに受け入れてもらおうとする不器用なカウガールと交流することだ。 キャストは様式化された西部の衣装を身にまとっているため、多くの動きをこなすのがより難しくなっている。
古典的なバレエのストーリーは、ボーイ・ミーツ・ガールの関係か、せいぜい三角関係くらいだ。 しかし『ロデオ』では、アメリカ人のカウガールが、チャンピオンのローパーに気に入られようと、地元の女の子たちと競い合うことになる。 出演者の男女の組み合わせや相互の魅力は流動的に見え、拒絶されたカウガールにとっては時に混乱する。 このような背景の中、カウガールは強さ、ぎこちなさ、自信、女性らしさ、弱さを表現し、男たちのブロンコバストを真似た素早いフットワークとパントマイムを披露する。 カウガールを演じるコミカルなダンサーは、失敗することで成功し、最後にダンスナイトのためにドレスを着ることで勝利を手にしなければならない。
この微妙な役柄について、デミルはこう語っている： 「彼女は男の子のように振舞う。男の子になるためではなく、男の子に好かれるために。」
1950年の初演時のアメリカン・バレエ・ノート（Hessisches Staatstheater Wiesbaden、ドイツ）にはこう記されている： 『ロデオ』はアメリカ南西部のラブストーリーである。 この作品が扱っている問題は永遠のもので、アメリカの少女が、一見不利な状況の中で、いかにして男を手に入れるか、というものである。 この場合の少女はカウガールで、牧場の牛飼いのひとりになろうと必死に努力するおてんば娘がカウボーイたちに迷惑をかけ、女たちの笑いものになる。
前述したように、この役を演じるのにふさわしいカウガールを見つけるのは至難の業だった。 ルシア・チェイスは、バレエ・シアター・カンパニーがロデオの独占上演権を持っていたとき、アグネス・デミルがこの役に「ブロードウェイ・ミュージカルの舞台で活躍する魅力的で才能あるコメディエンヌ」の起用を促したと回想している。 バレエ界では、デミルのお気に入りは次のような役だった： ドロシー・エセリッジ（モンテカルロ・バレエ団）、ジェニー・ワークマン（バレエ・シアター・カンパニー）、キャロル・ヴァレスキー（ジョフリー・バレエ団）、ボニー・ワイコフ（ボストン・バレエ団）、クリスティン・サリー（アメリカン・バレエ・シアター）。
1970年代には、クリスティン・サリーがこの複雑な役をデミルが好んで演じるようになった。 アグネス・デミルは遺言の中で、カウガール役を引き受けるダンサーを承認できるのはサリーだけだと述べている。 アグネス・デミルの死後、サリーは数多くのダンサーを指導し、この役を承認してきた。 21世紀には、以下のようなリストがある： ティナ・ルブラン（サンフランシスコ・バレエ団、2006年）、クリスティン・ロング（サンフランシスコ・バレエ団、2007年）、シオマラ・レイエス（アメリカン・バレエ・シアター、2006年）、マリアン・バトラー（アメリカン・バレエ・シアター、2006年）、エリカ・コルネホ（アメリカン・バレエ・シアター、2005年）。 コルネホについて、批評家のジェリー・ホックマンは「コルネホは今やこの役を自分のものにしている」と書いている。
1979年まで、『ロデオ』は主にデミルとバーノン・ラスビーによって上演されていた。バーノン・ラスビーは長年にわたり、デミルが最も信頼するアシスタントのひとりとして、数々のプロジェクトに携わってきた。 1981年、デミルが病気で『ロデオ』の上演を続けられなくなると、デミルはアメリカン・バレエ・シアター、ジョフリーバレエ団、ハークネス・バレエ団の元プリンシパル・ダンサーで、彼女のバレエ作品の主役を踊っていたポール・サザーランドに『ロデオ』の上演を依頼した。 1993年にアグネス・デミルが他界し、ロデオの所有権とすべての権利は息子のジョナサン・プルーデに移った。 その後数年間、何人かがこのバレエを上演した。 1999年、プルードは彼女の数々の作品を監督するデミル委員会を設立し、ダンサーの選定、リハーサル、舞台制作を含む『ロデオ』上演の全責任をサザーランドに委ねた。 サザーランドは、数年前にアニエス・デミルがこのバレエを永続的に上演していたいくつかのカンパニーを除き、アメリカ、カナダ、そしてベルギーのアントワープで、何十ものカンパニーや大学のために『ロデオ』を50回以上上演し、現在も上演を続けている。
比較の対象として、『くるみ割り人形』の初演から約120年、『ロデオ』の初演から70年以上が経過している。 このように長寿化が進んでいることに加え、コープランドの楽譜がアメリカ文化に定着していることは、このバレエがほぼ確実に永続することを示唆している。
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【大衆文化の中で】
プログレッシブ・ロック・バンドのエマーソン、レイク＆パーマーは、1972年のアルバム『トリロジー』に「ホー・ダウン」（タイトルは「ホー・ダウン」に若干変更）のヴァージョンを収録した。 オールミュージックのフランソワ・クチュールは『トリロジー』のレビューで、ELPの "Hoedown "のヴァージョンを "crowd-pleaser "と呼んだ。
「Hoe-Down」セクションの別ヴァージョンは、後にジャズ・フュージョン・グループ、ベーラ・フレック＆ザ・フレックトーンズが2000年にアルバム『Outbound』で録音している。
ボブ・ディランの "ネヴァー・エンディング・ツアー "では、ステージ・マネージャーが "Hoe-Down "をバックに短い伝記を読み上げながら紹介する。
テレビでの「Hoe-Down」の使用例としては、「Beef. It's What's for Dinner」広告キャンペーン（1990年代）、ザ・シンプソンズのエピソード「The Seemingly Never-Ending Story」など。
「Hoe-Down」は、ジェームズ・ホーナー作曲の映画『An American Tail: Fievel Goes West』のサウンドトラック「In Training」のベースとなった。 さらに、映画『タイタニック』の甲板下でのアイリッシュ・ダンスのシーンでも使われており、こちらもホーナー作曲。
「Hoe-Down」は、2002年ユタ州ソルトレイクシティで開催された冬季オリンピックの開会式で、振り付けされたパフォーマンスのひとつに添えられた。
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2. 作曲者：アーロン・コープランドについて
2.1 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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アーロン・コープランド
Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Aaron_Copland
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Aaron Copland (/ˈkoʊplənd/, KOHP-lənd; November 14, 1900 – December 2, 1990) was an American composer, critic, writer, teacher, pianist and later a conductor of his own and other American music. Copland was referred to by his peers and critics as the "Dean of American Composers". The open, slowly changing harmonies in much of his music are typical of what many people consider to be the sound of American music, evoking the vast American landscape and pioneer spirit. He is best known for the works he wrote in the 1930s and 1940s in a deliberately accessible style often referred to as "populist" and which the composer labeled his "vernacular" style. Works in this vein include the ballets Appalachian Spring, Billy the Kid and Rodeo, his Fanfare for the Common Man and Third Symphony. In addition to his ballets and orchestral works, he produced music in many other genres, including chamber music, vocal works, opera and film scores.
After some initial studies with composer Rubin Goldmark, Copland traveled to Paris, where he first studied with Isidor Philipp and Paul Vidal, then with noted pedagogue Nadia Boulanger. He studied three years with Boulanger, whose eclectic approach to music inspired his own broad taste. Determined upon his return to the U.S. to make his way as a full-time composer, Copland gave lecture-recitals, wrote works on commission and did some teaching and writing. However, he found that composing orchestral music in the modernist style, which he had adopted while studying abroad, was a financially contradictory approach, particularly in light of the Great Depression. He shifted in the mid-1930s to a more accessible musical style which mirrored the German idea of Gebrauchsmusik ("music for use"), music that could serve utilitarian and artistic purposes. During the Depression years, he traveled extensively to Europe, Africa, and Mexico, formed an important friendship with Mexican composer Carlos Chávez and began composing his signature works.
During the late 1940s, Copland became aware that Stravinsky and other fellow composers had begun to study Arnold Schoenberg's use of twelve-tone (serial) techniques. After he had been exposed to the works of French composer Pierre Boulez, he incorporated serial techniques into his Piano Quartet (1950), Piano Fantasy (1957), Connotations for orchestra (1961) and Inscape for orchestra (1967). Unlike Schoenberg, Copland used his tone rows in much the same fashion as his tonal material—as sources for melodies and harmonies, rather than as complete statements in their own right, except for crucial events from a structural point of view. From the 1960s onward, Copland's activities turned more from composing to conducting. He became a frequent guest conductor of orchestras in the U.S. and the UK and made a series of recordings of his music, primarily for Columbia Records.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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アーロン・コープランド（/ˈkoLl_nd/, KOHP-lənd、1900年11月14日 - 1990年12月2日）は、アメリカの作曲家、批評家、作家、教師、ピアニストであり、後に自作や他のアメリカ音楽の指揮者でもあった。 同業者や批評家からは「アメリカ人作曲家のディーン」と呼ばれた。 彼の音楽の多くに見られる開放的でゆっくりと変化するハーモニーは、多くの人がアメリカ音楽のサウンドと考える典型的なものであり、広大なアメリカの風景や開拓者精神を想起させる。 1930年代から1940年代にかけて、しばしば「ポピュリスト」と呼ばれ、作曲家自身が「ヴァナキュラー」スタイルと名付けた、意図的に親しみやすいスタイルで書かれた作品で最もよく知られている。 バレエ『アパラチアの春』、『ビリー・ザ・キッド』、『ロデオ』、『庶民のためのファンファーレ』、『交響曲第3番』など。 バレエや管弦楽作品に加え、室内楽、声楽、オペラ、映画音楽など多くのジャンルの音楽を手がけた。
作曲家ルービン・ゴールドマークに師事した後、コープランドはパリに渡り、まずイシドール・フィリップとポール・ヴィダルに師事し、その後著名な教育学者ナディア・ブーランジェに師事した。 彼はブーランジェに3年間師事し、彼の音楽に対する多彩なアプローチに触発されて、彼自身の幅広い趣味を持つようになった。 アメリカに帰国後、フルタイムの作曲家としてやっていくことを決意したコープランドは、レクチャー・リサイタルを開いたり、委嘱作品を書いたり、教育や執筆活動も行った。 しかし、留学中に取り入れたモダニズム様式による管弦楽曲の作曲は、特に世界恐慌の影響から、経済的に矛盾したアプローチであることに気づく。 1930年代半ばには、より親しみやすい音楽スタイルへと移行し、それはドイツにおけるGebrauchsmusik（「利用するための音楽」）の考え方を反映したものであった。 大恐慌時代にはヨーロッパ、アフリカ、メキシコを広く旅し、メキシコの作曲家カルロス・チャベスと重要な友情を結び、代表作の作曲を始めた。
1940年代後半、コープランドは、ストラヴィンスキーや他の仲間の作曲家たちが、アーノルド・シェーンベルクの12音（連音）技法を研究し始めていることを知った。 フランスの作曲家ピエール・ブーレーズの作品に触れた後、彼はピアノ四重奏曲（1950年）、ピアノ幻想曲（1957年）、管弦楽のための「Connotations」（1961年）、管弦楽のための「Inscape」（1967年）に連作技法を取り入れた。 シェーンベルクとは異なり、コープランドはトーン・ローを調性素材とほぼ同じ方法で使用した。構造的な観点から重要な出来事を除き、それ自体を完全な声明としてではなく、メロディーやハーモニーのソースとして使用した。 1960年代以降、コープランドの活動は作曲から指揮へと移っていく。 彼は、アメリカやイギリスのオーケストラに頻繁に客演するようになり、主にコロンビア・レコードのために、彼の音楽の一連の録音を行った。
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2. 作曲者：コープランド について
2.2 コープランドの作曲作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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アーロン・コープランドの作曲リスト
List of compositions by Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Aaron_Copland
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