特集：モーツァルト
ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト Wolfgang Amadeus Mozart
Wikipedia 日本版> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト
Wikipedia EN (ドイツ版)> https://de.m.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart
Wikipedia EN(英語版)> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart
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Wolfgang Amadeus Mozart (27 January 1756 – 5 December 1791) was a prolific and influential composer of the Classical period. Despite his short life, his rapid pace of composition resulted in more than 800 works of virtually every genre of his time. Many of these compositions are acknowledged as pinnacles of the symphonic, concertante, chamber, operatic, and choral repertoire. Mozart is widely regarded as among the greatest composers in the history of Western music, with his music admired for its "melodic beauty, its formal elegance and its richness of harmony and texture".
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【Works, musical style, and innovations】
Mozart's music, like Haydn's, stands as an archetype of the Classical style. At the time he began composing, European music was dominated by the style galant, a reaction against the highly evolved intricacy of the Baroque. Progressively, and in large part at the hands of Mozart himself, the contrapuntal complexities of the late Baroque emerged once more, moderated and disciplined by new forms, and adapted to a new aesthetic and social milieu. Mozart was a versatile composer, and wrote in every major genre, including symphony, opera, the solo concerto, chamber music including string quartet and string quintet, and the piano sonata. These forms were not new, but Mozart advanced their technical sophistication and emotional reach. He almost single-handedly developed and popularized the Classical piano concerto. He wrote a great deal of religious music, including large-scale masses, as well as dances, divertimenti, serenades, and other forms of light entertainment.
The central traits of the Classical style are all present in Mozart's music. Clarity, balance, and transparency are the hallmarks of his work, but simplistic notions of its delicacy mask the exceptional power of his finest masterpieces, such as the Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491; the Symphony No. 40 in G minor, K. 550; and the opera Don Giovanni. Charles Rosen makes the point forcefully:
“It is only through recognizing the violence and sensuality at the center of Mozart's work that we can make a start towards a comprehension of his structures and an insight into his magnificence. In a paradoxical way, Schumann's superficial characterization of the G minor Symphony can help us to see Mozart's daemon more steadily. In all of Mozart's supreme expressions of suffering and terror, there is something shockingly voluptuous. ”
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During his last decade, Mozart frequently exploited chromatic harmony. A notable instance is his String Quartet in C major, K. 465 (1785), whose introduction abounds in chromatic suspensions, giving rise to the work's nickname, the "Dissonance" quartet.
Mozart had a gift for absorbing and adapting the valuable features of others' music. His travels helped in the forging of a unique compositional language. In London as a child, he met J. C. Bach and heard his music. In Paris, Mannheim, and Vienna he met with other compositional influences, as well as the avant-garde capabilities of the Mannheim orchestra. In Italy, he encountered the Italian overture and opera buffa, both of which deeply affected the evolution of his practice. In London and Italy, the galant style was in the ascendent: simple, light music with a mania for cadencing; an emphasis on tonic, dominant, and subdominant to the exclusion of other harmonies; symmetrical phrases; and clearly articulated partitions in the overall form of movements. Some of Mozart's early symphonies are Italian overtures, with three movements running into each other; many are homotonal (all three movements having the same key signature, with the slow middle movement being in the relative minor). Others mimic the works of J. C. Bach, and others show the simple rounded binary forms turned out by Viennese composers.
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As Mozart matured, he progressively incorporated more features adapted from the Baroque. For example, the Symphony No. 29 in A major K. 201 has a contrapuntal main theme in its first movement, and experimentation with irregular phrase lengths. Some of his quartets from 1773 have fugal finales, probably influenced by Haydn, who had included three such finales in his recently published Opus 20 set. The influence of the Sturm und Drang ("Storm and Stress") period in music, with its brief foreshadowing of the Romantic era, is evident in the music of both composers at that time. Mozart's Symphony No. 25 in G minor K. 183 is another excellent example.
Mozart would sometimes switch his focus between operas and instrumental music. He produced operas in each of the prevailing styles: opera buffa, such as The Marriage of Figaro, Don Giovanni, and Così fan tutte; opera seria, such as Idomeneo; and Singspiel, of which Die Zauberflöte is the most famous example by any composer. In his later operas, he employed subtle changes in instrumentation, orchestral texture, and tone colour, for emotional depth and to mark dramatic shifts. Here his advances in opera and instrumental composing interacted: his increasingly sophisticated use of the orchestra in the symphonies and concertos influenced his operatic orchestration, and his developing subtlety in using the orchestra to psychological effect in his operas was in turn reflected in his later non-operatic compositions.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト（1756年1月27日～1791年12月5日）は、古典派時代の多作で影響力のある作曲家である。短命であったが、作曲のペースは速く、同時代のほぼすべてのジャンルの作品を800曲以上残した。これらの作品の多くは、交響曲、協奏曲、室内楽、オペラ、合唱のレパートリーの最高峰として認められている。モーツァルトは西洋音楽史上最も偉大な作曲家の一人として広く認められており、その音楽は「旋律の美しさ、形式的な優雅さ、和声とテクスチュアの豊かさ」で賞賛されている。
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【作品・音楽様式・革新性】
モーツァルトの音楽は、ハイドンの音楽と同様、古典派様式の典型である。彼が作曲を始めた頃のヨーロッパ音楽は、バロックの高度に進化した複雑さへの反動から、ガラント様式が主流だった。その後、モーツァルト自身の手によって、後期バロックの複雑な対位法が、新しい形式によって緩和され、規律づけられ、新しい美的・社会的環境に適応しながら、再び出現したのである。モーツァルトは多才な作曲家で、交響曲、オペラ、独奏協奏曲、弦楽四重奏曲や弦楽五重奏曲などの室内楽、ピアノ・ソナタなど、あらゆる主要なジャンルを作曲した。これらの形式は決して新しいものではなかったが、モーツァルトはその技術的な洗練と感情的な広がりを発展させた。彼はほとんど独力で古典派のピアノ協奏曲を発展させ、普及させた。大規模なミサ曲を含む多くの宗教音楽、舞曲、ディヴェルティメンティ、セレナーデなどの軽快な娯楽音楽も作曲した。
モーツァルトの音楽には、古典派様式の中心的な特徴がすべて存在している。明瞭さ、バランス、透明性は彼の作品の特徴であるが、その繊細さを単純に考えることは、ピアノ協奏曲第24番ハ短調K.491、交響曲第40番ト短調K.550、オペラ「ドン・ジョヴァンニ」のような彼の最高傑作の並外れた力を覆い隠してしまう。チャールズ・ローゼンは力説する：
『モーツァルトの作品の中心にある暴力性と官能性を認識することによってのみ、私たちは彼の構造を理解し、その素晴らしさを洞察するためのスタートを切ることができる」。逆説的な言い方をすれば、シューマンによるト短調交響曲の表面的な特徴付けは、モーツァルトのデーモンをより着実に見る助けとなる。モーツァルトの苦しみと恐怖の至高の表現には、衝撃的なまでに官能的なものがある。』
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晩年の10年間、モーツァルトは半音階的和声を頻繁に用いた。その顕著な例が弦楽四重奏曲ハ長調K.465（1785）で、その序奏には半音階的な中断が多用されていることから、この作品は「不協和音」四重奏曲というニックネームで呼ばれるようになった。
モーツァルトには、他人の音楽の貴重な特徴を吸収し、適応させる才能があった。彼の旅は、独自の作曲言語の形成に役立った。幼い頃、ロンドンでJ.C.バッハに出会い、彼の音楽を聴いた。パリ、マンハイム、ウィーンでは、他の作曲家の影響や、マンハイム・オーケストラの前衛的な能力に出会った。イタリアでは、イタリア風序曲とオペラ・ブッファに出会い、その両方が彼の練習の進化に深い影響を与えた。ロンドンとイタリアでは、シンプルで軽快な音楽にカデンシングのマニアックさ、トニック、ドミナント、サブドミナントを強調し、他のハーモニーを排除する、シンメトリーなフレーズ、楽章の全体的な形式における明確な分割など、ガラント・スタイルが台頭していた。モーツァルトの初期の交響曲のいくつかは、3つの楽章が互いに連続するイタリアの序曲であり、多くは同主調（3つの楽章すべてが同じ調号を持ち、緩徐楽章は相対短調）である。また、J.C.バッハの作品を模倣したものや、ウィーンの作曲家が生み出したシンプルな丸みを帯びた二進法の形式を示すものもある。
モーツァルトは成熟するにつれて、バロックから取り入れた特徴を徐々に取り入れていった。例えば、交響曲第29番イ長調K.201では、第1楽章にコントラプンタルの主旋律があり、不規則なフレーズの長さも試みられている。1773年からの四重奏曲にはフーガ的な終楽章があるが、これはハイドンの影響であろう。ロマン派の時代を短期間予感させる音楽のシュトルム・ウント・ドラング（「嵐とストレス」）の時代の影響は、この時期の両作曲家の音楽に顕著である。モーツァルトの交響曲第25番ト短調K.183もその好例である。
モーツァルトは、オペラと器楽曲の間を行き来することもあった。フィガロの結婚』、『ドン・ジョヴァンニ』、『コジ・ファン・トゥッテ』のようなオペラ・ブッファ、『イドメネオ』のようなオペラ・セリア、『歌劇』のような歌劇。後期のオペラでは、感情的な深みと劇的な変化を示すために、楽器編成、管弦楽のテクスチュア、音色の微妙な変化を用いた。交響曲や協奏曲における彼のオーケストラの洗練された使い方は、オペラのオーケストレーションに影響を与え、オペラの心理的効果を高めるためのオーケストラの繊細な使い方は、その後のオペラ以外の作品にも反映されている。
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