ラジオ生活：名演奏ライブラリー モーツァルト「交響曲 第41番 ハ長調 K.551 “ジュピター”」

聞き逃しサービス 2024/11/17 放送
名演奏ライブラリー
カナダの古楽アンサンブル ターフェルムジーク
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「交響曲 第41番 ハ長調 K.551 “ジュピター”」
( Symphony No. 41 in C major, K. 551 , “Jupiter”)
[ 41. Sinfonie C-Dur KV 551 „Jupiter-Sinfonie“ ]
作曲： モーツァルト ( Wolfgang Amadeus Mozart )
ターフェルムジーク管弦楽団(管弦楽)
ブルーノ・ワイル(指揮)
[ 2006年録音版 ]
（35分35秒)
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開始より１時間16分35秒頃 (終了より38分25秒前頃)
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配信終了2024/11/24 10:55

プレーヤー | らじる★らじる NHKラジオ

番組情報

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Wolfgang_Amadeus_Mozart 41_Sinfonie_KV551 - Bing

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☆★☆ モーツァルト「交響曲第41番 ハ長調 K. 551」について【目次】☆★☆
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1. モーツァルト「交響曲第41番 ハ長調 K. 551」について
　1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
　1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
　1.3 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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2. 作曲者： モーツァルト について
　2.1 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
　2.2 モーツァルトの作品一覧へのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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<<< 以下、参照しているWikipediaなどへのリンクはそれぞれの先頭あたりで紹介してます。>>>
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1. モーツァルト「交響曲第41番 ハ長調 K. 551」について
　1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
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交響曲第41番 (モーツァルト)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/交響曲第41番_(モーツァルト)

交響曲第41番 (モーツァルト) - Wikipedia

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　交響曲第41番 ハ長調 K. 551 は、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが1788年に作曲した交響曲であり、最後の交響曲である。一般に『ジュピター』（Jupiter）の愛称で親しまれている。
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【概要】
　モーツァルト32歳の夏、1788年8月10日にウィーンで完成され、同年に作曲された『第39番 変ホ長調』（K. 543、6月26日完成）、『第40番 ト短調』（K. 550、7月25日完成）とともに「3大交響曲」と呼ばれる。他の2曲同様、作曲の目的や初演の日時は不明である。

　モーツァルトを崇敬していたリヒャルト・シュトラウスは、1878年1月26日にルートヴィヒ・トゥイレに宛てた手紙において[1]本作を「私が聴いた音楽の中で最も偉大なものである。終曲のフーガを聞いたとき、私は天国にいるかの思いがした」と称賛しており、1926年には自身の指揮で録音も行なっている。

　自筆稿は現在ベルリン国立図書館にある。
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【愛称の由来】
　『ジュピター』（ドイツ語では『ユーピター』）という愛称はモーツァルト自身によるものではなく、本作のスケールの大きさ、輝かしく荘厳な曲想からローマ神話の最高神ユーピテル（ギリシア神話でいうゼウス）にちなんで付けられたものであり、標題的な意味合いはない。これは同時代のヨハン・ペーター・ザーロモン（1745年 - 1815年）が名付けたとヴィンセント・ノヴェロ（英語版）（1781年 - 1861年）の『モーツァルト巡礼』（1855年）に紹介されており、またイギリスのタイムズ紙（1817年5月8日）には、翌5月9日にハノーヴァー・スクエア・ルームズで開催される演奏会の広告に "Grand Sinfonie (Jupiter), Mozart" と記載されていることから、19世紀半ばにはすでに広く知れ渡っていたと考えられる。また一説には、ヨハン・バプティスト・クラーマー（1771年 - 1858年）が自ら設立した出版社「J・B・クラーマー& Co.」で楽譜を出版する際に付けたともいわれており、伝えられるところによると、第1楽章冒頭の和音がクラーマーにユーピテルが落とす雷を連想させたからといわれる。

　『ジュピター』という愛称が定着するまでは、ドイツ語で「最終フーガを伴った交響曲」といった意味の "Sinfonie mit der Schlussfuge" という愛称でも呼ばれていたが、こちらは現在では完全に廃れてしまっている（1937年に出版されたケッヘル目録の第3版では、副題として表記されている）。

　また、日本ではごく稀に『木星』と訳している媒体もあるが、前述の通りあくまでもローマ神話の神にちなんで付けられたものであるため、明らかな誤訳である（これは『マーキュリー』（水星）の愛称で呼ばれるフランツ・ヨーゼフ・ハイドンの『交響曲第43番』も同様である）。
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〜［上記Wikipediaより抜粋。］

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1. モーツァルト「交響曲第41番 ハ長調 K. 551」について
　1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Symphony No. 41 (Mozart)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._41_(Mozart)

Symphony No. 41 (Mozart) - Wikipedia

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　Wolfgang Amadeus Mozart completed his Symphony No. 41 in C major, K. 551, on 10 August 1788. The longest and last symphony that he composed, it is regarded by many critics as among the greatest symphonies in classical music. The work is nicknamed the Jupiter Symphony, probably coined by the impresario Johann Peter Salomon.

　The autograph manuscript of the symphony is preserved in the Berlin State Library.
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【Instrumentation】
　The symphony is scored for flute, 2 oboes, 2 bassoons, 2 horns in C and F, 2 trumpets in C, timpani in C and G, and strings.
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【Composition and premiere】
　Symphony No. 41 is the last of a set of three that Mozart composed in rapid succession during the summer of 1788. No. 39 was completed on 26 June and No. 40 on 25 July. Nikolaus Harnoncourt argues that Mozart composed the three symphonies as a unified work, pointing, among other things, to the fact that the Symphony No. 41, as the final work, has no introduction (unlike No. 39) but has a grand finale.

　Around the same time as he composed the three symphonies, Mozart was writing his piano trios in E major (K. 542) and C major (K. 548), his piano sonata No. 16 in C (K. 545)—the so-called Sonata facile, and a violin sonatina (K. 547).

　It is not known of a certainty whether Symphony No. 41 was ever performed in the composer's lifetime. According to Otto Erich Deutsch, Mozart was preparing to hold a series of "Concerts in the Casino" around this time in a new casino in the Spiegelgasse owned by Philipp Otto. Mozart even sent a pair of tickets for this series to his friend Michael Puchberg. Historians have not determined whether the concert series was held or was cancelled for lack of interest. However, the new symphony in C was performed at the Gewandhaus in Leipzig in 1789—at least according to its concert program.
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【Movements】
　The four movements are arranged in the traditional symphonic form of the Classical era:
　I. Allegro vivace, 4/4
　II. Andante cantabile, 3/4 in F major
　III. Menuetto: Allegretto – Trio, 3/4
　IV. Molto allegro, 2/2

　The symphony typically has a duration of about 33 minutes.
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《》I. Allegro vivace
　The sonata form first movement's main theme begins with contrasting motifs: a threefold tutti outburst on the fundamental tone (respectively, by an ascending motion leading in a triplet from the dominant tone underneath to the fundamental one), followed by a more lyrical response.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　This exchange is heard twice and then followed by an extended series of fanfares. What follows is a transitional passage where the two contrasting motifs are expanded and developed. From there, the second theme group begins with a lyrical section in G major which ends suspended on a seventh chord and is followed by a stormy section in C minor. Following a full stop, the expositional coda begins which quotes Mozart's insertion aria "Un bacio di mano", K. 541 and then ends the exposition on a series of fanfares.

　The development begins with a modulation from G major to E♭ major where the insertion-aria theme is then repeated and extensively developed. A false recapitulation then occurs where the movement's opening theme returns but softly and in F major. The first theme group's final flourishes then are extensively developed against a chromatically falling bass followed by a restatement of the end of the insertion aria then leading to C major for the true recapitulation. With the exception of the usual key transpositions and some expansion of the minor key sections, the recapitulation proceeds in a regular fashion.
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《》II. Andante cantabile
　The second movement, also in sonata form, is a sarabande of the French type in F major (the subdominant key of C major) similar to those found in the keyboard suites of J.S. Bach. This is the only symphonic slow movement of Mozart's to bear the indication cantabile. The opening melody, played by muted violins, is never allowed to conclude without interruption. After a development section, the recapitulation begins in the subdominant key of B♭ major, though a secondary development section disrupts the recapitulation with rhythmic figures before the return to F.
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《》III. Menuetto: Allegretto – Trio
　The third movement, a menuetto marked "allegretto" is similar to a Ländler, a popular Austrian folk dance form. Midway through the movement, there is a chromatic progression in which sparse imitative textures are presented by the woodwinds (bars 43–51) before the full orchestra returns. In the trio section of the movement, the four-note figure that will form the main theme of the last movement appears prominently (bars 68–71), but on the seventh degree of the scale rather than the first, and in a minor key rather than a major, giving it a very different character.

　The movement was later arranged and covered by Mike Batt as The Wombles; it was released as a single in October 1974 and spent nine weeks in the UK singles chart, peaking at number 16.
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《》IV. Molto allegro
　Finally, a distinctive characteristic of this symphony is the five-voice fugato (representing the five major themes) at the end of the fourth movement. But there are fugal sections throughout the movement either by developing one specific theme or by combining two or more themes together, as seen in the interplay between the woodwinds. The main theme consists of four notes:
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Four additional themes are heard in the symphony's finale (which is in sonata form) and all five motifs are combined in the fugal coda.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　In an article about the Jupiter Symphony, Sir George Grove wrote that "it is for the finale that Mozart has reserved all the resources of his science, and all the power, which no one seems to have possessed to the same degree with himself, of concealing that science, and making it the vehicle for music as pleasing as it is learned. Nowhere has he achieved more". Of the piece as a whole, he wrote that "It is the greatest orchestral work of the world which preceded the French Revolution".

　The four-note theme is a common plainchant motif which can be traced back at least as far as Thomas Aquinas's "Pange lingua gloriosi corporis mysterium" from the 13th century. It was very popular with Mozart. It makes a brief appearance as early as his Symphony No. 1 in 1764. Later, he used it in the Credo of an early Missa Brevis in F major, the first movement of his Symphony No. 33 and trio of the minuet of this symphony. It also appears in the first movement of the violin sonata K481 as the basis for the development section.
Scholars are certain Mozart studied Michael Haydn's Symphony No. 28 in C major, which also has a fugato in its finale and whose coda he very closely paraphrases for his own coda. Charles Sherman speculates that Mozart also studied Michael Haydn's Symphony No. 23 in D major because he "often requested his father Leopold to send him the latest fugue that Haydn had written". The Michael Haydn No. 39, written only a few weeks before Mozart's, also has a fugato in the finale, the theme of which begins with two whole notes. Sherman has pointed out other similarities between the two almost perfectly contemporaneous works. The four-note motif is also the main theme of the contrapuntal finale of Michael's elder brother Joseph's Symphony No. 13 in D major (1764).
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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　ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトは、1788年8月10日に交響曲第41番ハ長調K.551を完成させた。 彼が作曲した交響曲の中で最も長く、最後の作品であるこの交響曲は、多くの批評家からクラシック音楽における最も偉大な交響曲のひとつとみなされている。 この作品には「木星交響曲」というニックネームがつけられているが、これはおそらく興行主ヨハン・ペーター・サロモンによる造語であろう。

　交響曲の自筆稿はベルリン国立図書館に保存されている。
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【楽器編成】
　フルート、オーボエ2、ファゴット2、ホルン2（CとF）、トランペット2（C）、ティンパニ（CとG）、弦楽器。
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【作曲と初演】
　交響曲第41番は、モーツァルトが1788年の夏に立て続けに作曲した3曲セットの最後の曲である。 第39番は6月26日に、第40番は7月25日に完成した。 ニコラウス・アーノンクールは、交響曲第41番が最後の作品として、（第39番とは異なり）序奏がなく、壮大なフィナーレを持つことなどを指摘し、モーツァルトが3つの交響曲を統一的な作品として作曲したと主張している。

　この3つの交響曲の作曲と同時期に、モーツァルトはピアノ三重奏曲ホ長調（K.542）とハ長調（K.548）、ピアノ・ソナタ第16番ハ長調（K.545）、いわゆるソナタ・ファチーレ、ヴァイオリン・ソナチネ（K.547）を作曲している。

　交響曲第41番が作曲者の生前に演奏されたかどうかは定かではない。 オットー・エーリッヒ・ドイチュによると、モーツァルトはこの頃、フィリップ・オットーが所有するシュピーゲルガッセの新しいカジノで、一連の「カジノ・コンサート」を開く準備をしていた。 モーツァルトはこのシリーズのペアチケットを友人のミヒャエル・プッフベルクに送っていた。 歴史家たちは、このコンサート・シリーズが開催されたのか、あるいは関心が集まらずに中止されたのか、判断していない。 しかし、1789年にライプツィヒのゲヴァントハウスで新しい交響曲ハ調が演奏された-少なくともその演奏会プログラムによれば。
…  
【楽章】
　4つの楽章は、古典派時代の伝統的な交響曲の形式で配置されている：
　I. アレグロ・ヴィヴァーチェ、4分の4拍子
　II. アンダンテ・カンタービレ、3/4 ヘ長調
　III. メヌエット：アレグレット～トリオ、3/4拍子
　IV. モルト・アレグロ、2/2

　交響曲の演奏時間は通常約33分。
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《》I. アレグロ・ヴィヴァーチェ
　ソナタ形式の第1楽章の主テーマは、基音上の3連のトゥッティ（それぞれドミナントから基音への3連音による上昇音）と、それに続くより叙情的な応答という対照的なモチーフで始まる。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　このやり取りは2度聴かれ、その後にファンファーレが延々と続く。 その後に続くのは、対照的な2つのモチーフが展開される経過的なパッセージである。 そこから第2主題群はト長調の叙情的なセクションで始まり、第7和音で中断して終わり、ハ短調の嵐のようなセクションが続く。 全停止の後、モーツァルトの挿入アリア「Un bacio di mano」K.541を引用した説明的なコーダが始まり、一連のファンファーレで終わる。

　展開部はト長調から変ホ長調への転調で始まり、挿入アリアの主題が繰り返され、広範囲に展開される。 その後、楽章の冒頭主題がヘ長調でやわらかく回帰する偽の再現部（false recapitulation）が起こる。 第1主題群の最後の華やかさは、半音階的に下降する低音に対して広範に展開され、挿入アリアの終わりが再び繰り返された後、真の再現部のためにハ長調に導かれる。 通常の調の移調と短調部分の拡大を除いて、再現部は規則正しく進行する。
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《》II. アンダンテ・カンタービレ
　同じくソナタ形式の第2楽章は、J.S.バッハの鍵盤組曲に見られるようなヘ長調（ハ長調のサブドミナント）のフランス風サラバンドである。 モーツァルトの交響的緩徐楽章の中で唯一カンタービレと表記されている。 ミュートされたヴァイオリンが奏でる冒頭の旋律は、決して中断されることなく終結する。 展開部の後、変ロ長調のサブドミナントで再現部が始まるが、ヘ長調に戻る前に二次展開部がリズム図形で再現部を混乱させる。
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《》メヌエット：アレグレット メヌエット：アレグレット～トリオ
　第3楽章のメヌエット（アレグレット）は、オーストリアの民俗舞曲であるレンドラーに似ている。 楽章の半ばで半音階的な進行があり、木管楽器によってまばらな模倣的テクスチュアが提示された後（第43～51小節）、フルオーケストラが戻ってくる。 楽章のトリオ部分では、終楽章の主要主題となる4音形が大きく登場するが（第68～71小節）、音階の1度ではなく7度、長調ではなく短調で、まったく異なる性格を持つ。

　1974年10月にシングルとしてリリースされ、全英シングル・チャートで9週連続16位を記録した。
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《》IV. モルト・アレグロ
　最後に、この交響曲の特徴は、第4楽章の最後にある5声のフガート（5つの主要主題を表す）である。 しかし、木管楽器の相互作用に見られるように、1つの特定の主題を発展させたり、2つ以上の主題を組み合わせたりして、楽章全体を通してフーガ的な部分がある。 主テーマは4つの音からなる：
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　さらに4つの主題が交響曲のフィナーレ（ソナタ形式）で聴かれ、5つのモチーフはすべてフーガのコーダで組み合わされる。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　ジュピター交響曲についての記事の中で、ジョージ・グローブ卿は、「モーツァルトが、彼の科学のすべての資源と、彼自身と同じ程度には誰も持っていなかったと思われる、その科学を隠し、それが学問的であるのと同じくらい楽しい音楽のための手段とするすべての力を予約したのは、フィナーレのためである。 彼がこれ以上のことを成し遂げたところはどこにもない」。 この曲全体について、彼は「フランス革命以前の世界で最も偉大な管弦楽作品である」と書いている。

　4音の主題は、少なくとも13世紀のトマス・アクィナスの "Pange lingua gloriosi corporis mysterium "まで遡ることができる一般的な平叙歌のモチーフである。 モーツァルトにも人気があった。 1764年の交響曲第1番で少し登場する。 その後、初期のミサ・ブレヴィスヘ長調のクレド、交響曲第33番の第1楽章、この交響曲のメヌエットのトリオで使われている。 また、ヴァイオリン・ソナタK481の第1楽章にも展開部の基礎として登場する。

　学者たちは、モーツァルトがミヒャエル・ハイドンの交響曲第28番ハ長調を研究していたことを確信しており、この曲のフィナーレにもフガートがあり、そのコーダをモーツァルト自身のコーダに非常に忠実に言い換えている。 チャールズ・シャーマンは、モーツァルトがミヒャエル・ハイドンの交響曲第23番ニ長調も研究していたのは、「ハイドンが書いた最新のフーガを送ってくれるよう、父レオポルドによく頼んでいたからではないか」と推測している。 モーツァルトよりわずか数週間前に書かれたミヒャエル・ハイドンの第39番にも、フィナーレにフガートがあり、その主題は2つの全音符で始まる。 シャーマンは、ほぼ完全に同時代の2つの作品の間の他の類似点を指摘している。 この4音のモチーフは、ミヒャエルの兄ヨーゼフの交響曲第13番ニ長調（1764年）の対位法的フィナーレの主要主題でもある。
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1. モーツァルト「交響曲第41番 ハ長調 K. 551」について
　1.3 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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41. Sinfonie (Mozart)
Wikipedia DE(ドイツ版) URL> https://de.wikipedia.org/wiki/41._Sinfonie_(Mozart)

41. Sinfonie (Mozart) – Wikipedia

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　Die Sinfonie C-Dur Köchelverzeichnis 551 komponierte Wolfgang Amadeus Mozart im Sommer 1788 in Wien. Nach der Alten Mozart-Ausgabe trägt die Sinfonie die Nummer 41. Es ist Mozarts letzte Sinfonie. Ihr Beiname Jupiter-Sinfonie (später auch Jupitersinfonie) tauchte erstmals Anfang des 19. Jahrhunderts auf.
…  
【Allgemeines】
　Bezüglich der Entstehungsgeschichte der im Zusammenhang zu betrachtenden Sinfonien Köchelverzeichnis (KV) 543 (Es-Dur), 550 (g-Moll) und 551 siehe bei KV 543.

　Am 10. August 1788 trug Mozart die Fertigstellung der Sinfonie KV 551 (als Nummer 92) in sein eigenes Werkverzeichnis mit folgenden Worten ein: „Eine Sinfonie. – 2 violini, 1 flauto, 2 oboe, 2 fagotti, 2 Corni, 2 clarini, Timpany, viole e Baßi.“ Nach Mozarts Tod wurde das Werk – insbesondere das Finale – als eines der gelungensten Stücke der Sinfonik angesehen und erhielt teilweise den Titel „Sinfonie mit der Schlussfuge“. In der Allgemeinen musikalischen Zeitung von 1808 heißt es, dass das Werk in Leipzig inzwischen „ein so erklärtes Lieblingsstück der hiesigen Kunstfreunde [ist], dass wir sie ihnen kein Jahr vorenthalten.“ Insbesondere in London erfuhr das Werk besondere Wertschätzung, wurde 1810 als Partitur gedruckt und als „höchster Triumph der Instrumentalkomposition“ gefeiert.

　Als letzte Sinfonie Mozarts unterlag KV 551 teilweise einer etwas romantischen Deutung in dem Sinne, dass Mozart in dem Wissen, dass es seine letzte Sinfonie sei, eine Art Zusammenfassung dessen komponiert habe, was überhaupt in der Sinfonik zu sagen möglich sei, also quasi ein „Schlusswort“. Andererseits erscheint es unwahrscheinlich, dass Mozart 1788 seinen Tod im Jahr 1791 vorausgesehen haben soll und mit KV 551 einen Schlussstrich ziehen wollte.
…
《》Beinamen, Titel
　Neben dem Beinamen „Sinfonie mit der Schlussfuge“, der heute kaum noch gebraucht wird (in der dritten Auflage des Köchelverzeichnisses von 1937 aber noch als Haupt-Untertitel), ist v. a. der Titel „Jupiter“ bzw. „Jupiter-Sinfonie“ gebräuchlich. In den Tagebüchern des englischen Verlegers Vincent Novello und seiner Frau Mary, die 1829 Constanze Mozart in Salzburg besuchten, findet sich am 7. August eine Eintragung, nach der Mozarts Sohn erwähnte, dass der Konzertveranstalter Johann Peter Salomon das Werk mit den Beinamen „Jupiter“ bezeichnet habe. Kurt Pahlen verweist zudem auf eine andere „Legende“, nach der der Beiname auf den Pianisten Johann Baptist Cramer zurückgehen soll, um ihre „göttliche Vollkommenheit“ zu bezeichnen.

　Der Titel „Jupitersinfonie“ taucht erstmals im Programm vom Edinburgh Musikfestival vom 20. Oktober 1819 auf, danach im Programm der Londoner Königlichen Philharmonie vom 26. März 1821, und im Juni 1822 schreibt der Londoner Korrespondent der Allgemeinen musikalischen Zeitung: „Das dritte [Konzert] am 25sten März (…) begann mit der hier so beliebten, und unter dem Namen Jupiter bekannten Sinfonie in C dur von Mozart.“ 1822 wurde eine Bearbeitung der Sinfonie von Muzio Clementi für Klavier veröffentlicht, die im Titel die Bezeichnung „Jupiter“ trägt und die den Gott Jupiter auf Wolken thronend sowie mit Blitz und Donner in den Händen darstellt. Andererseits findet sich die Jupiter-Assoziation auch in der Besprechung der Aufführung der Sinfonie KV 550 in der Allgemeinen musikalischen Zeitung vom 1. Mai 1805.
…  
《》Rezensionen (Beispiele)
　Allgemeine musikalische Zeitung vom 4. November 1846: „Die Sinfonie von Mozart mit der Schlussfuge, Wie rein und klar sind alle Bilder darin! Nicht mehr und nicht weniger hat jedes, als es seiner Natur nach haben soll.“
Bernhard Paumgartner: „Wie ein Triumphgesang kraftbewußter Herrlichkeit hebt sich die C-dur-Symphonie (…) als strahlender Ausklang über alles Erdenleid zu lichten Höhen. Beglückung des Seins im kühn spielenden Bezwingen der Materie zu edler Geistesform ist ihr Sinn.“

　Kurt Pahlen zum Finale: „Hier kann uns Mozart selbst als Gott erscheinen, der nach freiem Willen Sternbilder in der Unendlichkeit des Weltraums schafft, zusammenfügt und lenkt. Die Großartigkeit dieses Satzes entgeht keinem Hörer; aber sein volles Verständnis erschließt sich nur den Eingeweihten, die diesem vollendeten polyphonen Geflecht, den Stimmen und Themen folgen können.“
Weitere Zitate siehe beim vierten Satz.
…  
【Zur Musik】
　Besetzung: Querflöte, 2 Oboen, 2 Fagotte, 2 Hörner in C (im 2. Satz in F), 2 Clarini in C, Pauken, I. Violine, II. Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass. Möglicherweise wurde zudem in zeitgenössischen Orchestern ein Cembalo zur Verstärkung der Bass-Stimme eingesetzt. Cello und Kontrabass notiert Mozart im ersten Satz getrennt.

　Aufführungszeit: ca. 30–35 Minuten

　Bei den hier benutzten Begriffen der Sonatensatzform ist zu berücksichtigen, dass dieses Schema in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entworfen wurde (siehe dort) und von daher nur mit Einschränkungen auf die Sinfonie KV 551 übertragen werden kann. – Die hier vorgenommene Beschreibung und Gliederung der Sätze ist als Vorschlag zu verstehen. Je nach Standpunkt sind auch andere Abgrenzungen und Deutungen möglich.
…  
《》Erster Satz: Allegro vivace
　C-Dur, 4/4-Takt, 313 Takte
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Das erste Thema (Takt 1–8, je nach Sichtweise auch bis Takt 55) ist symmetrisch aus jeweils vier Takten Vorder- und Nachsatz aufgebaut, die wiederum aus jeweils zwei kontrastierenden Phrasen bestehen: Drei Akkordschläge mit Schleiferfigur (hier: Triolen) im Forte (Phrase 1) und eine aufsteigende Vorhaltsfigur mit punktiertem Rhythmus im Piano (Phrase 2). Einige Autoren assoziieren Phrase 1 mit „männlich“ und Phrase 2 mit „weiblich“. Der Aufbau des Themas entspricht einer Standard-Einleitungsfloskel für Sinfonien, die Triolen-Schleiferfigur findet sich bei Mozart in ähnlicher Form z. B. bei KV 96, KV 338 und KV 504.

　Ab Takt 9 folgt eine marschartige Forte-Passage mit typischem Fanfarenrhythmus der Bläser, Akkordschlägen sowie einer weiteren Schleiferfigur der Streicher, hier als absteigende Zweiunddreißigstel-Folge (in Sechzehnteln ebenfalls im vierten Satz). Nach der Fermate auf dem Unisono-G in Takt 23 wird das erste Thema als Piano-Variante mit gegenstimmenartigen Holzbläsern und ohne Bass wiederholt. Eine weitere Wiederholung folgt ab Takt 37 im Forte in der Dominante G-Dur, wobei die zweite Phrase nun sequenzartig fortgesponnen wird und ab Takt 49 wieder in die Marsch-Passage übergeht. Diese endet in Takt 55 auf der Doppeldominante D-Dur mit anschließender Generalpause.

　Der folgende Abschnitt (ab Takt 56) wird überwiegend als zweites Thema angesehen während Peter Revers die Passage als „Dominantfeld mit thematischen Anklängen“ bezeichnet und das eigentliche zweite Thema erst ab Takt 101 sieht. Das Thema (G-Dur) wird im Streicherpiano vorgetragen und besteht aus zwei Motiven (aufsteigendes Dreitonmotiv und tänzerische Figur mit Triller), wobei das Dreitonmotiv im Bass versetzt auftritt und die 2. Violine mit durchlaufender Achtelbewegung begleitet. Das Thema wird variiert wiederholt und geht dann in eine Passage über, bei der die zweite Phrase vom ersten Thema im Bass mit einem neuen Motiv der 1. Violine kombiniert wird. Die Bewegung verebbt und hört „harmonisch offen, wie ein Fragezeichen“ in Takt 80 mit einer weiteren Generalpause auf.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Unerwartet folgt nun in ein Forte-Ausbruch des ganzen Orchesters mit Tremolo, der sich von c-Moll über C-Dur und F-Dur wiederum nach C-Dur (aufsteigender gebrochener Akkord) bewegt und schließlich in G-Dur mündet. Mit der anschließenden Passage (ähnlich wie ab Takt 39 mit Fortspinnung des Motivs von Phrase 2 des ersten Themas) wird die Spannung nochmals aufgebaut, bricht jedoch in Takt 99/100 wiederum überraschend als im Piano absteigender gebrochener D-Dur-Septakkord der 1. Violine und einer dritten Generalpause vollständig ab.

　Das anschließende, volkstümlich-tänzerische Thema (G-Dur), das z. B. Peter Revers als „eigentliches“ zweites Thema ansieht, wird sonst meist als Schlussgruppenbeginn oder als drittes Thema bezeichnet. Es basiert auf der Arie „Un bacio di mano“ KV 541. Die Exposition schließt mit Tremolo und den Schleifer-Figuren des Marschabschnittes in Takt 120 und wird wiederholt.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Die Durchführung lässt sich in zwei Teile gliedern: Der erste Teil (Takt 121–160) beginnt mit einer Unisono-Einleitung der Bläser nach Es-Dur und basiert auf dem dritten Thema, insbesondere auf Modulationen von dessen Schlussfloskel im Wechsel von Violinen und Viola/Bass. Von Takt 133–138 treten auch die Fanfaren-Rhythmen vom Marsch-Abschnitt hinzu. Der zweite Teil (Takt 161–188) greift anfangs das erste Thema als Scheinreprise wieder auf, allerdings in der Subdominante F-Dur und im Piano. Es folgen Rückungen der ersten Phrase vom ersten Thema über C-Dur, D-Dur und E-Dur. Ab Takt 171 tritt zudem die Zweiunddreißigstel-Schleiferfigur des Marschabschnittes über einer chromatischen Basslinie hinzu. Mit der Schlussfloskel vom dritten Thema, die versetzt von Oboe und Fagott gespielt wird, folgt die Überleitung zur Reprise, die in Takt 189 einsetzt.

　Die Reprise weicht in einigen Aspekten von der Exposition ab, die v. a. die Klangfarbe und die Instrumentierung betreffen. Bspw. ist der zweite Auftritt des ersten Themas nach dem Unisono-G mit Fermate in Moll gehalten, und auch der Moll-Ausbruch im Forte ist ausgedehnter. Durchführung und Reprise werden nicht wiederholt.
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《》Zweiter Satz: Andante cantabile
　F-Dur, 3/4-Takt 101 Takte, Streicher mit Dämpfern
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Das erste Thema beginnt zunächst als auftaktige, pausendurchsetzte und im punktierten Rhythmus aufsteigende Figur („Wandermotiv des klassischen Zeitalters“, d. h. ähnliche Motive finden sich häufig bei Zeitgenossen Mozarts). In Takt 2 und 4 ist der zweite Viertelschlag des Taktes (der normalerweise unbetont ist) durch den Forte-Akkord des ganzen Orchesters betont („metrisch störende Akzente“), wodurch der Dreiertakt verschleiert wird. Der Themenansatz in Takt 5 erreicht nach Streifung von d-Moll den gesanglich-lyrischen Nachsatz des Themas. Hier sind insbesondere Oboe und dann Flöte für die Klangfarbe bestimmend. Ab Takt 11 wird das Thema als Variante wiederholt, wobei im „Wandermotiv“ der Bass stimmführend ist und die Violinen mit ihrer Zweiunddreißigstel-Figur (vom Nachsatz abgeleitet) ein gegenstimmenartiges Motiv ergänzen.

　Ab Takt 19 folgt eine unerwartete Wendung nach c-Moll, die durch Synkopen, Akzente, Dissonanzen und Chromatik unruhig-erregten Charakter bekommt. Teilweise wird diese Passage im Sinne eines zweiten Themas aufgefasst. Kontrastierend dazu steht das gesangliche, aufsteigende Motiv ab Takt 28, das unterschiedlich interpretiert wird: als zweites Thema oder als drittes Thema bzw. Beginn der Schlussgruppe. Es ist unterlegt von durchlaufender Triolenbewegung der 2. Violine. Ggf. als Nachsatz zu diesem Motiv ist die Passage ab Takt 32 aufzufassen, die mit dem Vordersatz durch die weiterhin durchlaufende Triolenbewegung verknüpft und durch ein Tonwiederholungsmotiv gekennzeichnet ist. Dieses verschleiert durch sein Zweier-Metrum den Dreiertakt, ähnlich wie zu Beginn des Satzes. Mozart setzt das Motiv dann auch in Engführung von Violine und Flöte und wiederholt nach einem chromatisch verdichteten Übergang den Vordersatz als Variante (Dialog von Violinen und Flöte/Oboe). Die Exposition endet in Takt 44 und wird wiederholt.

　Die Durchführung (Takt 45–59) hebt das Motiv vom Synkopenabschnitt aus Takt 19 ff. auf verschiedene harmonische Stufen (z. B. d-Moll, es-Moll). Manche Autoren verwenden auch die Bezeichnung „Mittelteil“, da keine Verarbeitung von Material der Exposition im engeren Sinne erfolgt. Die Rückführung zur Reprise setzt in Takt 56 als chromatischer Bläserdialog an, der auf einer Floskel vom dritten Thema basiert.

　Die Reprise (ab Takt 60) beginnt mit dem ersten Thema in variierter Klangfarbe ähnlich Takt 11. Der Nachsatz wird nun aber ausgelassen, dafür bekommt die Zweiunddreißigstel-Figur mehr Gewicht und steigert sich in einer Fortspinnung bis zum Forte (Takt 65) und C-Dur-Fortissimo (Takt 71), begleitet von fanfarenartigen Rhythmen der Bläser. Der Synkopenabschnitt entsprechend Takt 19 ff. ist auf zwei Takte verkürzt und wirkt hier nicht mehr als starker Einbruch. In der Coda ab Takt 92 greift Mozart nochmals das erste Thema auf und lässt den Satz im Pianissimo verhauchen. Das Wiederauftreten vom ersten Thema hat Mozart erst nachträglich eingearbeitet.

　Durchführung und Reprise werden nicht wiederholt. Insgesamt klingt das Geschehen durch die Dämpfung der Violinen „wie von ferne, gleichsam wie hinter einem Schleier“.
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《》Dritter Satz: Menuetto. Allegretto
C-Dur, 3/4-Takt, mit Trio 87 Takte
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Das Thema des Menuetts wird zunächst piano vorgetragen. Es ist symmetrisch aus zwei viertaktigen Hälften (aus zweitaktigen Bausteinen) aufgebaut. Hauptbestandteil ist eine chromatisch absteigende Linie der Violinen, in deren Schlusswendung auch Blechbläser und Pauken dazutreten. Anschließend greift das ganze Orchester die absteigende Linie auf und weitet die Schlusswendung aus. Zu Beginn des zweiten Teils baut Mozart eine Spannung auf, indem er die absteigende Linie in den Holzbläsern über dem durchlaufend wiederholten G der Hörner sequenziert und nach dem Forte-Unisono-Signal in Takt 26–28 zudem imitatorisch zwischen Ober- und Unterstimmen verarbeitet (inklusive aufsteigender Gegenstimme mit Triller). Ebenfalls imitatorisch und nur für Holzbläser setzt auch die Reprise ab Takt 44 im Piano ein. Die letzten acht Takte sind ähnlich wie im ersten Teil strukturiert.

　Der erste Teil vom Trio (F-Dur, ohne Clarini und Pauken) besteht aus dem Wechsel einer Vorhaltsfloskel der Bläser (erinnert an Schlusswendungen von Sätzen) und einer tänzerischen, fallenden Staccato-Figur von 1. Violine und 1. Oboe. Der zweite Teil beginnt kontrastierend im Forte: Holzbläser und 1. Violine spielen eine Melodielinie aus ganztaktigen Noten, deren Anfang das Thema vom vierten Satz zitiert, begleitet von den übrigen Instrumenten im rhythmisch wiederholten Unisono-E. Ab Takt 80 folgt die instrumental variierte Wiederholung des Anfangs.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
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《》Vierter Satz: Molto allegro
　C-Dur, 2/2-Takt (alla breve), 423 Takte
　Insbesondere zu diesem Satz liegen zahlreiche Analysen vor. Vom Prinzip dem Schema eines Sonatensatzes ähnlich (Exposition – Durchführung – Reprise – Coda), sind zudem fugenartig strukturierte Abschnitte (Fugato) eingebaut. Fünf von sechs Themen/Motiven des Satzes werden in der Coda gleichzeitig einander gegenübergestellt.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Diese Verbindung von „gelehrter“, barocker Fuge und „galantem“ klassischen Stil zeigt bereits das Thema am Satzanfang: Es ist periodisch angelegt mit jeweils vier Takten Vorder- und Nachsatz. Der Vordersatz wird nur von den Violinen bestritten: die 1. Violine spielt das barock-choralartige Motiv c-d-f-e in ganzen Noten (im Folgenden: Motiv A), jedoch als galant-klassisches Moment unterlegt von der Achtelbewegung der 2. Violine. Anstelle einer barocken Fortspinnung (wie sie sich in Takt 36 ff. findet) verwendet Mozart für den Nachsatz ein tänzerisches Motiv (Motiv B), in dem auch die aus dem ersten Satz bekannte Schleiferfigur wieder erscheint. Die 2. Violine setzt ihre Achtelbewegung fort, Bass und Viola treten begleitend hinzu. Motiv A vom Vordersatz basiert auf der dritten Zeile des gregorianischen Hymnus Pange lingua. Es findet sich auch bei anderen Komponisten (z. B. dem Gradus ad Parnassum von Johann Joseph Fux und im Schlusssatz von Joseph Haydns Sinfonie Nr. 13); Mozart selbst verwendete es in den Sinfonien KV 16, KV 45b und KV 319 sowie den Messen KV 192 (dort: im Credo) und KV 257 (dort: im Sanctus). Motiv B wird als einziges im weiteren Satzverlauf nicht mehrstimmig verarbeitet.

　Ab Takt 9 wird das Thema im Forte des ganzen Orchesters mit variiertem und wiederholtem Nachsatz aufgegriffen, wobei die Bässe anfangs die Schleiferfigur betonen. In Takt 19 beginnt (ähnlich wie im ersten Satz) eine marschartige Passage, bei der das Signal- oder Fanfarenmotiv C (punktierter Rhythmus und Achtellauf abwärts) das erste Mal auftritt. Die Marschpassage endet in Takt 35 auf der Dominante G.

　In Takt 36 setzt nun ein barock anmutendes Fugato mit Motiv A ein, bei dem ab Takt 57 Motiv D1 (aufsteigende Viertelfolge mit Triller) hinzukommt. Dieses Motiv besitzt noch eine schließende Wendung mit großen Intervallsprüngen (Motiv D2). Mit den „rollenden“ Achteln von Motiv C endet der Abschnitt auf der sich ab Takt 64 etablierenden Doppeldominante D.

　Das gesangliche zweite Thema (ab Takt 74, Motiv E) wird im G-Dur-Piano von den Streichern vorgestellt – und zwar in derselben Struktur wie vom Satzanfang: stimmführende 1. Violine, 2. Violine mit durchlaufenden Achteln, Viola und Bass mit einzelnen, grundierenden Tönen. Dazu geben die Holzbläser versetzt Einwürfe von Motiv D2, D1 und C. Das Thema wird wiederholt. Die durchlaufende Achtelbewegung der 2. Violine wird dann auch von der 1. Violine aufgegriffen und über einem Orgelpunkt auf D fortgesponnen, während sich Flöte und Fagott Motiv D1 zuwerfen.

　In Takt 94 wechselt die Klangfarbe mit Hinzutreten der Blechbläser: das eben noch gesanglich-sanfte Motiv E wird nun im Forte versetzt von den Instrumenten fortgesponnen (anfangs nur der Motivkopf) und bekommt einen etwas heroischen Charakter. Die „rollenden“ Achtelläufe abwärts von Motiv E leiten dann zu einer homophonen Passage mit Motiv B über. Diese (Takt 115 ff.) hat wiederum fanfarenartig-marschähnlichen Charakter, der auch ab Takt 135 beibehalten wird, wo das Fanfaren-Motiv C versetzt auftritt – teilweise auch in seiner Umkehrung (Achtellauf aufwärts statt abwärts). Über einem pochenden Orgelpunkt auf G endet die Exposition mit dem vom Oboe/Fagott gespielten Motiv C in Takt 157. Die Exposition wird wiederholt.

　Die Durchführung beginnt im Piano mit Motiv A in den Streichern über einem wiederum pochenden Orgelpunkt auf G, als „Nachsatz“ verwendet Mozart das Fanfaren-Motiv C in Oboe und Fagott. Diese Folge wird nun – nach einem „Abrutschen“ – von E aus wiederholt und geht in Takt 172 in die eigentliche Durchführungspassage über. Sie basiert im Wesentlichen auf Motiv C, das versetzt in den Instrumenten auftritt und dabei zuerst im Quintenzirkel abwärts in Dur und dann aufwärts in Moll sequenziert wird:

・(E-Dur (Takt 166) –) A-Dur (Takt 172) – D-Dur (Takt 176) – G-Dur (Takt 180) – C-Dur (Takt 183) – F-Dur (Takt 187)

・F-Dur (Takt 187) – c-Moll (Takt 191) – g-Moll (Takt 196) – d-Moll (Takt 202).

　Kennzeichnend sind dabei auch die Einwürfe der Blechbläser mit dem Kopf von Motiv C. Bei der Sequenzierung aufwärts sind kleine chromatische Piano-Passagen in den Holzbläsern mit Motiv A eingeschaltet. Mit einer solchen Passage wechselt Mozart ab Takt 205 von d-Moll zu einem Abschnitt, der zwischen H-Dur und e-Moll pendelt (Takt 210–219) und schließlich mit weiterer Chromatik und Motiv C zur Reprise überleitet.

　In der Reprise (ab Takt 225) ist v. a. der Abschnitt bis zum Eintritt des zweiten Themas verändert: bei der Wiederholung des ersten Themas wird die Schleiferfigur im Bass/der Viola ausgeweitet, Motiv A tritt dabei ab Takt 243 auch als Variante im Bass auf. Das barocke Fugato entsprechend Takt 36–52 fehlt. Ab dem zweiten Thema (Takt 272 ff.) ist die Reprise ähnlich der Exposition strukturiert. Die Reprise endet in Takt 356, wird zusammen mit der Durchführung wiederholt und geht dann über Motiv C, dass in Originalgestalt (Bass) und Umkehrung (übrige Streicher) auf einem C-Dur-Septakkord gespielt wird, in die Coda über.
　　　<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>

　Diese beginnt „geheimnisvoll, schwerelos und fast ohne nachvollziehbare metrische Bewegung“ (Takt 360 ff.) im Piano mit Motiv A in seiner Umkehrung und geht in Takt 372 in ein Fugato über, bei dem die fünf Motive A, C, D1, D2 und E versetzt durch die Instrumente wandern. Insbesondere dieser Abschnitt wird von vielen Autoren hervorgehoben:

・„Hier ist Jupiter Gebieter über Welt und Welten, Schöpfer der absoluten Schönheit, Symbol von Gleichmaß und Vollendung.“

・„Mit diesem Material öffnet Mozart nun alle Schleusen des mehrfachen Kontrapunktes; in immer neuer Verschlingung schlagen die vertrauten Gedanken an das Ohr der Hörers, und er kann nur staunen über die wunderbare Leichtigkeit, mit der diese aufs höchste gesteigerte Lebensenergie auf ihn eindringt.“

・„Diese Stelle wirkt in ihrer Gestik und Stimmführung wie ein quirliges Ensemble der verschiedenen Charaktere und Personen einer Opera buffa: eine klass[ische] Dramatisierung der Instrumentalmusik.“

　Mit Wechsel von Takt 401 zu 402 schlägt „diese höchste Komplexität beinahe vermittelungslos in fast naive Homophonie“ mit der „Marsch-Passage“ (Motiv B) um, die in der Reprise ausgelassen wurde. Der Satz endet mit C-Dur – Fanfaren. Insgesamt ist der Schluss dieses Satzes „fast notengleich wie das Ende des I. Aufzuges der Zauberflöte“.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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　交響曲 ハ長調 Köchelverzeichnis 551は、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが1788年夏にウィーンで作曲した。 旧モーツァルト版によると、この交響曲は41番で、モーツァルト最後の交響曲である。 ジュピター交響曲（Jupiter Symphony、後にJupitersinfonieとも）と呼ばれるようになったのは、19世紀初頭のことである。
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【概要】
　交響曲第543番（変ホ長調）、第550番（ト短調）、第551番の発端については、KV543を参照。

　1788年8月10日、モーツァルトは自身のカタログ・レゾネに交響曲K.551（92番）の完成を次のように記録している。 - 2つのヴィオラ、1つのフラウト、2つのオーボエ、2つのファゴッティ、2つのコルニ、2つのクラリネット、ティンパニ、ヴィオレとバッシ"。 モーツァルトの死後、この作品（特にフィナーレ）は交響曲の中で最も成功した作品のひとつとみなされ、「終曲フーガのある交響曲」というタイトルがつけられることもあった。 1808年のAllgemeine musikalische Zeitung紙によると、ライプツィヒでは、この作品は「地元の芸術愛好家たちがこぞって気に入り、1年間も聴かせることがない」という。 この作品は特にロンドンで高く評価され、1810年には楽譜として印刷され、「器楽作曲の最高の勝利」と称賛された。

　モーツァルトの最後の交響曲であるK.551は、モーツァルトが自分の最後の交響曲であることを知りながら、交響曲で語られることの要約のようなもの、一種の「最後の言葉」を作曲したという意味で、ややロマンティックな解釈の対象となった部分もある。 一方、モーツァルトが1788年の死を予見し、K.551でけじめをつけようとしたとは考えにくい。
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《》 バイナーメン、タイトル
　現在ではほとんど使われなくなった「最終フーガのある交響曲」という蔑称（ただし、1937年の第3版ケッヘル目録では主要な副題として使われている）に加え、「ジュピター」または「ジュピター交響曲」というタイトルが特によく使われる。 1829年にザルツブルクのコンスタンツェ・モーツァルトを訪問したイギリスの出版家ヴィンセント・ノヴェロとその妻メアリーの日記には、8月7日付でモーツァルトの息子が、コンサートの主催者ヨハン・ペーター・サロモンがこの作品を「ジュピター」と呼んだことに言及している記述がある。 クルト・パーレンもまた、別の "伝説 "に言及している。それによると、この呼称はピアニストのヨハン・バプティスト・クラーマーにまで遡り、その "神々しい完成度 "を示すものだという。

　「ジュピター交響曲」というタイトルは、1819年10月20日のエディンバラ音楽祭のプログラムに初めて登場し、1821年3月26日のロンドン・ロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団のプログラムにも登場した。1822年6月、『Allgemeine musikalische Zeitung』紙のロンドン特派員は、「3月25日の第3回（コンサート）は、ここでとても人気があり、ジュピターの名で知られているモーツァルトの交響曲ハ長調で始まった」と書いている。 1822年には、ムツィオ・クレメンティの交響曲をピアノ用に編曲したものが出版され、「ジュピター」というタイトルで、雲の上に鎮座し、雷と稲妻を手にした神ジュピターが描かれている。 一方、1805年5月1日付の『Allgemeine musikalische Zeitung』紙に掲載された交響曲K.550の演奏評にも、ジュピターの連想が見られる。
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《》批評（例）
　1846年11月4日のAllgemeine musikalische Zeitung：「モーツァルトの交響曲と最後のフーガ、その中のすべてのイメージはなんと純粋で明瞭なことだろう！ この曲には、その性質上持つべき以上のものも、それ以下のものもない。」
　ベルンハルト・パウムガルトナー："力を意識した栄光の勝利の歌のように、ハ長調の交響曲は（...）すべての地上の苦しみを超えた輝かしいフィナーレとして、光り輝く高みへと昇っていく。 物質が高貴な精神的形式へと大胆に征服される演奏の中にある喜びがその意味である。"

　クルト・パーレンはフィナーレについて、「ここでモーツァルトは、自らの自由意志で宇宙の無限の星座を創造し、組み立て、指示する神のように、私たちに現れることができる。 この楽章の壮大さは聴き手を逃がさない。しかし、その完全な理解は、この完璧な多声的網、声部、主題を追うことができる入門者にしか到達できない。"
さらなる引用は、第4楽章を参照。
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【音楽について】
　採譜：フルート、オーボエ2、ファゴット2、ホルン2（C）（第2楽章はF）、クラリネット2（C）、ティンパニ、第1ヴァイオリン、第2ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス。 現代のオーケストラでは、低音部を補強するためにチェンバロが使われた可能性もある。 モーツァルトは第1楽章でチェロとコントラバスを別々に表記している。

　演奏時間：約30～35分

　ここで使われているソナタ楽章形式の用語については、この方式が19世紀前半に考案されたものであることを念頭に置く必要がある（そちらを参照）。 - ここに示した楽章の記述と構成は、一つの提案として理解されるべきである。 視点によっては、他の区切りや解釈も可能である。
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《》第1楽章：アレグロ・ヴィヴァーチェ Allegro vivace
　ハ長調、4分の4拍子、313小節
　　　<<< 楽譜省略。 参考 ウィキペディア >>>

　第1主題（1～8小節目、見方によっては55小節目まで）は、フォアフレーズとエピローグがそれぞれ4小節ずつ左右対称に構成され、それぞれが対照的な2つのフレーズからなる： フォルテの挽歌（ここでは3連符）を伴う3和音のストローク（フレーズ1）と、ピアノの付点リズムを伴う上行リード・フィギュア（フレーズ2）。 フレーズ1を「男性的」、フレーズ2を「女性的」と関連づける著者もいる。 主題の構成は、交響曲の標準的な序奏フレーズに相当する。3連符のループ図形は、モーツァルトの作品（K. 96、K. 338、K. 504など）でも同様の形で見られる。

　第9小節以降は、管楽器の典型的なファンファーレのリズム、和音による拍子、弦楽器のもうひとつの挽歌を伴う行進曲風のフォルテのパッセージが続く。 第23小節のユニゾンG上のフェルマータの後、第1主題は、木管楽器の対声と低音なしのピアノ変奏曲として繰り返される。 37小節目以降、ドミナントのト長調のフォルテでさらに繰り返しが続き、第2フレーズが連続して続いた後、49小節目からの行進曲のパッセージに戻る。 これは55小節目のニ長調の二重ドミナントで終わり、その後全体的に休止する。

　続く部分（第56小節以降）は主に第2主題と見なされているが、ピーター・リヴァースはこのパッセージを「主題的な響きを持つドミナント・フィールド」と表現し、実際の第2主題は第101小節以降のみと見ている。 主題（ト長調）は弦楽器のピアノで演奏され、2つの動機（上行する三連符の動機とトリルを伴う舞踏音型）で構成される。 この主題は変奏を伴って繰り返され、その後、第1主題の第2フレーズが低音で第1ヴァイオリンの新しいモチーフと組み合わされるパッセージに入る。 この楽章は、80小節で「疑問符のように和声的に開いて」止まり、再び全体的に休止する。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　予期せぬことに、オーケストラ全体のフォルテがトレモロで続き、ハ短調からハ長調、ヘ長調を経て再びハ長調（上行破和音）に移り、最後はト長調で終わる。 続くパッセージ（第1主題のフレーズ2のモチーフの続きで第39小節に似ている）で再び緊張が高まるが、第99/100小節で第1ヴァイオリンのピアノが驚くほど下降するニ長調の第7和音を破り、3度目の全体的な休止となる。

　続く民謡風の舞曲のような主題（ト長調）は、例えばピーター・リヴァースは「本当の」第2主題とみなしているが、通常は最終グループの冒頭、あるいは第3主題と呼ばれる。 この主題は、アリア "Un bacio di mano" K.541に基づくもので、第120小節のトレモロと行進曲の挽歌で結ばれ、繰り返される。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　展開部は2つの部分に分けられる： 第1部（121～160小節）は、管楽器による変ホ長調のユニゾン序奏で始まり、第3主題、特にヴァイオリンとヴィオラ／バスが交互に登場する最終運指の転調に基づいている。 第133～138小節からは、行進曲部分のファンファーレのリズムも加わる。 第2部（161～188小節）では、まず第1主題が再び模擬的な再現部として取り上げられるが、ヘ長調のサブドミナントとピアノによるものである。 続いて、ハ長調、ニ長調、ホ長調を経て、第1主題の最初のフレーズが回帰する。 171小節目からは、半音階的なバス・ライン上の行進曲部分の30回目の挽歌も加わる。 オーボエとファゴットが千鳥足で奏でる第3主題の最終フレーズに続いて、189小節から始まる再現部へと移行する。

　再現部は、主に音色と楽器編成に関して、いくつかの点で序奏から逸脱している。 例えば、フェルマータとのユニゾンGの後の第1主題の2度目の登場は短調であり、フォルテでの短調の爆発もより拡大されている。 展開部と再現部は繰り返されない。
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《》第2楽章：アンダンテ・カンタービレ
　ヘ長調 3/4拍子 101小節 弦楽（ミュート付き
　　　<<< 楽譜省略。 参考ウィキペディア >>>

　第1主題は、まず付点リズムで上昇するアップビートの休止音型（「古典派時代のさまよえる動機」、すなわちモーツァルトの同時代の作曲家にしばしば見られる類似の動機）で始まる。 2小節目と4小節目では、小節の2つ目の4分拍子（通常は非ストレス）がオーケストラ全体のフォルテ和音によって強調され（「計量的破壊的アクセント」）、3連小節が不明瞭になる。 第5小節の主題の冒頭は、ニ短調から連打した後、主題の声楽的な後奏に達する。 ここでは、オーボエとフルートの音色が特に支配的である。 第11小節からは主題が変奏として繰り返され、バスが「さまよえる動機」で声部をリードし、ヴァイオリンが（後奏の出だしである）30秒図形で対声動機を加える。

　第19小節以降、予期せぬハ短調への転調があり、シンコペーション、アクセント、不協和音、半音階的な表現によって、落ち着きのない動揺した性格を帯びてくる。 このパッセージは、部分的には第2主題として理解される。 これと対照的なのが、第28小節以降の声部の上行動機で、第2主題、第3主題、最終群の始まりなど、さまざまに解釈されている。 これは、第2ヴァイオリンの連続的な3連符の動きに裏打ちされている。 第32小節以降のパッセージは、続く3連符の動きによって第1楽章と結ばれており、繰り返される音のモチーフが記されているが、このモチーフの後書きと見ることもできる。 この旋律の2小節拍子は、楽章の冒頭と同様、3連小節を隠している。 モーツァルトはその後、ヴァイオリンとフルートの緊密なリードでもモチーフを設定し、半音階的に凝縮された推移の後、変奏（ヴァイオリンとフルート／オーボエの対話）として第1楽章を繰り返す。 エクスポジションは44小節で終わり、繰り返される。

　展開部（第45～59小節）は、第19小節ffのシンコペーションの部分から動機をさまざまな和声レベル（例えばニ短調、変ホ短調）へと持ち上げていく。 厳密な意味での展開部からの素材の処理がないため、「中間部」という言葉を使う著者もいる。 再現部への回帰は、第3主題のフレーズに基づく半音階的な管楽器の対話として第56小節から始まる。

　再現部（第60小節～）は、第1主題が第11小節と同様の変化に富んだ音色で始まるが、今度は後奏が省略され、第30音型に重みが与えられ、管楽器のファンファーレのようなリズムを伴って、フォルテ（第65小節）、ハ長調フォルティッシモ（第71小節）とフレーズを続けて上昇する。 第19小節ffに対応するシンコペーションの部分は2小節に短縮され、もはや強い侵入として機能しない。 第92小節からのコーダでは、モーツァルトは再び第1主題を取り上げ、ピアニッシモで楽章を息づかせる。 第1主題の再登場は、モーツァルトが後から付け加えただけである。

　展開部と再現部は繰り返されない。 全体として、ヴァイオリンの減衰が、動作を「遠くから、まるでベールの向こうにいるかのように」響かせる。
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《》第3楽章：メヌエット。 アレグレット
　ハ長調 3/4拍子 トリオ付き 87小節
　　　<<< 楽譜省略。 参考ウィキペディア >>>

　メヌエットの主題は最初にピアノで演奏される。 つの4小節の部分から対称的に構成される（2小節の構成要素からなる）。 主な構成要素はヴァイオリンの半音階的な下降線であり、金管とティンパニが最後のターンで加わる。 その後、オーケストラ全体が下降線を引き継ぎ、最終ターンを拡大する。 第2部の冒頭、モーツァルトは木管楽器の下降線をホルンの繰り返しのGの上に連続させ、26～28小節のフォルテ・ユニゾンの合図の後、上声と下声の間でも模倣（トリルを伴う上昇する対声も含む）して緊張を高める。 第44小節以降のピアノの再現部も模倣的で、木管楽器のみのためのものである。 最後の8小節は第1部と同様の構成。

　トリオの第1部（ヘ長調、クラリーニとティンパニなし）は、管楽器のリード・フレーズ（楽章の最終的な展開を思わせる）と、第1ヴァイオリンと第1オーボエの舞曲のような落下するスタッカートが交互に繰り返される。 第2部は対照的なフォルテで始まる： 木管楽器と第1ヴァイオリンが、第4楽章の主題を引用した全音符のメロディラインを奏で、残りの楽器がユニゾンEをリズミカルに繰り返す。 第80小節以降は、冒頭の楽器の変化に富んだ繰り返しが続く。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
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《》第4楽章：モルト・アレグロ
　ハ長調、2/2拍子（alla breve）、423小節

　この楽章については特に多くの分析がある。原理的にはソナタ楽章のシェーマ（序奏-展開部-再現部-コーダ）に似ているが、フーガのような構造化された部分（フガート）も組み込まれている。 楽章の6つの主題／モチーフのうち5つがコーダで同時に並置される。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　この "学者的 "でバロック的なフーガと "颯爽とした "古典的スタイルの組み合わせは、すでに楽章冒頭の主題によって示されている。 第1ヴァイオリンは、バロック・コラールのような動機c-d-f-eを全音で奏するが（以下、動機A）、第2ヴァイオリンの8分音符の動きに支えられたギャラント・クラシカルな瞬間として演奏される。 終楽章（動機B）では、（第36小節ffに見られるような）バロック的な続きの代わりに、舞曲風の動機が用いられ、第1楽章でおなじみの挽歌も再び登場する。 第2ヴァイオリンはクァーヴァーの動きを続け、バスとヴィオラも加わる。 第1楽章の動機Aは、グレゴリオ賛歌Pange linguaの3行目に基づく。 モーツァルト自身も交響曲K16、K45b、K319、ミサ曲K192（クレド）とK257（サンクトゥス）で用いている。 B動機は、この楽章の他の部分ではポリフォニックな形で使われない唯一の動機である。

　第9小節から、この主題はオーケストラ全体によってフォルテで取り上げられ、変化に富んだ後奏が繰り返される。 第1楽章と同様）19小節目から行進曲風のパッセージが始まり、そこで初めて信号またはファンファーレの動機C（付点リズムと下降8分音符のラン）が現れる。 行進曲は35小節目のドミナントGで終わる。

　36小節目からはモチーフAによるバロック風のフガートが始まり、57小節目のモチーフD1（トリルを伴う上行四分音符の連打）が加わる。 この動機は、大きな間跳躍を伴う終結部（動機D2）を持つ。 動機Cの "転がる "四分音符によって、このセクションは64小節から確立されたダブル・ドミナントDで終わる。

　ヴォーカルによる第2主題（第74小節、動機Eから）は、ト長調のピアノで弦楽器によって導入される--楽章の冒頭と同じ構成で、ヴォイスをリードする第1ヴァイオリン、8分音符を通過させる第2ヴァイオリン、単音で根拠を示すヴィオラとバス。 これに木管楽器が動機D2、D1、Cを時差的に挿入する。 テーマは繰り返される。 第2ヴァイオリンの通過する8分音符の動きは、第1ヴァイオリンに引き継がれ、D上のオルガン・ポイント上で続けられ、フルートとファゴットはモチーフD1に向かって身を投じる。

　第94小節では、金管楽器が加わって音色が変化する。先ほどまでまだ歌うように穏やかだったE動機が、今度はフォルテの楽器（最初は動機の頭だけ）によって紡ぎ出され、やや勇壮な性格を帯びてくる。 動機Eから「転がるように」下降する8分音符は、動機Bとの同音パッセージへと続く。 このパッセージ（第115小節ff）は再びファンファーレのような行進曲的な性格を持ち、それは第135小節以降も維持され、ファンファーレ動機Cがオフセットして、時にはその反転（8分音符が下向きではなく上向きに走る）で現れる。 G上のオルガンのどよめきの上で、157小節のオーボエ／ファゴットが奏でるCのモチーフで終わる。

　展開部はピアノで、G上の再び高鳴るオルガンのポイントの上に弦楽器の動機Aで始まり、モーツァルトは「追記」としてオーボエとファゴットのファンファーレ動機Cを用いる。 このシークエンスは、「スリップ」の後、Eから繰り返され、172小節の実際の展開部のパッセージにつながる。 これは基本的に動機Cに基づくもので、各楽器で順序をずらして現れ、まず5度の輪で長調を下降し、次に短調を上昇する：

・ホ長調（166小節）-）イ長調（172小節）-ニ長調（176小節）-ト長調（180小節）-ハ長調（183小節）-ヘ長調（187小節）。

・ヘ長調(187小節)-ハ短調(191小節)-ト短調(196小節)-ニ短調(202小節)。

　動機Cの頭による金管の挿入も特徴的。 上方のシーケンスでは、動機Aを伴う木管楽器の小さな半音階的なピアノのパッセージがオンになる。 そのようなパッセージで、モーツァルトは205小節以降のニ短調から、ロ長調とホ短調の間を揺れ動く部分（210～219小節）に切り替え、最後にさらなる半音階と動機Cを伴う再現部へと移る。

　再現部（225小節～）では、第2主題が入るまでの部分が特に変化している。第1主題の反復では、バス／ヴィオラでの研削図形が拡張され、243小節からはバスに変奏として動機Aも登場する。 第36～52小節に対応するバロック・フガートは欠落している。 第2主題（第272小節 ff.）以降、再現部は序奏と同様の構成になっている。 再現部は第356小節で終わり、展開部とともに繰り返され、ハ長調第7和音の上で原形（低音）と転回（残りの弦）で演奏されるモチーフCを経てコーダに至る。
　　　<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>

　これはピアノのモチーフAの転回で「神秘的に、無重量に、ほとんど追跡可能な計量的運動なしに」（360小節ff）始まり、372小節で5つのモチーフA、C、D1、D2、Eが千鳥足で楽器を移動するフガートに移行する。 特にこの部分は、多くの著者が強調している：

木星は世界と世界の主であり、絶対的な美の創造者であり、均衡と完全性の象徴である。

　この素材によって、モーツァルトは今、多重対位法のすべての水門を開いている。常に新しい絡み合いの中で、聴き慣れた思考が聴き手の耳を打ち、最高音にまで高められたこの生命エネルギーが、素晴らしい容易さで聴き手を貫くことに、聴き手はただ感嘆するしかない。

　このパッセージは、その身振りと声部のリードにおいて、オペラ・ブッファの様々な登場人物や人物の生き生きとしたアンサンブル、つまり器楽曲の一種のドラマ化のような効果がある。

　401小節目から402小節目への変化により、「この最高の複雑さは、ほとんど媒介なしに、ほとんど素朴な同音反復へと移行する」。 楽章はハ長調のファンファーレで終わる。 全体として、この楽章の終わりは「『魔笛』第1幕の終わりとほとんど同じ記譜法」である。
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2. 作曲者： モーツァルト について
　2.1 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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モーツァルト
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart
Wikipedia DE(ドイツ版) URL>
https://de.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart – Wikipedia

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　Wolfgang Amadeus Mozart (* 27. Jänner 1756 in Salzburg, Erzstift Salzburg; † 5. Dezember 1791 in Wien, Österreich), der überwiegend mit Wolfgang Amadé Mozart unterschrieb, war ein Salzburger Musiker und Komponist der Wiener Klassik. Sein umfangreiches Werk genießt weltweite Popularität und gehört zum Bedeutendsten im Repertoire klassischer Musik.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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　ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト（* 1756年1月27日ザルツブルク大司教座、† 1791年12月5日ウィーン、オーストリア）は、ザルツブルクの音楽家であり、ウィーン古典派の作曲家である。 ザルツブルクの音楽家であり、ウィーン古典派の作曲家でもある。
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2. 作曲者： モーツァルト について
　2.2 モーツァルトの作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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モーツァルトの作品リスト
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Wolfgang_Amadeus_Mozart

List of compositions by Wolfgang Amadeus Mozart - Wikipedia

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