ラジオ生活：クラシックの庭 コープランド「交響曲 第3番」
聞き逃しサービス 2025/01/13 放送
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クラシックの庭
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「交響曲 第3番」
( Symphony No. 3 )
作曲： コープランド ( Aaron Copland )
ニューヨーク・フィルハーモニック(管弦楽)
レナード・バーンスタイン(指揮)
（43分25秒)
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開始より07分10秒頃 (終了より1時間42分50秒前頃)
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配信終了 2025/01/20 15:50
番組情報
Google検索 URL>
https://www.google.co.jp/search?tbm=vid&hl=ja&source=hp&biw=&bih=&q=Aaron_Copland+Symphony_No_3
Bing検索 URL> https://www.bing.com/videos/search?q=Aaron_Copland+Symphony_No_3
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☆★☆ コープランド「交響曲 第3番」について【目次】☆★☆
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1. コープランド「交響曲 第3番」について
1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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2. 作曲者：コープランド について
2.1 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
2.2 コープランドの作曲作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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<<< 以下、参照しているWikipediaなどへのリンクはそれぞれの先頭あたりで紹介してます。>>>
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1. コープランド「交響曲 第3番」について
1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
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交響曲第3番 (コープランド)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/交響曲第3番_(コープランド)
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アーロン・コープランドの《交響曲 第3番》（こうきょうきょくだいさんばん）は、この作曲家が完成した最後の交響曲である。第二次世界大戦末期の1944年に着手されたため、愛国的な性格が強い。これは、戦間期の管弦楽曲においてコープランドが繰り広げた「音楽版アメリカニズム」のさまざまな作曲様式を、絶対音楽に持ち込み、統合を図ったことにもよっている。《アパラチアの春》の素朴で牧歌的な抒情性、《ロデオ》や《ビリー・ザ・キッド》の荒々しさや活力、《エル・サロン・メヒコ》におけるラテン・アメリカの生命力である。第4楽章の序奏において、《庶民のためのファンファーレ》が引用されている。
1946年に完成され、指揮者セルゲイ・クーセヴィツキーの亡き妻ナターリヤの追憶に献呈された。初演はボストンにおいて1948年10月、ボストン交響楽団によって行われ、その後のニューヨーク初演で評価を決定的なものとした。
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〜［上記wikipediaより抜粋。］
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1. コープランド「交響曲 第3番」について
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Symphony No. 3 (Copland)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._3_(Copland)
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Symphony No. 3 was Aaron Copland's final symphony. It was written between 1944 and 1946, and its first performance took place on October 18, 1946 with the Boston Symphony Orchestra performing under Serge Koussevitzky. If the early Dance Symphony is included in the count, it is actually Copland's fourth symphony.
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【Description】
Written at the end of World War II, it is known as the essential American symphony that fuses his distinct "Americana" style of the ballets (Rodeo, Appalachian Spring, etc.) with the form of the symphony, which has generally been a European-dominated musical form. The Fanfare for the Common Man, written in 1942, is used as a theme in the fourth movement. Various fragments from Fanfare are also used for primary thematic material in the first three movements.
<<< Music Score omit. Refer Wkipedia. >>>
The first movement (Molto moderato) opens with a simple theme in the woodwinds and strings, which is echoed warmly throughout the orchestra, before quickly heightening into a brassy fanfare (in which we get our first hints of the Fanfare for the Common Man theme.)
<<< Music Score omit. Refer Wkipedia. >>>
The movement ends as peacefully as it started, but we are quickly snapped out of the reverie with the thunderous timpani thump that launches the lively scherzo into action.
<<< Music Score omit. Refer Wkipedia. >>>
The whirling second movement (Allegro molto) features a dashing, boisterous theme, settling into gentler, pastoral segment but ending exuberantly.
<<< Music Score omit. Refer Wkipedia. >>>
The third movement (Andantino quasi allegretto) opens slowly and contemplatively, featuring Copland's typically sparse and almost ambiguous harmonies. It digresses into a frisky dance-like passage, vaguely Latin American in tone, before transitioning uninterrupted into the finale (Molto deliberato – Allegro risoluto), where we hear a pianissimo version of the Fanfare for the Common Man, and then the fanfare in its full glory.
<<< Music Score omit. Refer Wkipedia. >>>
The duration of this movement is spent primarily with the development and recapitulation of the Fanfare melody: Copland gives it a dazzling contrapuntal treatment while at the same time managing to introduce an entirely new theme. The symphony closes majestically with a final reprise of both the Fanfare and the symphony's opening motif.
In 1947 Leonard Bernstein, while performing the work in Israel, removed some 10 bars from the fourth movement without Copland's consent. Later on, the composer agreed to these cuts, which were incorporated in the 1966 edition published by Boosey & Hawkes. However, in June 2015, Boosey & Hawkes published a new performing edition in which the cuts have been restored to conform with the original 1946 manuscript. The overall tone of the work is one of heroism and dignity, and it leaves an appropriately stirring impression.
Note that the Fanfare in the fourth movement is not a direct copy of the stand-alone work Fanfare for the Common Man. There are numerous subtle changes, including a new introduction (a woodwind duet begins the fourth movement), two key changes, and different percussion parts.
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【Instrumentation】
The symphony is scored for a large orchestra, comprising piccolo, 3 flutes (3rd doubling 2nd piccolo), 3 oboes (3rd doubling cor anglais), 2 clarinets in B-flat, E-flat clarinet, bass clarinet, 2 bassoons, contrabassoon, 4 horns in F, 4 trumpets in B-flat, 3 trombones, tuba, timpani, cymbals, bass drum, tenor drum, snare drum, triangle, tamtam, glockenspiel, xylophone, anvil, claves, ratchet, whip, tubular bells, wood block, piano, celesta, 2 harps, and strings.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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交響曲第3番は、アーロン・コープランドの最後の交響曲である。 1944年から1946年にかけて書かれ、初演は1946年10月18日、セルジュ・クーセヴィツキー指揮ボストン交響楽団の演奏であった。 初期のダンス交響曲もカウントに含めると、実際にはコープランドの交響曲第4番となる。
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【解説】
第二次世界大戦末期に書かれたこの曲は、彼独特の「アメリカーナ」スタイルであるバレエ（「ロデオ」、「アパラチアの春」など）と、一般にヨーロッパ主体の音楽形式であった交響曲の形式を融合させた、本質的なアメリカ交響曲として知られている。 年に書かれた「庶民のためのファンファーレ」が第4楽章の主題として使われている。 また、第1楽章から第3楽章の主要な主題には、ファンファーレの様々な断片が用いられている。
<<<楽譜省略。 Wkipedia参照。 >>>
第1楽章（モルト・モデラート）は、木管楽器と弦楽器によるシンプルな主題で始まり、オーケストラ全体に温かく響いた後、素早く高揚してファンファーレになる（ここで初めて「庶民のためのファンファーレ」の主題のヒントが得られる）。
<<< 楽譜省略。 Wkipedia参照。 >>>
楽章は始まりと同じように穏やかに終わるが、私たちはすぐに、活気に満ちたスケルツォの活動を開始する雷鳴のようなティンパニの音で回想からスナップされる。
<<< 楽譜省略。 Wkipedia参照。 >>>
渦巻くような第2楽章（アレグロ・モルト）は、颯爽とした騒々しい主題を特徴とし、穏やかで牧歌的な部分に落ち着くが、最後は豪快に終わる。
<<<楽譜省略。 Wkipedia参照。 >>>
第3楽章（アンダンティーノ・クァジ・アレグレット）は、コープランドの典型的なまばらでほとんど曖昧なハーモニーを特徴とし、ゆっくりと瞑想的に始まる。 その後、ラテン・アメリカン調の軽快なダンスのようなパッセージを経て、フィナーレ（Molto deliberato - Allegro risoluto）に移行する。
<<< 楽譜省略。 Wkipedia参照。 >>>
この楽章は主にファンファーレの旋律の展開と再現に費やされる： コープランドはこの旋律に見事な対位法的処理を施し、同時にまったく新しい主題を導入している。 交響曲は、ファンファーレと交響曲の冒頭のモチーフの最後の再現で堂々と幕を閉じる。
1947年、イスラエルでこの作品を演奏していたレナード・バーンスタインは、コープランドの同意なしに第4楽章から10小節ほどを削除した。 その後、作曲者はこれらのカットに同意し、ブージー＆ホークスから出版された1966年版に組み込まれた。 しかし、2015年6月、ブージー＆ホークスは、カットが1946年のオリジナル原稿に準拠するように復元された新しい演奏版を出版した。 作品全体の曲調は勇壮さと威厳に満ちており、適度に心を揺さぶる印象を残す。
なお、第4楽章のファンファーレは、独立した作品『庶民のためのファンファーレ』をそのままコピーしたものではない。 新しい序奏（第4楽章は木管の二重奏で始まる）、2つの調の変更、異なる打楽器パートなど、数多くの微妙な変更がある。
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【楽器編成】
交響曲は、ピッコロ、フルート3（3番は2番ピッコロを兼ねる）、オーボエ3（3番はコルアングレを兼ねる）、クラリネット2（B♭）、E♭クラリネット、バスクラリネット、ファゴット2、コントラファゴット、ホルン4（F、 トランペット（B♭）×4、トロンボーン×3、テューバ、ティンパニ、シンバル、バスドラム、テナードラム、スネアドラム、トライアングル、タムタム、グロッケンシュピール、シロフォン、アンヴィル、クラベス、ラチェット、ムチ、チューブラーベル、ウッドブロック、ピアノ、チェレスタ、ハープ×2、弦楽器。
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2. 作曲者：アーロン・コープランドについて
2.1 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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アーロン・コープランド
Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Aaron_Copland
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Aaron Copland (/ˈkoʊplənd/, KOHP-lənd; November 14, 1900 – December 2, 1990) was an American composer, critic, writer, teacher, pianist and later a conductor of his own and other American music. Copland was referred to by his peers and critics as the "Dean of American Composers". The open, slowly changing harmonies in much of his music are typical of what many people consider to be the sound of American music, evoking the vast American landscape and pioneer spirit. He is best known for the works he wrote in the 1930s and 1940s in a deliberately accessible style often referred to as "populist" and which the composer labeled his "vernacular" style. Works in this vein include the ballets Appalachian Spring, Billy the Kid and Rodeo, his Fanfare for the Common Man and Third Symphony. In addition to his ballets and orchestral works, he produced music in many other genres, including chamber music, vocal works, opera and film scores.
After some initial studies with composer Rubin Goldmark, Copland traveled to Paris, where he first studied with Isidor Philipp and Paul Vidal, then with noted pedagogue Nadia Boulanger. He studied three years with Boulanger, whose eclectic approach to music inspired his own broad taste. Determined upon his return to the U.S. to make his way as a full-time composer, Copland gave lecture-recitals, wrote works on commission and did some teaching and writing. However, he found that composing orchestral music in the modernist style, which he had adopted while studying abroad, was a financially contradictory approach, particularly in light of the Great Depression. He shifted in the mid-1930s to a more accessible musical style which mirrored the German idea of Gebrauchsmusik ("music for use"), music that could serve utilitarian and artistic purposes. During the Depression years, he traveled extensively to Europe, Africa, and Mexico, formed an important friendship with Mexican composer Carlos Chávez and began composing his signature works.
During the late 1940s, Copland became aware that Stravinsky and other fellow composers had begun to study Arnold Schoenberg's use of twelve-tone (serial) techniques. After he had been exposed to the works of French composer Pierre Boulez, he incorporated serial techniques into his Piano Quartet (1950), Piano Fantasy (1957), Connotations for orchestra (1961) and Inscape for orchestra (1967). Unlike Schoenberg, Copland used his tone rows in much the same fashion as his tonal material—as sources for melodies and harmonies, rather than as complete statements in their own right, except for crucial events from a structural point of view. From the 1960s onward, Copland's activities turned more from composing to conducting. He became a frequent guest conductor of orchestras in the U.S. and the UK and made a series of recordings of his music, primarily for Columbia Records.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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アーロン・コープランド（/ˈkoLl_nd/, KOHP-lənd、1900年11月14日 - 1990年12月2日）は、アメリカの作曲家、批評家、作家、教師、ピアニストであり、後に自作や他のアメリカ音楽の指揮者でもあった。 同業者や批評家からは「アメリカ人作曲家のディーン」と呼ばれた。 彼の音楽の多くに見られる開放的でゆっくりと変化するハーモニーは、多くの人がアメリカ音楽のサウンドと考える典型的なものであり、広大なアメリカの風景や開拓者精神を想起させる。 1930年代から1940年代にかけて、しばしば「ポピュリスト」と呼ばれ、作曲家自身が「ヴァナキュラー」スタイルと名付けた、意図的に親しみやすいスタイルで書かれた作品で最もよく知られている。 バレエ『アパラチアの春』、『ビリー・ザ・キッド』、『ロデオ』、『庶民のためのファンファーレ』、『交響曲第3番』など。 バレエや管弦楽作品に加え、室内楽、声楽、オペラ、映画音楽など多くのジャンルの音楽を手がけた。
作曲家ルービン・ゴールドマークに師事した後、コープランドはパリに渡り、まずイシドール・フィリップとポール・ヴィダルに師事し、その後著名な教育学者ナディア・ブーランジェに師事した。 彼はブーランジェに3年間師事し、彼の音楽に対する多彩なアプローチに触発されて、彼自身の幅広い趣味を持つようになった。 アメリカに帰国後、フルタイムの作曲家としてやっていくことを決意したコープランドは、レクチャー・リサイタルを開いたり、委嘱作品を書いたり、教育や執筆活動も行った。 しかし、留学中に取り入れたモダニズム様式による管弦楽曲の作曲は、特に世界恐慌の影響から、経済的に矛盾したアプローチであることに気づく。 1930年代半ばには、より親しみやすい音楽スタイルへと移行し、それはドイツにおけるGebrauchsmusik（「利用するための音楽」）の考え方を反映したものであった。 大恐慌時代にはヨーロッパ、アフリカ、メキシコを広く旅し、メキシコの作曲家カルロス・チャベスと重要な友情を結び、代表作の作曲を始めた。
1940年代後半、コープランドは、ストラヴィンスキーや他の仲間の作曲家たちが、アーノルド・シェーンベルクの12音（連音）技法を研究し始めていることを知った。 フランスの作曲家ピエール・ブーレーズの作品に触れた後、彼はピアノ四重奏曲（1950年）、ピアノ幻想曲（1957年）、管弦楽のための「Connotations」（1961年）、管弦楽のための「Inscape」（1967年）に連作技法を取り入れた。 シェーンベルクとは異なり、コープランドはトーン・ローを調性素材とほぼ同じ方法で使用した。構造的な観点から重要な出来事を除き、それ自体を完全な声明としてではなく、メロディーやハーモニーのソースとして使用した。 1960年代以降、コープランドの活動は作曲から指揮へと移っていく。 彼は、アメリカやイギリスのオーケストラに頻繁に客演するようになり、主にコロンビア・レコードのために、彼の音楽の一連の録音を行った。
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アーロン・コープランドの作曲リスト
List of compositions by Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Aaron_Copland
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