ラジオ生活：クラシックの庭 コープランド「クラリネット協奏曲」

聞き逃しサービス 2024/05/20 放送
クラシックの庭
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「クラリネット協奏曲」
[ Clarinet Concerto ]
作曲： コープランド ( Aaron Copland )
ポール・メイエ(クラリネット)
イギリス室内管弦楽団(演奏)
デーヴィッド・ジンマン(指揮)
（17分53秒)
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開始より34分19秒頃 (終了より１時間15分41秒前頃)
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配信終了2024/05/27 15:50
　　
　（すでに配信終了してます）
　

番組情報

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クラリネット協奏曲 (コープランド)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/クラリネット協奏曲_(コープランド)

クラリネット協奏曲 (コープランド) - Wikipedia

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　アーロン・コープランドのクラリネット協奏曲は、1947年から1949年にかけて作曲された。クラリネット、ピアノとハープを含む弦楽合奏のための協奏曲である。

　ジャズ・クラリネット奏者であるベニー・グッドマンの依頼で作曲され、1950年11月6日にグッドマン独奏、フリッツ・ライナー指揮のNBC交響楽団によって放送初演された。演奏会初演は同月24日、ラルフ・マックレン（英語版）独奏、ユージン・オーマンディ指揮のフィラデルフィア管弦楽団によって行われた。出版は1952年にブージー・アンド・ホークス社から行われている。コープランドが前衛的な技法へと移行する直前に書かれた作品であり、ジャズの書法とコープランド自身の作曲スタイルとを巧みに融合させた作品と言える。

　初演翌年の1951年、ジェローム・ロビンズの振り付けにより、この協奏曲を用いたバレエ『まだら服の笛吹き』（The Pied Piper ）が上演された。

　なお、他にも同時代の多くの作曲家がグッドマンのために作品を書いている。クラリネット協奏曲では他にヒンデミットやミヨーの協奏曲、室内楽曲ではバルトークの『コントラスツ』、プーランクのクラリネットソナタなどがある。
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【楽曲構成】
　カデンツァをはさんで切れ目なく続く2つの楽章からなる。演奏時間は約17分。

　前半は幅の広い静謐な音楽であり、カデンツァからジャズのイディオムが本格的に導入され、後半はテンポの変更を繰り返しながら軽快に進む。
　1, ゆっくりと表情豊かに（Slowly and expressively） - カデンツァ、自由に（freely） -
　2, 速めに（Rather fast）

　なお、初稿の作曲後にグッドマンからの提案を受けて、カデンツァと終結部におけるクラリネット独奏のパッセージが簡略化されている。2000年に、チャールズ・ナイディックが初稿を復元した版での世界初録音を行った。
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〜［上記wikipediaより抜粋］




クラリネット協奏曲 (コープランド)
Clarinet Concerto (Copland)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Clarinet_Concerto_(Copland)

Clarinet Concerto (Copland) - Wikipedia

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　Aaron Copland's Clarinet Concerto (also referred to as the Concerto for Clarinet and String Orchestra or the Concerto for Clarinet, Strings, Harp and Piano) was written between 1947 and 1949, although a first version was available in 1948. The concerto was later choreographed by Jerome Robbins for the ballet Pied Piper (1951).
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【Style and structure】
　Copland incorporated many jazz elements into his concerto.

　Mellers —Copland being representative of the American "Other"— links Copland’s affinity for jazz elements with the fact that “both Negro and Jew are dispossessed people who have become, in a cosmopolitan urban society, representative of man’s uprootedness.”
Copland himself acknowledged that his signature "bittersweet lyricism" like in the first movement of the Clarinet Concerto may have been influenced by his feelings of loneliness and social alienation over his homosexuality.

　On the piece, Copland writes:
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　"The instrumentation being clarinet with strings, harp, and piano, I did not have a large battery of percussion to achieve jazzy effects, so I used slapping basses and whacking harp sounds to simulate them. The Clarinet Concerto ends with a fairly elaborate coda in C major that finishes off with a clarinet glissando – or "smear" in jazz lingo."
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　The piece is written in a very unusual form. The two movements are played back-to-back, linked by a clarinet cadenza. The first movement is written in A-B-A form and is slow and expressive, full of bittersweet lyricism. The cadenza not only gives the soloist an opportunity to display his virtuosity, but also introduces many of the melodic Latin American jazz themes that dominate the second movement.

　The overall form of the final movement is a free rondo with several developing side issues that resolve in the end with an elaborate coda in C major. Copland noted that his playful finale is born of
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"an unconscious fusion of elements obviously related to North and South American popular music (for example, a phrase from a currently popular Brazilian tune, heard by me in Rio, became embedded in the secondary material)."
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　This section was written specially for Benny Goodman's jazz talents; however, many of the technical challenges were above Goodman's confidence level, and the original score shows several alterations by Goodman to bring down higher notes, making it easier to play. The manuscript page of the original coda has suggested changes by Goodman in pencil, and the memo on top reads:
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　"1st version —later revised— of Coda of Clarinet Concerto (too difficult for Benny Goodman)"
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　Recently, performances of the restored original version have been given by Charles Neidich and Andrew Simon, amongst others. In the liner notes of the Chandos CD Composers in New York, Charles Neidich writes:
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"...of that [1948] coda, complete with a tremendously brilliant clarinet part: cascading arpeggios which [Copland] decided were too difficult for the clarinet and which in the revised version he gave to the piano."
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　The concerto contains other notable references such as material from “The Cummington Story”, an "Office of War Information Documentary" (written in 1945) which sets the stage for the film's church-centered small town. It is the refugees’ theme from the unpublished film score that is used in the concerto.
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〜［Excerpt from above Wikipedia.］
〜［上記Wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　アーロン・コープランドのクラリネット協奏曲（クラリネットと弦楽オーケストラのための協奏曲、クラリネット、弦楽器、ハープとピアノのための協奏曲とも呼ばれる）は、1947年から1949年にかけて書かれた。 この協奏曲は、後にジェローム・ロビンスによってバレエ『パイド・パイパー』（1951年）のために振り付けられた。
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【スタイルと構成】
　コープランドはこの協奏曲に多くのジャズの要素を取り入れている。

　メラーズは、「コープランドはアメリカの "他者 "の代表である」とし、コープランドがジャズの要素と親和的であったことを、「黒人もユダヤ人も、コスモポリタンな都市社会において、人間の根こそぎ奪われた代表的な人々である」という事実と結びつけている。
コープランド自身も、クラリネット協奏曲の第1楽章のような彼の特徴である "ほろ苦い叙情性 "は、同性愛をめぐる孤独感や社会的疎外感から影響を受けたのではないかと認めている。

　この曲について、コープランドはこう書いている：
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　「クラリネットに弦楽器、ハープ、ピアノという編成で、ジャズ的な効果を得るための打楽器があまり揃っていなかったので、低音を叩いたり、ハープを叩いたりする音で模倣した。 クラリネット協奏曲は、ハ長調のかなり手の込んだコーダで終わり、クラリネットのグリッサンド（ジャズ用語で「スミアー」）で締めくくられる。
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　この曲は非常に珍しい形式で書かれている。 2つの楽章は、クラリネットのカデンツァで結ばれ、前後して演奏される。 第1楽章はA-B-A形式で書かれ、ゆったりとした表情豊かで、ほろ苦い叙情に満ちている。 このカデンツァは、ソリストにその妙技を披露する機会を与えるだけでなく、第2楽章を支配するメロディアスなラテン・アメリカン・ジャズのテーマの多くを導入している。

　最終楽章の全体的な形式は、ハ長調の凝ったコーダで解決される、いくつかの発展的な副次的問題を持つ自由なロンドである。 コープランドは、彼の遊び心に満ちたフィナーレは、次のような理由から生まれたと述べている。
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　"明らかに北米と南米のポピュラー音楽に関連する要素が無意識のうちに融合している（例えば、リオで耳にした、現在流行しているブラジルの曲のフレーズが副次的な素材に組み込まれている）"
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　この部分は、ベニー・グッドマンのジャズの才能のために特別に書かれた。しかし、技術的な難題の多くはグッドマンの自信のレベルを超えており、原曲のスコアには、グッドマンが高音を下げて演奏しやすくするために何度か手を加えたことが記されている。 オリジナルのコーダの原稿ページには、鉛筆でグッドマンによる変更案が書かれており、一番上のメモにはこう書かれている：
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　「クラリネット協奏曲のコーダ（ベニー・グッドマンには難しすぎた）の第1版（後に改訂）"
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　最近では、チャールズ・ニーディックやアンドリュー・サイモンらによって、復元されたオリジナル版の演奏が行われている。 ChandosのCD『Composers in New York』のライナーノーツで、Charles Neidichはこう書いている：
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　"...その（1948年の）コーダの、とてつもなく見事なクラリネット・パート：カスケードするようなアルペジオ。
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　この協奏曲には他にも、"The Cummington Story "という "Office of War Information Documentary"（1945年に書かれた戦争情報局のドキュメンタリー）から引用されたものが含まれている。 この協奏曲で使われているのは、未発表の映画音楽の難民のテーマである。
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アーロン・コープランド
Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Aaron_Copland

Aaron Copland - Wikipedia

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　Aaron Copland (/ˈkoʊplənd/, KOHP-lənd; November 14, 1900 – December 2, 1990) was an American composer, critic, writer, teacher, pianist and later a conductor of his own and other American music. Copland was referred to by his peers and critics as the "Dean of American Composers". The open, slowly changing harmonies in much of his music are typical of what many people consider to be the sound of American music, evoking the vast American landscape and pioneer spirit. He is best known for the works he wrote in the 1930s and 1940s in a deliberately accessible style often referred to as "populist" and which the composer labeled his "vernacular" style. Works in this vein include the ballets Appalachian Spring, Billy the Kid and Rodeo, his Fanfare for the Common Man and Third Symphony. In addition to his ballets and orchestral works, he produced music in many other genres, including chamber music, vocal works, opera and film scores.

　After some initial studies with composer Rubin Goldmark, Copland traveled to Paris, where he first studied with Isidor Philipp and Paul Vidal, then with noted pedagogue Nadia Boulanger. He studied three years with Boulanger, whose eclectic approach to music inspired his own broad taste. Determined upon his return to the U.S. to make his way as a full-time composer, Copland gave lecture-recitals, wrote works on commission and did some teaching and writing. However, he found that composing orchestral music in the modernist style, which he had adopted while studying abroad, was a financially contradictory approach, particularly in light of the Great Depression. He shifted in the mid-1930s to a more accessible musical style which mirrored the German idea of Gebrauchsmusik ("music for use"), music that could serve utilitarian and artistic purposes. During the Depression years, he traveled extensively to Europe, Africa, and Mexico, formed an important friendship with Mexican composer Carlos Chávez and began composing his signature works.

　During the late 1940s, Copland became aware that Stravinsky and other fellow composers had begun to study Arnold Schoenberg's use of twelve-tone (serial) techniques. After he had been exposed to the works of French composer Pierre Boulez, he incorporated serial techniques into his Piano Quartet (1950), Piano Fantasy (1957), Connotations for orchestra (1961) and Inscape for orchestra (1967). Unlike Schoenberg, Copland used his tone rows in much the same fashion as his tonal material—as sources for melodies and harmonies, rather than as complete statements in their own right, except for crucial events from a structural point of view. From the 1960s onward, Copland's activities turned more from composing to conducting. He became a frequent guest conductor of orchestras in the U.S. and the UK and made a series of recordings of his music, primarily for Columbia Records.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　アーロン・コープランド（/ˈko↪Ll_nd/, KOHP-lənd、1900年11月14日 - 1990年12月2日）は、アメリカの作曲家、批評家、作家、教師、ピアニストであり、後に自作や他のアメリカ音楽の指揮者でもあった。 同業者や批評家からは「アメリカ人作曲家のディーン」と呼ばれた。 彼の音楽の多くに見られる開放的でゆっくりと変化するハーモニーは、多くの人がアメリカ音楽のサウンドと考える典型的なものであり、広大なアメリカの風景や開拓者精神を想起させる。 1930年代から1940年代にかけて、しばしば「ポピュリスト」と呼ばれ、作曲家自身が「ヴァナキュラー」スタイルと名付けた、意図的に親しみやすいスタイルで書かれた作品で最もよく知られている。 バレエ『アパラチアの春』、『ビリー・ザ・キッド』、『ロデオ』、『庶民のためのファンファーレ』、『交響曲第3番』など。 バレエや管弦楽作品に加え、室内楽、声楽、オペラ、映画音楽など多くのジャンルの音楽を手がけた。

　作曲家ルービン・ゴールドマークに師事した後、コープランドはパリに渡り、まずイシドール・フィリップとポール・ヴィダルに師事し、その後著名な教育学者ナディア・ブーランジェに師事した。 彼はブーランジェに3年間師事し、彼の音楽に対する多彩なアプローチに触発されて、彼自身の幅広い趣味を持つようになった。 アメリカに帰国後、フルタイムの作曲家としてやっていくことを決意したコープランドは、レクチャー・リサイタルを開いたり、委嘱作品を書いたり、教育や執筆活動も行った。 しかし、留学中に取り入れたモダニズム様式による管弦楽曲の作曲は、特に世界恐慌の影響から、経済的に矛盾したアプローチであることに気づく。 1930年代半ばには、より親しみやすい音楽スタイルへと移行し、それはドイツにおけるGebrauchsmusik（「利用するための音楽」）の考え方を反映したものであった。 大恐慌時代にはヨーロッパ、アフリカ、メキシコを広く旅し、メキシコの作曲家カルロス・チャベスと重要な友情を結び、代表作の作曲を始めた。

　1940年代後半、コープランドは、ストラヴィンスキーや他の仲間の作曲家たちが、アーノルド・シェーンベルクの12音（連音）技法を研究し始めていることを知った。 フランスの作曲家ピエール・ブーレーズの作品に触れた後、彼はピアノ四重奏曲（1950年）、ピアノ幻想曲（1957年）、管弦楽のための「Connotations」（1961年）、管弦楽のための「Inscape」（1967年）に連作技法を取り入れた。 シェーンベルクとは異なり、コープランドはトーン・ローを調性素材とほぼ同じ方法で使用した。構造的な観点から重要な出来事を除き、それ自体を完全な声明としてではなく、メロディーやハーモニーのソースとして使用した。 1960年代以降、コープランドの活動は作曲から指揮へと移っていく。 彼は、アメリカやイギリスのオーケストラに頻繁に客演するようになり、主にコロンビア・レコードのために、彼の音楽の一連の録音を行った。
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アーロン・コープランドの作曲リスト　
List of compositions by Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Aaron_Copland

List of compositions by Aaron Copland - Wikipedia