ラジオ生活：名演奏ライブラリー ストラヴィンスキー バレエ音楽「春の祭典」から第1部「大地礼賛」, 指揮：ブーレーズ
聞き逃しサービス 2025/01/05 放送
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名演奏ライブラリー
緻密で透徹した響き ブーレーズ
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バレエ音楽「春の祭典」から第1部「大地礼賛」
( Rite of Spring, Part I: The Adoration of the Earth )
[ Весна́ свяще́нная ]
作曲： ストラヴィンスキー
( Igor Stravinsky )
[ Стравинский, Игорь Фёдорович ]
フランス国立放送管弦楽団(管弦楽)
ピエール・ブーレーズ(指揮)
[ 1963年録音版 ]
（15分26秒)
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開始より04分32秒頃 (終了より1時間50分28秒前頃)
ちなみに、第2部「いけにえ」(Part II: The Sacrifice)は、開始より22分38秒頃 (終了より1時間32分22秒前頃)
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配信終了 2025/01/12 10:55
（すでに配信終了してます）
番組情報
Google検索 URL>
https://www.google.co.jp/search?tbm=vid&hl=ja&source=hp&biw=&bih=&q=Stravinsky+The_Rite_of_Spring
Bing検索 URL> https://www.bing.com/videos/search?q=Igor_Stravinsky+The_Rite_of_Spring
Bing検索 URL> https://www.bing.com/videos/search?q=Игорь_Стравинский+Весна́_свяще́нная
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☆★☆ ストラヴィンスキー バレエ音楽「春の祭典」について【目次】☆★☆
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1.ストラヴィンスキー バレエ音楽「春の祭典」について
1.1 Wikipedia JA(日本版) の抜粋
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
1.3 Wikipedia RU(ロシア版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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2. 作曲者：ストラヴィンスキー について
2.1 Wikipedia RU(ロシア版)の抜粋、および、その日本語翻訳
2.2 ストラヴィンスキーの作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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3. 指揮者：ブーレーズ について
3.1 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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<<< 以下、参照しているWikipediaなどへのリンクはそれぞれの先頭あたりで紹介してます。>>>
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1. ストラヴィンスキー バレエ音楽「春の祭典」について
1.1 Wikipedia JA(日本版) の抜粋
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ストラヴィンスキー「春の祭典」
Wikipedia JA (日本版) URL> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/春の祭典
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『春の祭典』（はるのさいてん、ロシア語: Весна священная、フランス語: Le Sacre du printemps、英語: The Rite of Spring ）は、ロシアの作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキーが、セルゲイ・ディアギレフが率いるバレエ・リュス（ロシア・バレエ団）のために作曲したバレエ音楽。オリジナルの振り付けはヴァーツラフ・ニジンスキーが、舞台デザインと衣装はニコライ・リョーリフが担当した。1913年5月29日にシャンゼリゼ劇場で初演され、音楽と振り付けの前衛的な性質がセンセーションを巻き起こした。初演の聴衆の反応は長年「暴動」と呼ばれることが多かったが、近年は誇張表現だったとして見直されている。この表現は10年以上後の1924年の後の公演のレビューまで現れず、負傷者が出たり、物が壊されたりしたことはなかった。また二日目以降のパリ公演や、二ヶ月後のロンドン公演でも特別なことは起こらなかった。しかし、後世の作曲家に和声法、ポリリズムなどの面で大きな影響を与え、20世紀の管弦楽を象徴する作品のひとつしての評価は変わらず持っている。
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〜［上記Wikipediaより抜粋。］
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1.ストラヴィンスキー バレエ音楽「春の祭典」について
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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The Rite of Spring
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/The_Rite_of_Spring
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The Rite of Spring (French: Le Sacre du printemps) is a ballet and orchestral concert work by the Russian composer Igor Stravinsky. It was written for the 1913 Paris season of Sergei Diaghilev's Ballets Russes company; the original choreography was by Vaslav Nijinsky with stage designs and costumes by Nicholas Roerich. When first performed at the Théâtre des Champs-Élysées on 29 May 1913, the avant-garde nature of the music and choreography caused a sensation. Many have called the first-night reaction a "riot" or "near-riot", though this wording did not come about until reviews of later performances in 1924, over a decade later. Although designed as a work for the stage, with specific passages accompanying characters and action, the music achieved equal if not greater recognition as a concert piece and is widely considered to be one of the most influential musical works of the 20th century.
Stravinsky was a young, virtually unknown composer when Diaghilev recruited him to create works for the Ballets Russes. Le Sacre du printemps was the third such major project, after the acclaimed Firebird (1910) and Petrushka (1911). The concept behind The Rite of Spring, developed by Roerich from Stravinsky's outline idea, is suggested by its subtitle, "Pictures of Pagan Russia in Two Parts"; the scenario depicts various primitive rituals celebrating the advent of spring, after which a young girl is chosen as a sacrificial victim and dances herself to death. After a mixed critical reception for its original run and a short London tour, the ballet was not performed again until the 1920s, when a version choreographed by Léonide Massine replaced Nijinsky's original, which saw only eight performances. Massine's was the forerunner of many innovative productions directed by the world's leading choreographers, gaining the work worldwide acceptance. In the 1980s, Nijinsky's original choreography, long believed lost, was reconstructed by the Joffrey Ballet in Los Angeles.
Stravinsky's score contains many novel features for its time, including experiments in tonality, metre, rhythm, stress and dissonance. Analysts have noted in the score a significant grounding in Russian folk music, a relationship Stravinsky tended to deny. Regarded as among the first modernist works, the music influenced many of the 20th-century's leading composers and is one of the most recorded works in the classical repertoire.
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【Music】
《》General character
Commentators have often described The Rite's music in vivid terms; Paul Rosenfeld, in 1920, wrote of it "pound[ing] with the rhythm of engines, whirls and spirals like screws and fly-wheels, grinds and shrieks like laboring metal". In a more recent analysis, The New York Times critic Donal Henahan refers to "great crunching, snarling chords from the brass and thundering thumps from the timpani". The composer Julius Harrison acknowledged the uniqueness of the work negatively: it demonstrated Stravinsky's "abhorrence of everything for which music has stood these many centuries ... all human endeavour and progress are being swept aside to make room for hideous sounds".
In The Firebird, Stravinsky had begun to experiment with bitonality (the use of two different keys simultaneously). He took this technique further in Petrushka, but reserved its full effect for The Rite where, as the analyst E.W. White explains, he "pushed [it] to its logical conclusion". White also observes the music's complex metrical character, with combinations of duple and triple time in which a strong irregular beat is emphasised by powerful percussion. The music critic Alex Ross has described the irregular process whereby Stravinsky adapted and absorbed traditional Russian folk material into the score. He "proceeded to pulverize them into motivic bits, pile them up in layers, and reassemble them in cubistic collages and montages".
The duration of the work is about 35 minutes.
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《》Instrumentation
The score calls for a large orchestra consisting of the following instruments:
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-《》Woodwinds
1 piccolo
3 flutes (third doubling second piccolo)
1 alto flute
4 oboes (fourth doubling second cor anglais)
1 cor anglais
3 clarinets in B♭ and A (third doubling second bass clarinet)
1 clarinet in E♭ and D
1 bass clarinet
4 bassoons (fourth doubling second contrabassoon)
1 contrabassoon
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-《》Brass
8 horns (seventh and eighth doubling tenor Wagner tubas)
1 piccolo trumpet in D
4 trumpets in C (fourth doubling bass trumpet in E♭)
3 trombones
2 bass tubas
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-《》Percussion
5 timpani (requiring two players)
bass drum
tam-tam
triangle
tambourine
cymbals
antique cymbals in A♭ and B♭
güiro
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-《》Strings
violins I, II
violas
cellos
double basses
Despite the large orchestra, much of the score is written chamber-fashion, with individual instruments and small groups having distinct roles.
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《》Part I: The Adoration of the Earth
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
The opening melody is played by a solo bassoon in a very high register, which renders the instrument almost unidentifiable; gradually other woodwind instruments are sounded and are eventually joined by strings. The sound builds up before stopping suddenly, Hill says, "just as it is bursting ecstatically into bloom". There is then a reiteration of the opening bassoon solo, now played a semitone lower.
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
The first dance, "Augurs of Spring", is characterised by a repetitive stamping chord in the horns and strings, based on E♭ dominant 7 superimposed on an F♭ major triad, i.e. F♭, A♭, and C♭. White suggests that this bitonal combination, which Stravinsky considered the focal point of the entire work, was devised on the piano, since the constituent chords are comfortable fits for the hands on a keyboard. The rhythm of the stamping is disturbed by Stravinsky's constant shifting of the accent, on and off the beat, before the dance ends in a collapse, as if from exhaustion. Alex Ross has summed up the pattern (italics = rhythmic accents) as follows:
1
2345678…
According to Roger Nichols "At first sight there seems no pattern in the distribution of accents to the stamping chords. Taking the initial quaver of bar 1 as a natural accent we have for the first outburst the following groups of quavers: 9, 2, 6, 3, 4, 5, 3. However, these apparently random numbers make sense when split into two groups:
9643
235
Clearly the top line is decreasing, the bottom line increasing, and by respectively decreasing and increasing amounts ...Whether Stravinsky worked them out like this we shall probably never know. But the way two different rhythmic 'orders' interfere with each other to produced apparent chaos is... a typically Stravinskyan notion."
The "Ritual of Abduction" which follows is described by Hill as "the most terrifying of musical hunts". It concludes in a series of flute trills that usher in the "Spring Rounds", in which a slow and laborious theme gradually rises to a dissonant fortissimo, a "ghastly caricature" of the episode's main tune.
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
Brass and percussion predominate as the "Ritual of the Rival Tribes" begins. A tune emerges on tenor and bass tubas, leading after much repetition to the entry of the Sage's procession. The music then comes to a virtual halt, "bleached free of colour" (Hill), as the Sage blesses the earth. The "Dance of the Earth" then begins, bringing Part I to a close in a series of phrases of the utmost vigour which are abruptly terminated in what Hill describes as a "blunt, brutal amputation".
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《》Part II: The Sacrifice
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
Part II has a greater cohesion than its predecessor. Hill describes the music as following an arc stretching from the beginning of the Introduction to the conclusion of the final dance. Woodwind and muted trumpets are prominent throughout the Introduction, which ends with a number of rising cadences on strings and flutes. The transition into the "Mystic Circles" is almost imperceptible; the main theme of the section has been prefigured in the Introduction. A loud repeated chord, which Berger likens to a call to order, announces the moment for choosing the sacrificial victim. The "Glorification of the Chosen One" is brief and violent; in the "Evocation of the Ancestors" that follows, short phrases are interspersed with drum rolls. The "Ritual Action of the Ancestors" begins quietly, but slowly builds to a series of climaxes before subsiding suddenly into the quiet phrases that began the episode.
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
The final transition introduces the "Sacrificial Dance". This is written as a more disciplined ritual than the extravagant dance that ended Part I, though it contains some wild moments, with the large percussion section of the orchestra given full voice. Stravinsky had difficulties with this section, especially with the final bars that conclude the work. The abrupt ending displeased several critics, one of whom wrote that the music "suddenly falls over on its side". Stravinsky himself referred to the final chord disparagingly as "a noise", but in his various attempts to amend or rewrite the section, was unable to produce a more acceptable solution.
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【Influence and adaptations】
The music historian Donald Jay Grout has written: "The Sacre is undoubtedly the most famous composition of the early 20th century ... it had the effect of an explosion that so scattered the elements of musical language that they could never again be put together as before". The academic and critic Jan Smaczny, echoing Bernstein, calls it one of the 20th century's most influential compositions, providing "endless stimulation for performers and listeners". Taruskin writes that "one of the marks of The Rite's unique status is the number of books that have been devoted to it—certainly a greater number than have been devoted to any other ballet, possibly to any other individual musical composition ..." According to Kelly the 1913 premiere might be considered "the most important single moment in the history of 20th-century music", and its repercussions continue to reverberate in the 21st century. Ross has described The Rite as a prophetic work, presaging the "second avant-garde" era in classical composition—music of the body rather than of the mind, in which "[m]elodies would follow the patterns of speech; rhythms would match the energy of dance ... sonorities would have the hardness of life as it is really lived". The work is regarded as among the first examples of modernism in music.
Among 20th-century composers most influenced by The Rite is Stravinsky's near contemporary, Edgard Varèse, who had attended the 1913 premiere. Varèse, according to Ross, was particularly drawn to the "cruel harmonies and stimulating rhythms" of The Rite, which he employed to full effect in his concert work Amériques (1921), scored for a massive orchestra with added sound effects including a lion's roar and a wailing siren. Aaron Copland, to whom Stravinsky was a particular inspiration in the former's student days, considered The Rite a masterpiece that had created "the decade of the displaced accent and the polytonal chord". Copland adopted Stravinsky's technique of composing in small sections which he then shuffled and rearranged, rather than working through from beginning to end. Ross cites the music of Copland's ballet Billy the Kid as coming directly from the "Spring Rounds" section of The Rite. For Olivier Messiaen The Rite was of special significance; he constantly analysed and expounded on the work, which gave him an enduring model for rhythmic drive and assembly of material. Stravinsky was sceptical about over-intellectual analysis of the work. "The man has found reasons for every note and that the clarinet line in page 3 is the inverted counterpoint of the horn in page 19. I never thought about that", he allegedly replied to Michel Legrand when asked about Pierre Boulez's take on the matter.
After the premiere the writer Léon Vallas opined that Stravinsky had written music 30 years ahead of its time, suitable to be heard in 1940. Coincidentally, it was in that year that Walt Disney released Fantasia, an animated feature film using music from The Rite and other classical compositions, conducted by Stokowski. The Rite segment of the film depicted the Earth's prehistory, with the creation of life, leading to the extinction of the dinosaurs as the finale. Among those impressed by the film was Gunther Schuller, later a composer, conductor and jazz scholar. The Rite of Spring sequence, he says, overwhelmed him and determined his future career in music: "I hope [Stravinsky] appreciated that hundreds—perhaps thousands—of musicians were turned onto The Rite of Spring ... through Fantasia, musicians who might otherwise never have heard the work, or at least not until many years later". In later life Stravinsky claimed distaste for the adaptation, though as Ross remarks, he said nothing critical at the time; according to Ross, the composer Paul Hindemith observed that "Igor appears to love it".
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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『春の祭典』（フランス語：Le Sacre du printemps）は、ロシアの作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキーによるバレエおよびオーケストラ・コンサート作品。 振付はヴァスラフ・ニジンスキー、舞台美術と衣装はニコラス・ローリヒが担当した。 1913年5月29日にシャンゼリゼ劇場で初演されると、その音楽と振付の前衛性はセンセーションを巻き起こした。 初日の反響を「暴動」あるいは「暴動に近い」と呼ぶ人も多いが、このような表現が使われるようになったのは、それから10年以上経った1924年の後期公演のレビューからである。 登場人物やアクションに付随する特定のパッセージがあるなど、舞台用の作品として設計されたものの、音楽は演奏会用作品として同等かそれ以上の評価を得ており、20世紀で最も影響力のある音楽作品のひとつと広く考えられている。
ディアギレフがバレエ・リュスのためにストラヴィンスキーを起用したとき、ストラヴィンスキーはまだ若く、ほとんど無名の作曲家だった。 春の祭典』は、高い評価を得た『火の鳥』（1910年）、『ペトルーシュカ』（1911年）に続く3作目の大プロジェクトだった。 春の祭典』のコンセプトは、ストラヴィンスキーの大まかな構想からロエリッチが発展させたもので、副題の「異教徒ロシアの絵2部構成」が示唆している。シナリオは、春の到来を祝う様々な原始的儀式を描いた後、生け贄として選ばれた少女が踊り狂うというもの。 初演の批評家の評価は散々で、ロンドン公演も短期間行われた後、このバレエが再演されるのは1920年代になってからである。 マシーヌの振付は、世界の一流振付家による斬新な演出の先駆けとなり、ニジンスキーは世界的に受け入れられた。 1980年代には、長い間失われたと思われていたニジンスキーのオリジナルの振付が、ロサンゼルスのジョフリー・バレエ団によって復元された。
ストラヴィンスキーの楽譜には、調性、拍子、リズム、ストレス、不協和音の実験など、当時としては斬新な特徴が数多く含まれている。 分析者たちは、ストラヴィンスキーが否定しがちであったロシアの民族音楽との関係が、この楽譜に顕著に見られると指摘している。 最初のモダニズム作品とされ、20世紀を代表する作曲家の多くに影響を与え、クラシックのレパートリーの中でも最も多く録音されている作品のひとつである。
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【音楽】
《》一般的性格
1920年、ポール・ローゼンフェルドは、「エンジンのリズムで鼓動し、スクリューやフライホイールのように渦巻き、労働する金属のように挽かれ、悲鳴を上げる」と書いている。 より最近の分析では、ニューヨーク・タイムズ紙の批評家ドーナル・ヘナハンが、「金管楽器が唸るような和音を響かせ、ティンパニが雷鳴を轟かせている」と言及している。 作曲家のジュリアス・ハリソンは、この作品のユニークさを否定的に認めている。それは、ストラヴィンスキーの「音楽がこの何世紀にもわたって耐えてきたすべてのものに対する嫌悪......すべての人間の努力と進歩が、醜悪な音のために一掃されようとしている」ことを示している。
火の鳥』で、ストラヴィンスキーはビットナリティ（2つの異なる調を同時に使うこと）の実験を始めていた。 彼は『ペトルーシュカ』でこの技法をさらに推し進めたが、分析家E.W.ホワイトが説明するように、『儀式』ではその効果を最大限に発揮させ、「論理的な結論まで（それを）推し進めた」。 ホワイトはまた、二重拍子と三重拍子が組み合わされ、強力な不規則拍子が強力な打楽器によって強調されるという、この音楽の複雑な計量的性格も観察している。 音楽評論家のアレックス・ロスは、ストラヴィンスキーがロシアの伝統的な民俗的素材を楽譜に適応させ、吸収した不規則な過程についてこう述べている。 彼は「それらを動機の断片に粉砕し、何層にも積み上げ、立方主義的なコラージュやモンタージュに組み立て直した」。
作品時間は約35分。
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《》楽器編成
スコアは、以下の楽器で構成される大編成のオーケストラを想定している：
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-《》木管楽器
1ピッコロ
フルート3（3番は2番ピッコロを兼ねる）
アルトフルート1本
オーボエ4（第2コル・アングレの第4倍音）
コル・アングレ1本
クラリネット3本（B♭とA）（第3ダブルス・セカンド・バスクラリネット
クラリネット1（E♭とD
1バスクラリネット
ファゴット4本（第4ダブルス・セカンド・コントラファゴット）
1 コントラファゴット
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-《》金管楽器
ホルン8本（テナー・ワグネル・チューバを第7、第8に兼ねる）
ピッコロトランペットD 1本
トランペット4本（C）（第4倍バス・トランペット（E♭）)
トロンボーン3本
2バス・チューバ
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-《》打楽器
ティンパニ5本（2人必要）
バスドラム
タムタム
トライアングル
タンバリン
シンバル
A♭とB♭のアンティーク・シンバル
ギュイロ
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-《》弦楽器
ヴァイオリン I、II
ヴィオラ
チェロ
コントラバス
大編成のオーケストラであるにもかかわらず、楽譜の多くは室内楽風に書かれており、個々の楽器や小グループが明確な役割を担っている。
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《》第1部：大地の賛美
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
冒頭の旋律は、ファゴットが非常に高い音域で独奏する。 ヒルによれば、「恍惚とした花が咲き乱れるように」、音は高まり、突然止まる。 そして、冒頭のファゴットのソロが、今度は半音低い音で繰り返される。
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
最初の舞曲「春の前触れ」は、ホルンと弦楽器が、変ホ長調の三和音に変ホ長調のドミナント7を重ねた和音、すなわち変ホ長調、変ホ長調、変ホ長調を反復する和音を特徴とする。 ホワイトは、ストラヴィンスキーが作品全体の焦点と考えていたこのビトーンの組み合わせは、ピアノで考案されたと示唆している。 スタンピングのリズムは、ストラヴィンスキーがアクセントをビートに合わせたり外したりしながら絶え間なく変化させることによって乱され、やがて疲労困憊したかのように踊り終わる。 アレックス・ロスは、このパターン（斜体＝リズムのアクセント）を次のように要約している：
1
2345678...
ロジャー・ニコルズによれば、「一見したところ、スタンピング・コードへのアクセントの配分にはパターンがないように見える。 第1小節の最初のクァーバーを自然なアクセントとすると、最初のアウトバーストには次のようなクァーバーのグループがある： 9、2、6、3、4、5、3。しかし、これらの一見ランダムな数字は、2つのグループに分けると意味をなす：
9643
235
明らかに、上のラインは減少し、下のラインは増加している。 しかし、2つの異なるリズムの "秩序 "が互いに干渉し合い、見かけ上の混沌を生み出す方法は...典型的なストラヴィンスキー的発想である。"
続く "Ritual of Abduction"（誘拐の儀式）は、ヒルによって "最も恐ろしい音楽狩り "と表現されている。 この曲は、フルートのトリルの連打で締めくくられ、「春の巡礼」の幕開けを告げる。この曲では、ゆっくりとした労作的な主題が、徐々に不協和なフォルティッシモへと上昇し、このエピソードの主要曲の「おぞましい戯画」となっている。
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
金管楽器と打楽器が優勢になり、"Ritual of the Rival Tribes "が始まる。 テナーチューバとバスチューバによる曲が現れ、繰り返された後、賢者の行列の入場に至る。 その後、賢者が大地を祝福すると、音楽は事実上停止し、「色彩から解放された」（ヒル）状態になる。 そして「大地の踊り」が始まり、ヒルが「鈍く、残忍な切断」と表現するような、突然打ち切られる最大限の活力を持った一連のフレーズで第1部が幕を閉じる。
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《》第二部：生贄
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
第II部は、前部よりもまとまりがある。 ヒルは、序奏の冒頭から最後の舞曲の終結まで、弧を描くように音楽が展開すると表現している。 序奏では木管楽器とミュート・トランペットが目立ち、弦楽器とフルートによるカデンツの上昇で終わる。 神秘の輪」への移行はほとんど気づかないほどで、この部分の主要主題は序奏で予告されている。 ベルガーが招集になぞらえた大音量の反復和音が、犠牲者を選ぶ瞬間を告げる。 選ばれし者の栄光」は短く激しい。続く「祖先の喚起」では、短いフレーズにドラムロールが挟まれる。 祖先の儀式」は静かに始まるが、ゆっくりとクライマックスを重ね、突然、エピソードの始まりである静かなフレーズに落ち着く。
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
最後のトランジションは「犠牲の踊り」を導入する。 これは、オーケストラの大きな打楽器セクションがフルボイスで演奏されるなど、荒々しい瞬間もあるが、第1部の最後を飾った贅沢な踊りよりも規律正しい儀式として書かれている。 ストラヴィンスキーはこの部分、特に作品を締めくくる最後の小節に難色を示した。 ある批評家は、音楽が「突然横倒しになった」と書いている。 ストラヴィンスキー自身は、最後の和音を「雑音」と軽蔑的に呼んだが、この部分を修正したり書き直したりするさまざまな試みの中で、より受け入れやすい解決策を生み出すことはできなかった。
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【影響と翻案】
音楽史家のドナルド・ジェイ・グラウトはこう書いている： 「サクレは、間違いなく20世紀初頭の最も有名な作曲である......それは、音楽言語の要素を散乱させ、二度と以前のようにまとめることができないような爆発の効果をもたらした」。 学者で批評家のヤン・スマツニーは、バーンスタインと同じように、この曲を20世紀で最も影響力のある曲のひとつと呼び、「演奏家と聴き手に無限の刺激」を与えている。 タルスキンは、「『儀式』のユニークな地位の証のひとつは、この作品に捧げられた本の数であり、それは確かに、他のどのバレエ作品にも、おそらく他のどの楽曲にも捧げられた数よりも多い」と書いている。 ケリーによれば、1913年の初演は「20世紀の音楽史上、最も重要な瞬間」であり、その反響は21世紀になっても続いている。 ロスは、《儀式》を予言的な作品であり、クラシックの作曲における「第二の前衛」の時代、つまり、「メロディーが会話のパターンに従うものであり、リズムがダンスのエネルギーに一致するものであり、ソノリティが実際に生きているような人生の硬さを持つもの」である、心の音楽ではなく身体の音楽を予言するものであると評している。 この作品は、音楽におけるモダニズムの最初の例のひとつとみなされている。
20世紀の作曲家の中で最も影響を受けたのは、ストラヴィンスキーとほぼ同時代のエドガール・ヴァレーズで、彼は1913年の初演に参加している。 ロスによれば、ヴァレーズは『儀式』の「残酷なハーモニーと刺激的なリズム」に特に惹かれ、ライオンの咆哮や泣き叫ぶサイレンなどの効果音を加えた大編成のオーケストラのための演奏会用作品『Amériques』（1921年）でその効果を存分に発揮した。 アーロン・コープランドは、ストラヴィンスキーが学生時代に特に影響を受けた作曲家であり、「変位アクセントと多音和音の10年」を生み出した傑作として『儀式』を挙げている。 コープランドは、ストラヴィンスキーの技法を取り入れ、最初から最後まで作曲するのではなく、小部分に分けて作曲し、それをシャッフルしたり並べ替えたりした。 ロスは、コープランドのバレエ『ビリー・ザ・キッド』の音楽が、『儀式』の「春の巡り」の部分から直接来ていることを挙げている。 オリヴィエ・メシアンにとって『儀式』は特別な意味を持っていた。彼は常にこの作品を分析し、解説し、リズムの推進力と素材の組み立てに関する不朽のモデルを与えた。 ストラヴィンスキーは、知的すぎる作品分析には懐疑的だった。 「あの男は、すべての音符に理由を見つけて、3ページのクラリネットの線が19ページのホルンの逆対位法であると言っている。 ピエール・ブーレーズの見解について尋ねられたとき、彼はミシェル・ルグランにこう答えたと言われている。
初演後、作家のレオン・ヴァラスは、ストラヴィンスキーは1940年に聴くのにふさわしい、30年先を行く音楽を書いたと評した。 奇しくもこの年、ウォルト・ディズニーがストコフスキー指揮のもと、『儀式』やその他のクラシック楽曲の音楽を使用した長編アニメーション映画『ファンタジア』を公開した。 ファンタジア』では、生命の誕生から恐竜の絶滅に至る地球の先史時代がフィナーレとして描かれた。 この映画に感銘を受けた人の中には、後に作曲家、指揮者、ジャズ研究家として活躍するグンター・シューラーもいた。 ストラヴィンスキーは、『ファンタジア』を通じて、何百、何千という音楽家たちが『春の祭典』を聴くようになったことを感謝している。 後年、ストラヴィンスキーはこの作品に嫌悪感を示したが、ロスが指摘するように、当時は批判的なことは何も言わなかった。
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1.ストラヴィンスキー バレエ音楽「春の祭典」について
1.3 Wikipedia RU(ロシア版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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ストラヴィンスキー「聖なる春 (春の祭典)」
Весна священная
Wikipedia RU(ロシア版) URL> https://ru.m.wikipedia.org/wiki/Весна_священная
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«Весна́ свяще́нная» (фр. Le Sacre du printemps) — балет русского композитора Игоря Стравинского, премьера которого состоялась 29 мая 1913 года в театре Елисейских Полей в Париже, в рамках Русских сезонов. Автор декораций, костюмов, либретто — Николай Рерих, хореограф — Вацлав Нижинский, импресарио — Сергей Дягилев.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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『聖なる春 (春の祭典)』（フランス語：Le Sacre du printemps）は、ロシアの作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキーによるバレエで、1913年5月29日にパリのシャンゼリゼ劇場でロシアの四季の一環として初演された。舞台装置、衣装、台本の作者はニコライ・ローリヒ、振付師はヴァツラフ・ニジンスキー、興行主はセルゲイ・ディアギレフ。
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2. 作曲者：ストラヴィンスキー について
2.1 Wikipedia RU(ロシア版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Стравинский, Игорь Фёдорович (Igor Stravinsky)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Igor_Stravinsky
Wikipedia RU(ロシア版) URL> https://ru.m.wikipedia.org/wiki/Стравинский,_Игорь_Фёдорович
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И́горь Фёдорович Страви́нский (5 [17] июня 1882, Ораниенбаум, Санкт-Петербургская губерния — 6 апреля 1971, Нью-Йорк) — русский композитор. Гражданин Франции (1934) и США (1945). Один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века. Музыку Стравинского отличает стилистическое многообразие: в первом периоде творчества (наиболее репертуарные его сочинения) она несёт яркий отпечаток русской культурной традиции. Стилистика позднейших сочинений выдаёт, среди прочего, влияние неоклассицизма и додекафонии Новой венской школы.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
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イーゴリ・フョードロヴィチ・ストラヴィンスキー（Igor Fyodorovich Stravinsky、1882年6月5日[17日]、サンクトペテルブルク州オラニェンバウム - 1971年4月6日、ニューヨーク）は、ロシアの作曲家。 フランス（1934年）とアメリカ（1945年）の国籍を持つ。 20世紀の世界の音楽文化を代表する偉大な作曲家の一人。 ストラヴィンスキーの音楽は、様式の多様性を特徴としている。創作の初期（最もレパートリーの多い作品）には、ロシア文化の伝統が色濃く反映されている。 後期の作品には、新古典主義や新ウィーン楽派のドデカフォニーの影響が見られる。
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2. 作曲者：ストラヴィンスキーについて
2.2 ストラヴィンスキーの作品一覧へのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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List of compositions by Igor Stravinsky
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Igor_Stravinsky
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3. 指揮者：ブーレーズ について
3.1 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Pierre Boulez
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.wikipedia.org/wiki/Pierre_Boulez
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Pierre Louis Joseph Boulez (French: [pjɛʁ lwi ʒozεf bulɛz]; 26 March 1925 – 5 January 2016) was a French composer, conductor and writer, and the founder of several musical institutions. He was one of the dominant figures of post-war contemporary classical music.
Born in Montbrison, in the Loire department of France, the son of an engineer, Boulez studied at the Conservatoire de Paris with Olivier Messiaen, and privately with Andrée Vaurabourg and René Leibowitz. He began his professional career in the late 1940s as music director of the Renaud-Barrault theatre company in Paris. He was a leading figure in avant-garde music, playing an important role in the development of integral serialism in the 1950s, controlled chance music in the 1960s and the electronic transformation of instrumental music in real time from the 1970s onwards. His tendency to revise earlier compositions meant that his body of work was relatively small, but it included pieces considered landmarks of twentieth-century music, such as Le Marteau sans maître, Pli selon pli and Répons. His uncompromising commitment to modernism and the trenchant, polemical tone in which he expressed his views on music led some to criticise him as a dogmatist.
Boulez was also one of the most prominent conductors of his generation. In a career lasting more than sixty years, he was music director of the New York Philharmonic, chief conductor of the BBC Symphony Orchestra and principal guest conductor of the Chicago Symphony Orchestra and the Cleveland Orchestra. He made frequent appearances with many other orchestras, including the Vienna Philharmonic and the Berlin Philharmonic. He was known for his performances of the music of the first half of the twentieth century—including Debussy and Ravel, Stravinsky and Bartók, and the Second Viennese School—as well as that of his contemporaries, such as Ligeti, Berio and Carter. His work in the opera house included the production of Wagner's Ring cycle for the centenary of the Bayreuth Festival, and the world premiere of the three-act version of Berg's opera Lulu. His recorded legacy is extensive.
He also founded several musical institutions. In Paris he set up the Domaine musical in the 1950s to promote new music; in the 1970s he established the Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique (IRCAM), to foster research and innovation in music, and the Ensemble intercontemporain, a chamber orchestra specialising in contemporary music. Later he co-founded the Cité de la musique, a concert hall, museum and library dedicated to music in the Parc de la Villette in Paris and, in Switzerland, the Lucerne Festival Academy, an international orchestra of young musicians, with which he gave first performances of many new works.
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ピエール・ルイ・ジョゼフ・ブーレーズ（仏: [pj% lwi ɛ%]; 1925年3月26日 - 2016年1月5日）は、フランスの作曲家、指揮者、作家であり、いくつかの音楽団体の創設者でもある。 戦後の現代クラシック音楽を代表する人物の一人。
エンジニアの息子としてフランスのロワール県モンブリゾンに生まれたブーレーズは、パリ国立高等音楽院でオリヴィエ・メシアンに師事し、個人的にはアンドレ・ヴォラブールとルネ・ライボヴィッツに師事した。 1940年代後半、パリのルノー＝バロー劇団の音楽監督としてプロとしてのキャリアをスタート。 前衛音楽の第一人者であり、1950年代のインテグラル・シリアリズム、1960年代のコントロールされたチャンス・ミュージック、1970年代以降の器楽曲のリアルタイム電子音楽化において重要な役割を果たした。 初期の作品を改訂する傾向があったため、彼の作品数は比較的少なかったが、その中には『Le Marteau sans maître』、『Pli selon pli』、『Répons』など、20世紀音楽のランドマークとされる作品が含まれている。 モダニズムへの妥協を許さない姿勢と、辛辣で極論的な口調で音楽に対する見解を述べたことから、彼を教条主義者と批判する向きもあった。
ブーレーズはまた、同世代で最も著名な指揮者の一人でもあった。 ニューヨーク・フィルハーモニックの音楽監督、BBC交響楽団の首席指揮者、シカゴ交響楽団とクリーヴランド管弦楽団の首席客演指揮者などを歴任し、60年以上のキャリアを持つ。 また、ウィーン・フィルやベルリン・フィルなど多くのオーケストラとも頻繁に共演した。 ドビュッシー、ラヴェル、ストラヴィンスキー、バルトーク、第2ウィーン楽派など20世紀前半の音楽と、リゲティ、ベリオ、カーターなど同時代の音楽の演奏で知られる。 オペラでは、バイロイト音楽祭100周年記念でワーグナーの「リング」シリーズをプロデュースしたほか、ベルクのオペラ「ルル」の3幕版を世界初演した。 彼の録音遺産は多岐にわたる。
彼はまた、いくつかの音楽団体を設立した。 1950年代にはパリにドメーヌ・ミュージカルを設立し、新しい音楽の振興に努め、1970年代には音楽の研究と革新を促進するために音響・音楽研究所（IRCAM）、現代音楽を専門とする室内管弦楽団アンサンブル・アンテルコンタンポランを設立した。 その後、パリのヴィレット公園内に音楽専門のコンサートホール、美術館、図書館であるシテ・ド・ラ・ミュジックを共同設立し、スイスでは若手音楽家による国際オーケストラ、ルツェルン・フェスティバル・アカデミーを設立した。
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