ラジオ生活：クラシックカフェ ガーシュウィン「ラプソディー・イン・ブルー」

聞き逃しサービス 2024/02/27 放送 (2023/03/14の再放送)
クラシックカフェ
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「ラプソディー・イン・ブルー」
作曲: George Gershwin
編曲： グロフェ
小曽根真(ピアノ)
ニューヨーク・フィルハーモニック(管弦楽)
アラン・ギルバート(指揮)
（23分32秒）
[2017年ライブ録音版]
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開始より03分35秒頃 (終了より１時間46分25秒前頃)
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配信終了 2024/03/05 15:50

　（すでに配信終了してます）

番組情報

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ガーシュウィン ラプソディー・イン・ブルー - Google 検索

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ジョージ・ガーシュウィン『ラプソディ・イン・ブルー』
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/ラプソディ・イン・ブルー

ラプソディ・イン・ブルー - Wikipedia

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『ラプソディ・イン・ブルー』（Rhapsody in Blue）は、アメリカの作曲家ジョージ・ガーシュウィンが作曲、ファーディ・グローフェが編曲したピアノ独奏と管弦楽のための音楽作品である。
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〜［上記wikipediaより抜粋］


『ラプソディ・イン・ブルー』
Rhapsody in Blue
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Rhapsody_in_Blue

Rhapsody in Blue - Wikipedia

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　Rhapsody in Blue is a 1924 musical composition written by George Gershwin for solo piano and jazz band, which combines elements of classical music with jazz-influenced effects. Commissioned by bandleader Paul Whiteman, the work premiered in a concert titled "An Experiment in Modern Music" on February 12, 1924, in Aeolian Hall, New York City. Whiteman's band performed the rhapsody with Gershwin playing the piano. Whiteman's arranger Ferde Grofé orchestrated the rhapsody several times including the 1924 original scoring, the 1926 pit orchestra scoring, and the 1942 symphonic scoring.
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【Form and analysis】
　As a jazz concerto, Rhapsody in Blue is written for solo piano with orchestra. A rhapsody differs from a concerto in that it features one extended movement instead of separate movements. Rhapsodies often incorporate passages of an improvisational nature—although written out in a score—and are irregular in form, with heightened contrasts and emotional exuberance. The music ranges from intensely rhythmic piano solos to slow, broad, and richly orchestrated sections. Consequently, the Rhapsody "may be looked upon as a fantasia, with no strict fidelity to form."

　The opening of Rhapsody in Blue is written as a clarinet trill followed by a legato, 17 notes in a diatonic scale. During a rehearsal, Whiteman's virtuoso clarinetist, Ross Gorman, rendered the upper portion of the scale as a captivating and trombone-like glissando. Gershwin heard it and insisted that it be repeated in the performance. The effect is produced using the tongue and throat muscles to change the resonance of the oral cavity, thus controlling the continuously rising pitch. Many clarinet players gradually open the left-hand tone holes on their instrument during the passage from the last concert F to the top concert B♭ as well. This effect has now become standard performance practice for the work.

　Rhapsody in Blue features both rhythmic invention and melodic inspiration, and demonstrates Gershwin's ability to write a piece with large-scale harmonic and melodic structure. The piece is characterized by strong motivic inter-relatedness. Much of the motivic material is introduced in the first 14 measures. Musicologist David Schiff has identified five major themes plus a sixth "tag". Two themes appear in the first 14 measures, and the tag shows up in measure 19. Two of the remaining three themes are rhythmically related to the first theme in measure 2, which is sometimes called the "Glissando theme"—after the opening glissando in the clarinet solo—or the "Ritornello theme". The remaining theme is the "Train theme", which is the first to appear at rehearsal 9 after the opening material. All of these themes rely on the blues scale, which includes lowered sevenths and a mixture of major and minor thirds. Each theme appears both in orchestrated form and as a piano solo. There are considerable differences in the style of presentation of each theme.

　The harmonic structure of the rhapsody is more difficult to analyze. The piece begins and ends in B♭ major, but it modulates towards the sub-dominant direction and abruptly returns to B♭ major at the end. The opening modulates "downward" through the keys B♭, E♭, A♭, D♭, G♭, B, E, and finally to A major. Modulation through the circle of fifths in the reverse direction inverts classical tonal relationships, but does not abandon them. The entire middle section resides primarily in C major, with forays into G major (the dominant relation). Such modulations occur freely, although not always with harmonic direction. Gershwin frequently uses a recursive harmonic progression of minor thirds to give the illusion of motion when in fact a passage does not change key from beginning to end. Modulation by thirds is a common feature of Tin Pan Alley music.

　The influences of jazz and other contemporary styles are present in Rhapsody in Blue. Ragtime rhythms are abundant, as is the Cuban "clave" rhythm, which doubles as a dance rhythm in the Charleston jazz dance. Gershwin's own intentions were to correct the belief that jazz had to be played strictly in time so that one could dance to it. The rhapsody's tempos vary widely, and there is an almost extreme use of rubato in many places throughout. The clearest influence of jazz is the use of blue notes, and the exploration of their half-step relationship plays a key role in the rhapsody. The use of so-called "vernacular" instruments, such as accordion, banjo, and saxophones in the orchestra, contribute to its jazz or popular style, and the latter two of these instruments have remained part of Grofé's "standard" orchestra scoring.

　Gershwin incorporated different piano styles into his work. He used the techniques of stride piano, novelty piano, comic piano, and the song-plugger piano style. Stride piano's rhythmic and improvisational style is evident in the "agitato e misterioso" section, which begins four bars after rehearsal 33, as well as in other sections, many of which include the orchestra.[100] Novelty piano can be heard at rehearsal 9 with the revelation of the Train theme. The hesitations and light-hearted style of comic piano, a vaudeville approach to piano made well known by Chico Marx, are evident at rehearsal 22.
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　ラプソディ・イン・ブルーは、1924年にジョージ・ガーシュウィンがソロ・ピアノとジャズ・バンドのために書いた楽曲で、クラシック音楽の要素とジャズに影響を受けた効果が組み合わされている。バンドリーダーのポール・ホワイトマンの委嘱により、1924年2月12日にニューヨークのエオリアンホールで行われた「An Experiment in Modern Music」と題されたコンサートで初演された。ホワイトマンのバンドは、ガーシュウィンのピアノ演奏でこの狂詩曲を演奏した。ホワイトマンの編曲者フェルデ・グローフェは、1924年のオリジナル楽譜、1926年のピット・オーケストラ楽譜、1942年の交響楽譜を含め、この狂詩曲を何度もオーケストレーションした。
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【形式と分析】
　ジャズ協奏曲として、ラプソディー・イン・ブルーはオーケストラとピアノ独奏のために書かれている。ラプソディーは、楽譜には書かれているが、即興的な性質を持つパッセージが組み込まれていることが多く、不規則な形式で、高められたコントラストと感情的な高揚感を持つ。音楽は、激しくリズミカルなピアノ・ソロから、ゆっくり、幅広く、豊かにオーケストレーションされた部分まで多岐にわたる。その結果、この狂詩曲は "形式への厳格な忠実さを欠いたファンタジアと見ることもできる"。

　ラプソディ・イン・ブルーの冒頭は、クラリネットのトリルに続くレガート、ダイアトニック・スケールの17音で書かれている。リハーサルの際、ホワイトマンの名クラリネット奏者ロス・ゴーマンは、音階の上部をトロンボーンのような魅惑的なグリッサンドとして表現した。それを聴いたガーシュウィンは、本番でも繰り返すよう主張した。この効果は、舌と喉の筋肉を使って口腔の共鳴を変化させ、連続的に上昇する音程をコントロールすることで生み出される。多くのクラリネット奏者は、最後のコンサートFから一番上のコンサートB♭へのパッセージでも、楽器の左手のトーンホールを徐々に開いていく。この効果は、現在ではこの作品の標準的な演奏方法となっている。

　ラプソディー・イン・ブルーは、リズムの発明とメロディーのインスピレーションの両方を特徴とし、大規模な和声と旋律の構造を持つ曲を書くガーシュウィンの能力を示している。この曲の特徴は、動機の強い相互関連性である。動機の多くは最初の14小節で導入される。音楽学者のデイヴィッド・シフは、5つの主要主題と6番目の「タグ」を特定した。つの主題は最初の14小節に現れ、タグは19小節に現れる。残りの3つの主題のうち2つは、2小節目の最初の主題とリズム的に関連しており、クラリネット・ソロの冒頭のグリッサンドにちなんで「グリッサンド主題」または「リトルネッロ主題」と呼ばれることもある。残りのテーマは "Train theme "で、リハーサル9ではオープニングの後に最初に登場する。これらのテーマはすべて、7分音符を下げ、長3と短3を混ぜたブルース・スケールに依拠している。各テーマはオーケストレーションされた形とピアノソロの両方で登場する。それぞれのテーマの表現スタイルにはかなりの違いがある。

　狂詩曲の和声構造は分析が難しい。曲は変ロ長調で始まり、変ロ長調で終わるが、サブドミナント方向に転調し、最後に突然変ロ長調に戻る。冒頭は、変ロ調、変ホ調、変イ調、変ニ調、変ト調、変ロ調、変ホ調を「下方」に転調し、最後に変イ長調に戻る。五度圏を逆向きに転調することで、古典的な調性関係を反転させるが、放棄するわけではない。中間部全体は主にハ長調にあり、ト長調（支配関係）にも入る。このような転調は、常に和声的な方向性があるわけではないが、自由に起こる。ガーシュウィンは、実際には最初から最後まで調が変わらないパッセージに、動きのある錯覚を与えるために、短3度による再帰的な和声進行を頻繁に用いる。3度による転調は、ティン・パン・アレーの音楽によく見られる特徴である。

　『ラプソディ・イン・ブルー』には、ジャズや他の現代的なスタイルの影響が見られる。ラグタイムのリズムがふんだんに使われ、キューバの "クラーベ "のリズムも、チャールストン・ジャズ・ダンスのダンス・リズムを兼ねている。ガーシュウィン自身の意図は、ジャズは厳格な拍子で演奏されなければ踊れないという思い込みを正すことだった。この狂詩曲のテンポは大きく変化し、随所でルバートが極端に使われている。ジャズの最も明確な影響はブルー・ノートの使用であり、その半音の関係の探求がこの狂詩曲で重要な役割を果たしている。アコーディオン、バンジョー、サクソフォンなど、いわゆる "ヴァナキュラー "楽器のオーケストラでの使用は、ジャズあるいはポピュラー・スタイルに貢献しており、後者2つの楽器は、グローフェの "標準的な "オーケストラの楽譜の一部であり続けている。

　ガーシュウィンは作品にさまざまなピアノ・スタイルを取り入れた。彼はストライド・ピアノ、ノヴェルティ・ピアノ、コミック・ピアノ、ソング・プラガー・ピアノ・スタイルのテクニックを用いた。ストライド・ピアノのリズミカルで即興的なスタイルは、リハーサル33の4小節後に始まる "agitato e misterioso "セクションや、オーケストラを含む他のセクションに顕著に見られる。斬新なピアノは、リハーサル9の "Train "の主題の発露で聴くことができる。リハーサル22では、チコ・マルクスによってよく知られるようになった歌劇のピアノ・アプローチであるコミック・ピアノのためらいと軽快なスタイルが見られる。
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ジョージ・ガーシュウィン
George Gershwin
Wikipedia EN(英語版) URL>  https://en.m.wikipedia.org/wiki/George_Gershwin

George Gershwin - Wikipedia

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　George Gershwin (/ˈɡɜːrʃ.wɪn/; born Jacob Gershwine; September 26, 1898 – July 11, 1937) was an American composer and pianist whose compositions spanned popular, jazz and classical genres. Among his best-known works are the orchestral compositions Rhapsody in Blue (1924) and An American in Paris (1928), the songs "Swanee" (1919) and "Fascinating Rhythm" (1924), the jazz standards "Embraceable You" (1928) and "I Got Rhythm" (1930), and the opera Porgy and Bess (1935), which included the hit "Summertime".
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　ジョージ・ガーシュウィン（/ˈ; Jacob Gershwine, 1898年9月26日 - 1937年7月11日）は、ポピュラー、ジャズ、クラシックのジャンルに作曲を広げたアメリカの作曲家、ピアニストである。代表作には、管弦楽曲「ラプソディ・イン・ブルー」（1924年）、「パリのアメリカ人」（1928年）、歌曲「スワニー」（1919年）、「魅惑のリズム」（1924年）、ジャズ・スタンダード「抱きしめたい」（1928年）、「アイ・ガット・リズム」（1930年）、そしてヒット曲「サマータイム」を含むオペラ「ポーギーとベス」（1935年）などがある。
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ジョージ・ガーシュウィン
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/ジョージ・ガーシュウィン

ジョージ・ガーシュウィン - Wikipedia

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　ジョージ・ガーシュウィン（ガーシュインとも、George Gershwin、1898年9月26日 - 1937年7月11日）は、アメリカ合衆国の作曲家。本名、ジェイコブ・ガーショウィッツ（Jacob Gershowitz）。
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〜［上記wikipediaより抜粋。］