ラジオ生活：名演奏ライブラリー モーツァルト「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」 Piano: クララ・ハスキル
聞き逃しサービス 2024/07/14 放送
名演奏ライブラリー
研ぎ澄まされたピアニズム クララ・ハスキル ( Clara Haskil, )
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「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」
( Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491 )
[ 24. Klavierkonzert in c-Moll, KV 491 ]
作曲： モーツァルト ( Wolfgang Amadeus Mozart )
クララ・ハスキル(ピアノ)
ラムルー管弦楽団(管弦楽)
イーゴリ・マルケヴィチ(指揮)
[1960年録音版]
（29分33秒)
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開始より１時間22分18秒頃 (終了より32分42秒前頃)
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配信終了2024/07/21 10:55
（すでに配信終了してます）
番組情報
Google検索 URL> https://www.google.co.jp/search?tbm=vid&hl=ja&source=hp&biw=&bih=&q=Mozart+Piano_Concerto_No_24_K491
Bing検索 URL> https://www.bing.com/videos/search?q=Wolfgang_Amadeus_Mozart+24_Klavierkonzert_KV491
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☆★☆ モーツァルト「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」について【目次】☆★☆
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1. モーツァルト「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」について
1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
1.3 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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2. 作曲者：モーツァルト について
2.1 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
2.2 モーツァルトの作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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3. Pianist : クララ・ハスキルについて
3.1 Wikipedia RO(ルーマニア版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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<<< 以下、参照しているWikipediaなどへのリンクはそれぞれの先頭あたりで紹介してます。>>>
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1. モーツァルト「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」について
1.1 Wikipedia JA(日本版)の抜粋
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ピアノ協奏曲第24番 (モーツァルト)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/ピアノ協奏曲第24番_(モーツァルト)
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ピアノ協奏曲第24番 ハ短調 K. 491 は、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが1786年に作曲したピアノ協奏曲。モーツァルトのピアノ協奏曲の中で、短調の作品は本作と『第20番 ニ短調』（K. 466）だけである。
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【概要】
モーツァルト自身が記した作品目録によれば、本作は1786年3月24日にウィーンで作曲され、初演は同年4月7日、ウィーンのブルグ劇場で開かれたモーツァルト自身の予約音楽会で行われた。翌月の5月1日にはオペラ『フィガロの結婚』（K. 492）が初演されている。
暗く情熱的な作品であり、ニ短調のピアノ協奏曲とは違い、唯一短調で始まり短調で終わる構成となっている。アルフレート・アインシュタインによれば、ベートーヴェンはモーツァルトの曲に感嘆し、自分の曲の中で「2、3の貢物を捧げている」と述べている。
モーツァルトの弟子であるヨハン・ネポムク・フンメルは本作のカデンツァを作曲しただけでなく、ピアノ・フルート・ヴァイオリン・チェロ用の編曲を残しており、白神典子らが録音している。
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〜［上記Wikipediaより抜粋］
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1. モーツァルト「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」について
1.2 Wikipedia EN(英語版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Piano Concerto No. 24 (Mozart)
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Piano_Concerto_No._24_(Mozart)
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The Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491, is a concerto composed by Wolfgang Amadeus Mozart for keyboard (usually a piano or fortepiano) and orchestra. Mozart composed the concerto in the winter of 1785–1786, finishing it on 24 March 1786, three weeks after completing his Piano Concerto No. 23 in A major. As he intended to perform the work himself, Mozart did not write out the soloist's part in full. The premiere was in early April 1786 at the Burgtheater in Vienna. Chronologically, the work is the twentieth of Mozart's 23 original piano concertos.
The work is one of only two minor-key piano concertos that Mozart composed, the other being the No. 20 in D minor. None of Mozart's other piano concertos features a larger array of instruments: the work is scored for strings, woodwinds, horns, trumpets and timpani. The first of its three movements, Allegro, is in sonata form and is longer than any opening movement of Mozart's earlier concertos. The second movement, Larghetto, in E♭ major—the relative major of C minor—features a strikingly simple principal theme. The final movement, Allegretto, is a theme and eight variations in C minor.
The work is one of Mozart's most advanced compositions in the concerto genre. Its early admirers included Ludwig van Beethoven and Johannes Brahms. Musicologist Arthur Hutchings declared it to be, taken as a whole, Mozart's greatest piano concerto.
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【】Music
《》Overview
The concerto is divided into the following three movements:
I. Allegro in C minor, (3/4)
II. Larghetto in E♭ major, (2/2)
III. Allegretto (Variations) in C minor, (2/2), with the eighth variation and coda in (6/8)
The concerto is scored for one flute, two oboes, two clarinets, two bassoons, two horns, two trumpets, timpani and strings. This is the largest array of instruments for which Mozart composed any of his concertos.
It is one of only two of Mozart's piano concertos that are scored for both oboes and clarinets (the other, his concerto for two pianos, has clarinets only in the revised version). The clarinet was not at the time a conventional orchestral instrument. Robert D. Levin writes: "The richness of wind sonority, due to the inclusion of oboes and clarinets, is the central timbral characteristic of [the concerto]: time and again in all three movements the winds push the strings completely to the side."
The solo instrument for the concerto is scored as a "cembalo". This term often denotes a harpsichord, but in this concerto, Mozart used it as a generic term that encompassed the fortepiano, an eighteenth-century predecessor of the modern piano that among other things was more dynamically capable than the harpsichord.
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《》I. Allegro
The first movement is longer and more complex than any that Mozart had previously composed in the concerto genre. It is in 3
4; among Mozart's 27 piano concertos, No. 4 in G Major, No. 11 in F major and No. 14 in E♭ major are the only others to commence in triple metre.
The first movement follows the standard outline of a sonata form concerto movement of the Classical period. It begins with an orchestral exposition, which is followed by a solo exposition, a development section, a recapitulation, a cadenza and a coda. Within this conventional outline, Mozart engages in extensive structural innovation.
-《》Exposition
The orchestral exposition, 99 measures long, presents two groups of thematic material, one primary and one secondary, both in the tonic of C minor. The orchestra opens the principal theme in unison, but not powerfully: the dynamic marking is piano. The theme is tonally ambiguous, not asserting the home key of C minor until its final cadence in the thirteenth measure. It is also highly chromatic: in its 13 measures, it utilises all 12 notes of the chromatic scale.
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
The solo exposition follows its orchestral counterpart, and it is here that convention is discarded from the outset: the piano does not enter with the principal theme. Instead, it has an 18-measure solo passage. It is only after this passage that the principal theme appears, carried by the orchestra. The piano then picks up the theme from its seventh measure. Another departure from convention is that the solo exposition does not re-state the secondary theme from the orchestral exposition. Instead, a succession of new secondary thematic material appears. Musicologist Donald Tovey considered this introduction of new material to be "utterly subversive of the doctrine that the function of the opening tutti [the orchestral exposition] was to predict what the solo had to say."
One hundred measures into the solo exposition, which is now in the relative major of E♭, the piano plays a cadential trill, leading the orchestra from the dominant seventh to the tonic. This suggests to the listener that the solo exposition has reached an end, but Mozart instead gives the woodwinds a new theme. The exposition continues for another 60 or so measures, before another cadential trill brings about the real conclusion, prompting a ritornello that connects the exposition with the development. The pianist and musicologist Charles Rosen argues that Mozart thus created a "double exposition". Rosen also suggests that this explains why Mozart made substantial elongations to the orchestral exposition during the composition process; he needed a longer orchestral exposition to balance its "double" solo counterpart.
-《》Development
The development begins with the piano repeating its entry to the solo exposition, this time in the relative major of E♭. The Concerto No. 20 is the only other of Mozart's concertos in which the solo exposition and the development commence with the same material. In the Concerto No. 24, the material unfolds in the development in a manner different from the solo exposition: the opening solo motif, with its half cadence, is repeated four times, with one intervention from the woodwinds, as if asking question after question. The final question is asked in C minor and is answered by a descending scale from the piano that leads to an orchestral statement, in F minor, of the movement's principal theme.
The orchestral theme is then developed: the motif of the theme's fourth and fifth measures descends through the circle of fifths, accompanied by an elaborate piano figuration. After this, the development proceeds to a stormy exchange between the piano and the orchestra, which the twentieth-century Mozart scholar Cuthbert Girdlestone describes as "one of the few [occasions] in Mozart where passion seems really unchained", and which Tovey describes as a passage of "fine, severe massiveness". The exchange resolves to a passage in which the piano plays a treble line of sixteenth notes, over which the winds add echoes of the main theme. This transitional passage ultimately modulates to the home key of C minor, bringing about the start of the recapitulation with the conventional re-statement, by the orchestra, of the movement's principal theme.
-《》Recapitulation, cadenza and coda
The wide range of thematic material presented in the orchestral and solo expositions poses a challenge for the recapitulation. Mozart manages to recapitulate all of the themes in the home key of C minor. The necessarily compressed themes are presented in a different order, and in their restated form contain few virtuosic moments for the soloist. The last theme to be recapitulated is the secondary theme of the orchestral exposition, which has not been heard for some 400 measures and is now adorned by a passage of triplets from the piano. The recapitulation concludes with the piano playing arpeggiated sixteenths before a cadential trill leads into a ritornello. The ritornello in turn leads into a fermata that prompts the soloist's cadenza.
Mozart did not write down a cadenza for the movement, or at least there is no evidence of him having done so. Many later composers and performers, including Johannes Brahms, Ferruccio Busoni, Alfred Schnittke and Gabriel Fauré, have composed their own. Uniquely among Mozart's concertos, the score does not direct the soloist to end the cadenza with a cadential trill. The omission of the customary trill is likely to have been deliberate, with Mozart choosing to have the cadenza connect directly to the coda without one.
The conventional Mozartian coda concludes with an orchestral tutti and no written-out part for the soloist. In this movement, Mozart breaks with convention: the soloist interrupts the tutti with a virtuosic passage of sixteenth notes and accompanies the orchestra through to the final pianissimo C-minor chords.
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《》II. Larghetto
Alfred Einstein said of the concerto's second movement that it "moves in regions of the purest and most moving tranquility, and has a transcendent simplicity of expression". Marked Larghetto, the movement is in E♭ major and cut common time. The trumpets and timpani play no part; they return for the third movement.
The movement opens with the soloist playing the four-measure principal theme alone; it is then repeated by the orchestra.
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
This theme is, in the words of Michael Steinberg, one of "extreme simplicity". Donald Tovey refers to the fourth bar, extremely bare and lacking any ornamentation, as "naive", but considers that Mozart intended for it to be so. Mozart's first sketch of the movement was much more complex. He likely simplified the theme to provide a greater contrast with the dark intensity of the first movement. After the orchestra repeats the principal theme, there is a very simple bridge or transitional passage that Girdlestone calls "but a sketch" to be ornamented by the soloist, arguing that "to play it as printed is to betray the memory of Mozart".
Following the bridge passage, the soloist plays the initial four-measure theme for a second time, before the orchestra commences a new section of the movement, in C minor. A brief return of the principal theme, its rhythm altered, separates the C minor section from a section in A♭ major. After this new section, the principal theme returns to mark the end of the movement, its rhythm altered yet again. Now, the theme is played twice by the soloist, the two appearances being connected by the same simple bridge passage from the beginning of the movement. Girdlestone argues that here "the soloist will have to draw on his imagination to adorn [the simple bridge passage] a second time". The overall structure of the movement is thus ABACA, making the movement in rondo form.
In the middle statement of the principal theme (between the C minor and A♭ major sections), there is a notational error which, in a literal performance of the score, causes a harmonic clash between the piano and the winds. Mozart probably wrote the piano and wind parts at different times, resulting in an oversight by the composer. Alfred Brendel, who has recorded the concerto on multiple occasions, argues that performers should not follow the score literally but correct Mozart's error. Brendel further argues that the time signature for the whole movement is another notational error: played in cut common time, which calls for two beats per bar rather than four, the movement is, in his view, too fast.
The form of the movement is nearly identical to that of the second movement of Mozart's Piano Sonata in B♭ major, K. 570.
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《》III. Allegretto
The third movement features a theme in C minor followed by eight variations upon it. Hutchings considered it "both Mozart's finest essay in variation form and also his best concerto finale."
<<< Music Score omit. Refer Wikipedia. >>>
The tempo marking for the movement is Allegretto. Rosen opines that this calls for a march-like speed and argues that the movement is "generally taken too fast under the delusion that a quick tempo will give it a power commensurate with that of the opening movement." Pianist Angela Hewitt sees in the movement not a march but a "sinister dance".
The movement opens with the first violins stating the theme over a string and wind accompaniment. This theme consists of two eight-measure phrases, each repeated: the first phrase modulates from C minor to the dominant, G minor; the second phrase modulates back to C minor. The soloist does not play any part in the statement of the theme, entering only in Variation I. Here, the piano ornaments the theme over an austere string accompaniment.
Variations II to VI are what Girdlestone and Hutchings independently describe as "double" variations. Within each variation, each of the eight-measure phrases from the theme is further varied upon its repeat (AXAYBXBY). Variations IV and VI are in major keys. Tovey refers to the former (in A♭) as "cheerful" and the latter (in C) as "graceful". Between the two major-key variations, Variation V returns to C minor; Girdlestone describes this variation as "one of the most moving". Variation VII is half the length of the preceding variations, as it omits the repeat of each eight-measure phrase. This variation concludes with an extra three-measure passage that culminates in a dominant chord, announcing the arrival of a cadenza.
After the cadenza, the soloist opens the eighth and final variation alone, with the orchestra joining after 19 measures. The arrival of the final variation also brings a change in metre: from cut common time to compound duple time. Both the final variation and the coda which follows contain numerous neapolitan-sixth chords. Girdlestone referred to the "haunting" effect of these chords and stated that the coda ultimately "proclaims with desperation the triumph of the minor mode".
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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ピアノ協奏曲第24番ハ短調K.491は、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが鍵盤楽器（通常はピアノまたはフォルテピアノ）と管弦楽のために作曲した協奏曲である。 モーツァルトはこの協奏曲を1785年から1786年の冬に作曲し、ピアノ協奏曲第23番イ長調を完成させた3週間後の1786年3月24日に完成させた。 モーツァルトはこの作品を自ら演奏するつもりであったため、ソリストのパートを完全に書き上げることはしなかった。 初演は1786年4月初旬、ウィーンのブルク劇場で行われた。 時系列的には、モーツァルトが作曲した23曲のピアノ協奏曲のうち20番目にあたる。
モーツァルトが作曲した2曲しかない短調のピアノ協奏曲のうちの1曲で、もう1曲は第20番ニ短調である。 弦楽器、木管楽器、ホルン、トランペット、ティンパニのために書かれている。 弦楽器、木管楽器、ホルン、トランペット、ティンパニで構成されている。3楽章のうち第1楽章のアレグロはソナタ形式で、モーツァルトの初期の協奏曲のどの冒頭楽章よりも長い。 第2楽章のラルゲットは変ホ長調で、ハ短調の相対的長調である。 終楽章のアレグレットはハ短調の主題と8つの変奏。
この作品は、モーツァルトの協奏曲のジャンルの中で最も先進的な作品のひとつである。 初期の愛好者にはルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンやヨハネス・ブラームスなどがいる。 音楽学者アーサー・ハッチングスは、全体としてモーツァルトの最も偉大なピアノ協奏曲であると断言している。
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【音楽】
《》概要
協奏曲は次の3つの楽章に分かれている：
I. アレグロ ハ短調 (3/4)
II. ラルゲット 変ホ長調 (2/2)
III. アレグレット（変奏曲）ハ短調、(2/2)、第8変奏とコーダは(6/8)
フルート1、オーボエ2、クラリネット2、ファゴット2、ホルン2、トランペット2、ティンパニ、弦楽器のための協奏曲。 これは、モーツァルトが作曲した協奏曲の中で最も多くの楽器のために書かれたものである。
モーツァルトのピアノ協奏曲の中で、オーボエとクラリネットの両方のために採譜されている2曲のうちの1曲である（もう1曲の2台ピアノのための協奏曲は、改訂版ではクラリネットのみ）。 クラリネットは当時、オーケストラの楽器としては一般的ではなかった。 ロバート・D・レヴィンは、「オーボエとクラリネットを含むことによる管楽器の豊かなソノリティが、（協奏曲の）中心的な音色的特徴である。
協奏曲の独奏楽器は「チェンバロ」として採譜されている。 チェンバロとはチェンバロを意味することが多いが、この協奏曲では、モーツァルトはフォルテピアノ（18世紀の現代ピアノの前身。
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《》I. アレグロ
第1楽章は、モーツァルトがそれまで協奏曲というジャンルで作曲してきたどの楽章よりも長く、複雑である。
モーツァルトの27曲のピアノ協奏曲の中で、3拍子で始まるのは第4番ト長調、第11番ヘ長調、第14番変ホ長調だけである。
第1楽章は、古典派のソナタ形式協奏曲の楽章の標準的なアウトラインに従っている。 管弦楽の序奏で始まり、独奏の序奏、展開部、再現部、カデンツァ、コーダと続く。 このオーソドックスなアウトラインの中で、モーツァルトは広範な構造革新に取り組んでいる。
-《》エクスポジション
99小節からなる管弦楽のエクスポジションは、ハ短調のトニックで、第1主題と第2主題の2つの主題群を提示する。 オーケストラは主要主題をユニゾンで始めるが、力強くはない。 この主題は調性的に曖昧で、13小節目の最後のカデンツまでハ短調を主張しない。 また、半音階的な要素が強く、13小節で半音階の12音すべてが使われている。
<<<楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
独奏曲は管弦楽曲に続くもので、ここでは最初から慣習が捨て去られている。 その代わり、18小節のソロのパッセージがある。 このパッセージが終わって初めて、主テーマがオーケストラに乗せられて登場する。 そして、ピアノはその7小節目から主題を取り上げる。 もうひとつの慣例からの逸脱は、ソロの序奏が、オーケストラの序奏の副次主題を再提示しないことである。 その代わりに、新しい副次的主題が次々と現れる。 音楽学者のドナルド・トービーは、この新しい素材の導入を「冒頭のトゥッティ（管弦楽の序奏）の機能は、ソロが何を言わなければならないかを予測することであったという教義を完全に覆すもの」であると考えた。
変ホ長調の相対長調となった独奏の100小節目、ピアノはカデンシャル・トリルを奏し、オーケストラをドミナント7からトニックへと導く。 これは、聴き手に独奏の終結を暗示するが、モーツァルトは代わりに木管楽器に新しい主題を与える。 さらに60小節ほど続いた後、カデンシャルのトリルによって本当の終結がもたらされ、リトネッロで展開部と展開部をつなぐ。 ピアニストであり音楽学者でもあるチャールズ・ローゼンは、モーツァルトがこのようにして「二重の露呈」を作り上げたと論じている。 ローゼンはまた、モーツァルトが作曲の過程で管弦楽の序奏を大幅に伸ばした理由もここにあると指摘する。
-《》展開部
展開部は、ピアノが、今度は変ホ長調の相対長調で、独奏曲への入りを繰り返すところから始まる。 協奏曲第20番は、モーツァルトの協奏曲の中で唯一、独奏的序奏と展開部が同じ素材から始まる。 協奏曲第24番では、展開部の素材は、独奏的な序奏とは異なる方法で展開される。冒頭の独奏モチーフは、半音階的なカデンツを伴って4回繰り返され、木管楽器が1回介在するだけで、まるで問いに次ぐ問いを発するかのようである。 最後の問いかけはハ短調で行われ、ピアノの下降音階がそれに答え、楽章の主要主題をヘ短調で管弦楽が奏でる。
主題の4小節目と5小節目のモチーフは、ピアノの精巧なフィギュレーションを伴って5度の輪を描いて下降する。 20世紀のモーツァルト研究者カスバート・ガードルストーンは、この曲を「情熱が本当に鎖に縛られていないように見える、モーツァルトにおける数少ない（場面の）ひとつ」と評し、トーヴィーは「繊細で厳しい重厚さ」のパッセージと表現している。 このやり取りは、ピアノが16分音符の高音部を弾き、その上に管楽器が主テーマの響きを加えるパッセージに落ち着く。 この過渡的なパッセージは最終的にハ短調に転調し、楽章の主要主題をオーケストラが再表現するという、お決まりの形で再現部を開始する。
-《》再現部、カデンツァ、コーダ
管弦楽曲と独奏曲で提示される主題の幅の広さは、再現部の課題となっています。 モーツァルトはすべての主題をハ短調で再現することに成功している。 必然的に圧縮された主題は異なる順序で提示され、再演された形ではソリストにとって名人芸的な瞬間はほとんどない。 最後に再現される主題は、約400小節にわたって聴かれることのなかった管弦楽の副次主題で、ピアノの3連符のパッセージで飾られる。 再現部は、ピアノが16分音符のアルペジオを奏でた後、カデンシャルのトリルがリトネッロへと導く。 リトネッロはフェルマータへと続き、ソリストのカデンツァを促す。
モーツァルトはこの楽章のためにカデンツァを書き下ろさなかったか、少なくとも書き下ろした形跡はない。 ヨハネス・ブラームス、フェルッチョ・ブゾーニ、アルフレッド・シュニトケ、ガブリエル・フォーレなど、多くの後世の作曲家や演奏家が独自のカデンツァを作曲している。 モーツァルトの協奏曲の中でユニークなのは、カデンツァをカデンシャル・トリルで終わらせるようソリストに指示しないことである。 慣習的なトリルの省略はおそらく意図的なもので、モーツァルトはカデンツァをトリルなしで直接コーダにつなげることを選んだのだろう。
コーダはオーケストラのトゥッティで締めくくられ、ソリストのパートは書かれていない。 ソリストは16分音符のヴィルトゥオーゾ的なパッセージでトゥッティを中断し、最後のピアニッシモのハ短調の和音までオーケストラを伴奏する。
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《》II. ラルゲット
アルフレッド・アインシュタインは、この協奏曲の第2楽章について、「最も純粋で感動的な静寂の領域を動き、表現が超越的なほど単純である」と述べている。 ラルゲットと記されたこの楽章は変ホ長調で、共通拍子。 トランペットとティンパニの出番はなく、第3楽章で再び登場する。
楽章はソリストが4小節の主テーマを単独で演奏することから始まり、オーケストラによって繰り返される。
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
この主題は、マイケル・スタインバーグの言葉を借りれば、「極めて単純」なものである。 ドナルド・トビィは、装飾のない極端に素朴な第4小節を「素朴」と呼んでいるが、モーツァルトはそれを意図していたと考えている。 モーツァルトのこの楽章の最初のスケッチはもっと複雑だった。 彼はおそらく、第1楽章の暗い激しさとのコントラストを強めるために、主題を単純化したのだろう。 オーケストラが主要主題を繰り返した後、非常に単純な橋渡し、あるいは経過的なパッセージがあるが、ガードルストンはこれをソリストが装飾するための「スケッチにすぎない」と呼び、「印刷された通りに演奏することは、モーツァルトの記憶を裏切ることになる」と主張している。
橋渡しのパッセージに続いて、ソリストは最初の4小節の主題を2度演奏し、オーケストラはハ短調の新しい楽章を開始する。 ハ短調の部分と変イ長調の部分を分けるのは、リズムを変えた主要主題の短い回帰である。 この新しいセクションの後、主要主題が再びリズムを変えて楽章の終わりを告げる。 この主題はソリストによって2回演奏されるが、2回の演奏は楽章の冒頭と同じ単純なブリッジのパッセージで結ばれている。 ガードルストンは、ここで「ソリストは（単純な橋のパッセージを）2度目に飾るために想像力を働かせなければならない」と論じている。 こうして楽章全体の構成はABACAとなり、ロンド形式となる。
主要主題の中間部（ハ短調と変イ長調の部分）には表記上の誤りがあり、楽譜通りに演奏すると、ピアノと管楽器の間で和声が衝突してしまう。 おそらくモーツァルトは、ピアノパートと管楽器パートを別々の時期に書いたため、作曲者の見落としが生じたのだろう。 この協奏曲を何度も録音しているアルフレッド・ブレンデルは、演奏者は楽譜に忠実に演奏するのではなく、モーツァルトの誤りを訂正すべきだと主張している。 さらにブレンデルは、楽章全体の拍子記号も表記上の誤りであると主張している。1小節あたり4拍子ではなく2拍子とするカット・コモン・タイムで演奏されるこの楽章は、彼の見解では速すぎる。
楽章の形式は、モーツァルトのピアノ・ソナタ変ロ長調K.570の第2楽章とほぼ同じである。
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《》III. アレグレット
第3楽章はハ短調の主題に8つの変奏が続く。 ハッチングスはこの曲を "変奏曲形式におけるモーツァルトの最も優れたエッセイであると同時に、彼の最高の協奏曲のフィナーレでもある "と考えている。
<<< 楽譜省略。 ウィキペディア参照。 >>>
楽章のテンポ記号はアレグレット。 ローゼンは、これは行進曲のような速さを求めるものであり、この楽章は「一般に、速いテンポが冒頭楽章に見合った力を与えると錯覚して、速くとられすぎている」と論じている。 ピアニストのアンジェラ・ヒューイットは、この楽章を行進曲ではなく「不吉な舞曲」だと考えている。
楽章は、弦楽器と管楽器の伴奏の上で第1ヴァイオリンが主題を述べるところから始まる。 最初のフレーズはハ短調からドミナントであるト短調に転調し、2番目のフレーズはハ短調に転調する。 ソリストは主題の提示には参加せず、変奏Iにのみ登場する。ここでは、ピアノが渋い弦楽伴奏の上で主題を装飾する。
変奏IIからVIは、ガードルストンとハッチングスが独自に「二重」変奏曲と表現したものである。 各変奏の中で、主題の8小節のフレーズが繰り返され、さらに変化する（AXAYBXBY）。 変奏IVとVIは長調である。 トーヴィーは前者（変イ調）を「陽気な」、後者（ハ調）を「優美な」と評している。 2つの長調の変奏の間に、変奏Vはハ短調に戻る。ガードルストンはこの変奏を「最も感動的な変奏のひとつ」と評している。 変奏VIIは、8小節のフレーズの繰り返しが省略されているため、前の変奏の半分の長さである。 この変奏は、ドミナント・コードで締めくくられる3小節のパッセージで終わり、カデンツァの到来を告げる。
カデンツァの後、ソリストは単独で第8変奏と最終変奏を開始し、19小節後にオーケストラが加わる。 最終変奏の到来とともに、拍子も変化し、切頭普通拍子から複二拍子となる。 最終変奏とそれに続くコーダには、ナポリ6和音が多用されている。 ガードルストンは、これらの和音の「呪術的」効果に言及し、コーダは最終的に「絶望をもって短調の勝利を宣言する」と述べている。
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1. モーツァルト「ピアノ協奏曲 第24番 ハ短調 K.491」について
1.3 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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24. Klavierkonzert (Mozart)
Wikipedia DE(ドイツ版) URL> https://de.m.wikipedia.org/wiki/24._Klavierkonzert_(Mozart)
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Das 24. Klavierkonzert in c-Moll, KV 491 ist ein Klavierkonzert von Wolfgang Amadeus Mozart. Nach einer abweichenden Zählung, in der nur die reinen und vollständig von Mozart stammenden Werke beachtet werden, ist es das 18. Klavierkonzert des Komponisten.
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【Zur Musik】
《》Besetzung
Solo-Klavier, Flöte, 2 Klarinetten, 2 Oboen, 2 Fagotte, 2 Hörner, 2 Trompeten, Pauke, Streicher
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《》1. Satz: Allegro
Das eröffnende Allegro ist, neben den Hauptsätzen des 11. Klavierkonzertes KV 413 und 14. Klavierkonzertes KV 449, der einzige Hauptsatz der Konzerte Mozarts, der im 3/4-Takt notiert ist. Das von den Streichern unisono vorgetragene Hauptthema weist deutlich auf die Thematik in Beethovens späterem c-Moll-Konzert. Es wird vom Orchestertutti wiederholt, unterstützt von hämmernden Paukenschlägen. Die Holzbläser übernehmen eine tragende Rolle bei der Ausformulierung des Gedankens. Ein zweiter Gedanke ist von friedlicherem Charakter, ohne jedoch zur Ruhe zu kommen. Die Soloexposition des Klaviers beginnt wie in einigen Konzerten zuvor mit einem eigenständigen dritten Thema. Ungewöhnlich jedoch ist die Entwicklung eines vierten und fünften Gedankens im Soloklavier, die alle als eigenständige Themen angesehen werden können; das Hauptthema wird nur hin und wieder zitiert. Noch in der Exposition folgt ein durchführungsähnlicher Teil, der den Hauptgedanken verarbeitet. Die Exposition endet mit einer Es-Dur-Variante des Hauptthemas. Es schließt sich der Durchführungsteil an, der hauptsächlich das erste und dritte Thema verarbeitet. In der Reprise tauchen die Themen in veränderter Reihenfolge wieder auf. Zunächst wird das Hauptthema wiederholt, das fünfte und vierte Thema schließen sich an, bevor das zweite Thema die frei gestaltete Reprise abschließt. Das dritte Thema, das in der Durchführung noch bevorzugt wurde, fehlt. Es taucht dafür in der virtuosen und ausgedehnten Solokadenz wieder auf, die durch einen Höhepunkt im Orchester eingeleitet wird. Auch für dieses Konzert schrieb Leopold Godowsky alternative Kadenzen zum 1. und 3. Satz. Ein dramatisches Schlussritornell führt zur Coda, die vom Klavier mitgespielt wird und den Satz unter pochenden Akkorden pianissimo ausklingen lässt. Die musikalische Konfliktlösung ist wie im d-Moll-Konzert noch nicht erreicht und auf die nachfolgenden Sätze vertagt.
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《》2. Satz: Larghetto
Der Mittelsatz ist in einfacher Rondoform in Es-Dur geschrieben. Der Aufbau erinnert an den Mittelsatz des 15. Klavierkonzertes KV 450. Das Soloklavier stellt das einfache, liedhafte Refrainthema vor, das schnell vom Orchester beantwortet wird. Das erste Couplet wendet sich in einer gemäßigt-dramatischen Geste der Holzbläser nach c-Moll. In beiden Couplets konzertieren Soloklavier und Orchester gemeinsam gegen die Holzbläsergruppe. Das zweite Couplet, das nach einer gekürzten Wiederholung des Refrains folgt, steht in As-Dur und ist von heiterem Charakter. Nach einer kurzen Überleitung schließt sich eine längere Wiederholung des Refrains an. Eine kurze Coda beendet den einfachen Satz.
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《》3. Satz: Allegretto
Das Finale stellt einen Variationssatz dar. Das kämpferische c-Moll-Thema wird von den Pauken akzentuiert. Die erste Variation besteht aus figurierten Umspielungen des Themas durch das Soloklavier, unterstützt von den Streichern. Die Holzbläser bestimmen die zweite Variation. In der Wiederholung antwortet das Klavier mit virtuosen Umspielungen. Die folgende dritte Variation besteht aus vollen, marschartigen Akkorden des Klaviers. Das Orchester antwortet mit Einwürfen in forte, die einen dramatischen Höhepunkt des Satzes darstellen. Die vierte Variation steht in As-Dur. Sie weicht stark vom Variationsthema ab und hat zeitweise den Charakter eines heiteren und pastoralen Intermezzos. Es folgt die ausgedehnte fünfte Variation, in der das Thema weitschweifend ausgeschmückt wird. In den Wiederholungen verwendet Mozart Motive aus der marschartigen dritten Variation. Es folgt die zweite Dur-Variation, die sich ebenfalls weit vom Thema entfernt. So haben beide Dur-Variationen intermezzohaften Charakter. Die folgende siebte Variation hält sich hingegen sehr stark an das Thema, zitiert es in den ersten Takten gar direkt. Der Übergang zur achten und letzten Variation erfolgt durch einen Eingang des Soloklaviers. Die sich anschließend Variation steht im 6/8-Takt und beschleunigt das musikalische Geschehen. Eine virtuose Coda schließt sich direkt an und führt das Werk mit einer donnernden Aufwärtspassage zu einem furiosen Ende in c-Moll.
Der Finalsatz zeigt erneut Mozarts längst etablierte Erhabenheit über gängige Formprinzipien. In diesem Konzert verbindet er die große Rondoform mit der Variationsform.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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ピアノ協奏曲第24番ハ短調K.491は、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトのピアノ協奏曲。 モーツァルトの純粋かつ完全な作品のみを考慮する別の数え方によれば、この曲は作曲者の18曲目のピアノ協奏曲である。
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【曲目】
《》オーケストレーション
独奏ピアノ、フルート、クラリネット2、オーボエ2、ファゴット2、ホルン2、トランペット2、ティンパニ、弦楽器
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《》第1楽章：アレグロ
冒頭のアレグロは、第11番ピアノ協奏曲K.413と第14番ピアノ協奏曲K.449の主楽章を除けば、モーツァルトの協奏曲の中で唯一3/4拍子で記譜された主楽章である。 弦楽器がユニゾンで奏でる主旋律は、明らかにベートーヴェンの後期ハ短調協奏曲の主題を思わせる。 この主題は、オーケストラのトゥッティによって繰り返され、ティンパニの槌音がそれを支える。 木管楽器が主役となってアイデアを練る。 第二の思考は、より穏やかな性格を持つが、休息には至らない。 ピアノ独奏の序奏は、これまでのいくつかの協奏曲と同様、独立した第3主題で始まる。 しかし珍しいのは、ピアノ独奏で第4、第5のアイディアが展開されることで、これらはすべて独立した主題とみなすことができる。 展開部のような部分は、主想を発展させる。 主テーマの変ホ長調変奏で終わる。 続いて展開部があり、主に第1主題と第3主題が展開される。 再現部では、主題が異なる順序で再び現れる。 メインテーマが最初に繰り返され、第5テーマと第4テーマが続き、第2テーマが自由にアレンジされた再現部を締めくくる。 展開部ではまだ好まれていた第3主題がない。 その代わりに、ヴィルトゥオーゾ的で長大なソロ・カデンツァで再登場し、オーケストラのクライマックスで導入される。 レオポルド・ゴドフスキーはこの協奏曲のために、第1楽章と第3楽章のカデンツァも書き換えている。 ドラマチックな最後のリトネッロは、ピアノによるコーダへと続き、高鳴る和音とともにピアニッシモで楽章を締めくくる。 ニ短調の協奏曲と同様、音楽的な対立の解決には至っておらず、次の楽章に先送りされている。
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《》第2楽章：ラルゲット
中間楽章は、変ホ長調の単純なロンド形式で書かれている。 独奏ピアノがシンプルな歌曲風のリフレイン主題を導入し、オーケストラがそれに素早く答える。 最初の対旋律は、木管楽器による適度に劇的なジェスチャーでハ短調に転じる。 この2つの連符では、ソロ・ピアノとオーケストラが木管セクションを相手に共演する。 リフレインの省略された繰り返しに続く第2連符は、変イ長調で明るい性格。 短いトランジションに続いて、コーラスが長く繰り返される。 短いコーダがシンプルな楽章を締めくくる。
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《》第3楽章：アレグレット
フィナーレは変奏楽章です。 戦闘的なハ短調の主題がティンパニによって強調される。 第1変奏は、弦楽器に支えられたピアノ独奏による主題のフィギュレーションで構成される。 第2変奏は木管楽器が担当する。 繰り返しでは、ピアノがヴィルトゥオーゾ的なオーケストレーションで応える。 続く第3変奏は、ピアノの完全な行進曲のような和音で構成される。 オーケストラはフォルテの挿入で応え、楽章の劇的なクライマックスを表現する。 第4変奏は変イ長調。 変奏主題から大きく逸脱し、時に陽気で牧歌的な間奏曲の性格を持つ。 続く第5変奏では、主題が広範囲にわたって装飾される。 モーツァルトは行進曲風の第3変奏のモチーフを反復に用いている。 この後、第2大変奏が続くが、この変奏もまた主題から大きく逸脱している。 このように、両大変奏は間奏曲的な性格を持っている。 一方、続く第7変奏は主題に非常に忠実で、最初の小節では主題を直接引用している。 最後の第8変奏への移行は、ピアノの独奏によって行われる。 続く変奏は8分の6拍子で、音楽的な出来事を加速させる。 ヴィルトゥオーゾ的なコーダがすぐに続き、ハ短調の轟くような上昇パッセージで作品を猛烈な終わりへと導く。
最終楽章は、一般的な形式原理に対するモーツァルトの長年の崇高さを再び示している。 この協奏曲では、彼は大ロンド形式と変奏曲形式を組み合わせている。
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2. 作曲者：モーツァルトについて
2.1 Wikipedia DE(ドイツ版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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モーツァルト
Wikipedia DE(ドイツ版) URL>
https://de.m.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart
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Wolfgang Amadeus Mozart (* 27. Jänner 1756 in Salzburg, Erzstift Salzburg; † 5. Dezember 1791 in Wien, Österreich), der überwiegend mit Wolfgang Amadé Mozart unterschrieb, war ein Salzburger Musiker und Komponist der Wiener Klassik. Sein umfangreiches Werk genießt weltweite Popularität und gehört zum Bedeutendsten im Repertoire klassischer Musik.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト（* 1756年1月27日ザルツブルク大司教座、† 1791年12月5日ウィーン、オーストリア）は、ザルツブルクの音楽家であり、ウィーン古典派の作曲家である。 ザルツブルクの音楽家であり、ウィーン古典派の作曲家でもある。
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2.2 モーツァルトの作品リストへのリンク・Wikipedia EN(英語版)
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モーツァルトの作品リスト
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Wolfgang_Amadeus_Mozart
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3. Pianist : クララ・ハスキルについて
3.1 Wikipedia PL(ポーランド版)の抜粋、および、その日本語翻訳
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Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.wikipedia.org/wiki/Clara_Haskil
Wikipedia RO(ルーマニア版) URL> https://ro.wikipedia.org/wiki/Clara_Haskil
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Clara Haskil (n. 7 ianuarie 1895, București, România – d. 7 decembrie 1960, région métropolitaine de Bruxelles, Valonia, Belgia) a fost o pianistă evreică română, renumită pentru interpretarea repertoriului clasic și romantic și apreciată pentru concertele și înregistrările ei cu piese de Mozart. Mulți o consideră cea mai bună interpretă a lui Mozart din epocă, dar și pentru interpretările din Beethoven, Schumann și Scarlatti. Unul din cele mai mari concursuri de pian din lume, Concursul International de Pian Clara Haskil, din Vevey, Elveția poartă numele ei.
Născută în România într-o familie de evrei (de rit spaniol) români, este nevoită, în situația regimului fascist românesc, să se refugieze în 1940 în Franța de unde, din cauza persecuțiilor rasiale, în 1942 se refugiază în Elveția, la Vevey, unde a fost naturalizată elvețiancă. Din cauza legilor discriminatorii ale României acelor vremuri, Clara Haskil - cu toate că era născută în România - nu a avut dreptul, ca și alți nenumărați evrei, la cetățenia română.
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【Concursul Internațional de Pian Clara Haskil】
Concursul Internațional de Pian Clara Haskil (în franceză : Le Concours International de Piano Clara Haskil) a fost fondat în anul 1963 în onoarea pianistei, la trei ani după deces, și are loc în anii fără soț la Vevey. Concursul, rezervat tinerilor pianiști și pianiste din lume a devenit un renumit și prestigios factor de consacrare.
Concursul are loc cu sprijinul societății de radio elvețiene, „La Radio Suisse Romande-Espace 2”, fundației Nestlé pentru artă, etc. Concertul final este retransmis la radio și TV elvețiene în cadrul prestigosului „Festival International de Muzică și Artă Lirică Montreux-Vevey”.
În anul 1995 Marele Premiu a fost câștigat de pianista română Mihaela Ursuleasa.
La concursul din anul 2007, căștigat de pianista japoneză Hisako Kawamura, pe locul al II-lea s-a situat românca Alina Elena Bercu[19].
Manase Radnev și Ana Simon au scris piesa de teatru Clara si Dinu, o dramatizare a corespondenței dintre Clara Haskil si Dinu Lipatti.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。 ］
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クララ・ハスキル（1895年1月7日ルーマニア、ブカレスト生まれ-1960年12月7日ベルギー、ワロン州ブリュッセル首都圏生まれ）は、古典派とロマン派のレパートリーの解釈で有名なルーマニア系ユダヤ人ピアニストで、モーツァルトのコンサートや録音で高く評価された。 モーツァルトはもとより、ベートーヴェン、シューマン、スカルラッティの解釈においても当時最高の演奏家であった。 スイスのヴェヴェイで開催される世界最大級のピアノ・コンクール、クララ・ハスキル国際ピアノ・コンクールには彼女の名が冠されている。
ルーマニア（スペイン系）のユダヤ人の家庭に生まれた彼女は、ルーマニアのファシスト政権によって1940年にフランスに避難することを余儀なくされ、人種的迫害のため、1942年にヴェヴェイに逃れてスイスに帰化した。 当時のルーマニアの差別的な法律のため、クララ・ハスキルはルーマニアで生まれたにもかかわらず、他の無数のユダヤ人と同じようにルーマニア国籍を取得することができなかった。
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【クララ・ハスキル国際ピアノコンクール】
クララ・ハスキル国際ピアノ・コンクール（フランス語：Le Concours International de Piano Clara Haskil）は、彼女の死後3年経った1963年に、ピアニストを記念して創設された。 このコンクールは、世界中の若手ピアニストやピアニストを対象とし、名声の高い聖別要因となっている。
コンクールは、スイスのラジオ会社 "La Radio Suisse Romande-Espace 2 "やネスレ芸術財団などの支援を受けて開催され、ファイナル・コンサートは、権威ある "モントルー・ヴェヴェイ国際音楽・叙情芸術祭 "の一環として、スイスのラジオやテレビで放送される。
1995年にはルーマニアのピアニスト、ミハエラ・ウルスレアサがグランプリを受賞した。
2007年のコンクールでは、日本人ピアニストの川村久子が優勝し、ルーマニア人のアリーナ・エレーナ・ベルクが2位となった。
マナセ・ラドネフとアナ・シモンは、クララ・ハスキルとディヌ・リパッティの往復書簡をドラマ化した戯曲『クララとディヌ』を書いた。
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