ラジオ生活：ベストオブクラシック Ｒ.シュトラウス『交響詩「英雄の生涯」作品40』

聞き逃しサービス 2024/02/09 放送
ベストオブクラシック
N響 第2005回定期公演
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『交響詩「英雄の生涯」作品40』
作曲： Richard Strauss
大植　英次(指揮)
ＮＨＫ交響楽団(管弦楽)
(45分30秒程)
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開始より28分38秒頃 (終了より１時間11分22秒前頃)
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配信終了 2024/02/16 21:10

　（すでに配信終了してます）


番組情報

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Richard_Strauss Ein_Heldenleben Op_40 - Bing

Ｒ.シュトラウス『交響詩「英雄の生涯」作品40』
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/英雄の生涯

英雄の生涯 - Wikipedia

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　『英雄の生涯』（えいゆうのしょうがい、Ein Heldenleben）作品40は、リヒャルト・シュトラウスが作曲した交響詩。『ドン・ファン』から始まるリヒャルト・シュトラウスの交響詩の最後の作品である。
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〜［上記wikipediaより抜粋。］



Ｒ.シュトラウス『交響詩「英雄の生涯」作品40』
Wikipedia EN (英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Ein_Heldenleben

Ein Heldenleben - Wikipedia

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　Ein Heldenleben (A Hero's Life), Op. 40, is a tone poem by Richard Strauss. The work was completed in 1898. It was his eighth work in the genre, and exceeded any of its predecessors in its orchestral demands. Generally agreed to be autobiographical in nature despite contradictory statements on the matter by the composer, the work contains more than thirty quotations from Strauss's earlier works, including Also sprach Zarathustra, Till Eulenspiegel, Don Quixote, Don Juan, and Death and Transfiguration.　
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【Structure and analysis】
　The work, which lasts about fifty minutes, is through-composed: performed without breaks, except for a dramatic grand pause at the end of the first movement. The movements are titled as follows (later editions of the score may not show these titles, owing to the composer's request that they be removed):
1. "Der Held" (The Hero)
2. "Des Helden Widersacher" (The Hero's Adversaries)
3. "Des Helden Gefährtin" (The Hero's Companion)
4. "Des Helden Walstatt" (The Hero at Battle)
5. "Des Helden Friedenswerke" (The Hero's Works of Peace)
6. "Des Helden Weltflucht und Vollendung" (The Hero's Retirement from this World and Completion)
　Ein Heldenleben employs the technique of leitmotif that Richard Wagner used, but almost always as elements of its enlarged sonata-rondo symphonic structure.

1. "The Hero": The first theme represents the hero. In unison, horns and celli play E-flat major triads ascending through an almost three-octave span. A contrasting lyrical theme first appears in high strings and winds in B major. A second motive appears, outlining a stepwise descending fourth. Trumpets sound a dominant seventh chord followed by a grand pause, the only prolonged silence throughout the entire piece.

2. "The Hero's Adversaries": The movement opens with chromatic woodwinds and low brass: multiple motives in contrasting registers are heard. The adversaries represented by the woodwinds are Strauss's critics, such as the 19th-century Viennese music critic Doktor Dehring, who is memorably written into the score with an ominous four note leitmotif played by the two tubas in parallel fifths. As the critic Michael Kennedy puts it, the Hero's theme goes dolefully into the minor and the critics renew their attacks until a fanfare from the brass diminishes them.

3. "The Hero's Companion": Strauss was evasive about whether he was or was not the hero depicted in the piece, but he explicitly confirmed that the hero's companion was a portrait of his wife, Pauline de Ahna. He wrote to Rolland, "She is very complex, a trifle perverse, a trifle coquettish, never the same, changing from minute to minute." The section features a tender melody played by a solo violin. In an extended accompanied cadenza filled with extremely detailed performance instructions by Strauss, after the fashion of an operatic recitative, the violin presents new motivic material, alternating with brief interjections in low strings, winds, and brass. During this section, the violin briefly foreshadows a theme that will appear fully later. The cadenza concludes and the new thematic material is combined in a cantabile episode commencing in G-flat. Fragments of the motives from the previous movement briefly appear. A fanfare motive in offstage trumpets, repeated onstage, is then heard. The section ends with "a voluptuously scored love-scene". The academic and critic James Hepokoski observes that the whole work is in a massive version of sonata form. The three initial sections comprise an elaborate exposition, with elements of a multiple-movement symphony evident in their contrasting character and tempo.[6] The remainder of the work comprises development, recapitulation, and coda, with occasional new thematic material.

4. "The Hero at Battle": In this first extended development section of the work, percussion and a solo trumpet are heard in the first appearance of 3/4 time: a variation of a previous motive. A sequence of clamorous trumpet fanfares occurs as the music approaches a harmonic climax in G-flat, and the related E-flat minor. Percussion is pervasive throughout the movement. 4/4 time returns in a modified recapitulation of the first theme as it appeared at the beginning of the piece, this time with a repeated quaver accompaniment. A new cantabile theme makes its appearance in the trumpet, and an extended elaboration of this serves to preface the next section.

5. "The Hero's Works of Peace": Yet another new motive appears, commencing in a rapid descending E-flat triad, which introduces a new development of the original theme: an elegy featuring harp, bassoon, English horn, and strings. The autobiographical aspect of the work is indicated most clearly in this section, in which Strauss extensively quotes his previous works. He quotes his early opera Guntram (eight times), his symphonic poems Don Quixote (five times), Don Juan (four), Death and Transfiguration (four), Macbeth (three), Also sprach Zarathustra (three) and Till Eulenspiegel (once). The lieder "Traum durch die Dämmerung", Op 29/1 and "Befreit", Op 39/1, are quoted once each. The melodies lead into the final section.

6. "The Hero's Retirement from this World and Completion": The reappearance of the previous "Hanslick" motive brings in an agitato episode. This is followed by a pastoral interlude with what Kennedy calls "a bucolic cor anglais theme". The descending triad now appears slowly, cantabile, as the head of a new, peaceful theme in E-flat: this is the theme foreshadowed during the violin cadenza. In a final variation of the initial motive, the brass intones the last fanfare, and a serene E-flat major conclusion is reached, signaling the Hero's completion and fulfillment.　
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　Ein Heldenleben』（英雄の生涯）作品40は、リヒャルト・シュトラウスのトーンポエム。1898年に完成した。リヒャルト・シュトラウスにとって8作目の作品であり、オーケストラへの要求も前作を凌ぐものであった。この作品には、『ツァラトゥストラはかく語りき』、『オイレンシュピーゲル』、『ドン・キホーテ』、『ドン・ファン』、『死と変容』など、シュトラウスの初期の作品からの引用が30以上含まれている。
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【構成と分析】
　約50分に及ぶこの作品は、第1楽章の最後に劇的な大休止がある以外は、切れ目なく演奏される。各楽章には次のようなタイトルが付けられている（作曲者の意向により、後の楽譜にはこれらのタイトルが記されていない場合がある）：
1.「英雄」（Der Held）
2.「Des Helden Widersacher」（英雄の敵対者たち）
3.「Des Helden Gefährtin」（英雄の仲間）
4.「Des Helden Walstatt（戦いの英雄）
5.「Des Helden Friedenswerke（英雄の平和の作品）
6.「Des Helden Weltflucht und Vollendung（英雄のこの世からの引退と完成）
アイン・ヘルデンレーベン』では、リヒャルト・ワーグナーが用いたライトモティーフの技法が用いられているが、ほとんどの場合、拡大されたソナタ・ロンド形式の交響曲の構成要素として用いられている。
　1.英雄第1主題は英雄を表す。ユニゾンでホルンとチェリが変ホ長調のトライアドを奏で、ほぼ3オクターヴのスパンで上昇する。対照的な叙情的主題が、まず高弦と管楽器のロ長調で現れる。第2動機が現れ、第4音をステップ状に下降する。トランペットがドミナントセブンスの和音を響かせ、その後、全曲を通して唯一の長めの静寂となる壮大な休止が続く。

2.「英雄の敵」：この楽章は、半音階的な木管楽器と低音金管楽器で始まる。木管楽器に代表される敵役は、シュトラウスの批評家、例えば19世紀のウィーンの音楽批評家ドクトル・デーリングであり、2本のチューバが平行5度で奏でる不吉な4音のライトモティーフが印象的に楽譜に書き込まれている。批評家のマイケル・ケネディが言うように、英雄の主題は不機嫌そうに短調に入り、批評家たちは、金管楽器のファンファーレが彼らを萎縮させるまで、攻撃を繰り返す。

3.「英雄の伴奏」：シュトラウスは、この曲で描かれている主人公が自分なのかそうでないのかについては口を閉ざしたが、主人公の伴侶は妻ポリーヌ・ド・アーナの肖像であることははっきりと認めた。彼女はとても複雑で、少々倒錯的で、少々コケティッシュで、決して同じではなく、刻々と変化していく。このセクションでは、独奏ヴァイオリンが奏でる優しい旋律が特徴的だ。オペラのレチタティーヴォのような、シュトラウスによる極めて詳細な演奏指示に満ちた長大な伴奏カデンツァの中で、ヴァイオリンは低弦、管楽器、金管楽器の短い挿入と交互に新しい動機を提示する。この部分でヴァイオリンは、後に完全に登場する主題を短く予感させる。カデンツァが終わると、新しい主題が変ト長調で始まるカンタービレのエピソードに組み合わされる。前の楽章の動機の断片が短く現れる。舞台袖のトランペットによるファンファーレの動機が舞台上で繰り返される。このセクションは「官能的なラヴ・シーン」で終わる。学者で批評家のジェイムズ・ヘポコスキーは、作品全体がソナタ形式の大規模版であると述べている。作品の残りの部分は、展開部、再現部、コーダで構成され、時折新しい主題が挿入される。

4.「戦いの英雄この作品の最初の拡張された展開部では、打楽器と独奏トランペットが、前の動機の変奏である3/4拍子の初登場で聴かれる。音楽が変ト短調とそれに関連する変ホ短調の和声的クライマックスに近づくと、トランペットの喧しいファンファーレが連続する。打楽器は楽章全体を通して広く使われている。4/4拍子が戻り、曲の冒頭で登場した第1主題が、今度は繰り返されるクァーヴァーの伴奏とともに、修正された形で再現される。新たなカンタービレ主題がトランペットで登場し、この主題の拡張された精緻化が次のセクションの前置きとなる。

5.「英雄の平和のわざ」：ハープ、ファゴット、イングリッシュホルン、弦楽器によるエレジー。この作品の自伝的な側面は、シュトラウスが過去の作品を広範囲に引用しているこの部分で最も明確に示されている。初期のオペラ『グントラム』（8回）、交響詩『ドン・キホーテ』（5回）、『ドン・ファン』（4回）、『死と変容』（4回）、『マクベス』（3回）、『ツァラトゥストラはかく語りき』（3回）、『オイレンシュピーゲル』（1回）。リート「Traum durch die Dämmerung」作品29/1と「Befreit」作品39/1は、それぞれ1回ずつ引用されている。これらの旋律は最終セクションへと続く。

6.「英雄のこの世からの引退と完成」：前の「ハンスリック」動機の再登場により、アジタートのエピソードがもたらされる。続いて、ケネディが「牧歌的なコル・アングレの主題」と呼ぶ牧歌的な間奏曲が続く。下降するトライアドは、今度はゆっくりとカンタービレで現れ、変ホ調の新しい平和な主題の頭として現れる。最初の動機の最後の変奏で、金管楽器が最後のファンファーレを奏で、穏やかな変ホ長調の終結に達し、英雄の完成と成就を告げる。
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Ｒ.シュトラウス『交響詩「英雄の生涯」作品40』
Wikipedia DE (ドイツ版) URL> https://de.m.wikipedia.org/wiki/Ein_Heldenleben

Ein Heldenleben – Wikipedia

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　Ein Heldenleben op. 40 ist eine sinfonische Dichtung von Richard Strauss. Das im Jahr 1898 vollendete Werk zählt zu den ausgereiften Werken des Komponisten in diesem Genre. Strauss widmete das Stück dem damals 27 Jahre alten Willem Mengelberg und dem Concertgebouw-Orchester. Es wurde am 3. März 1899 vom Frankfurter Opernhaus- und Museumsorchester unter der Leitung des Komponisten uraufgeführt.
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【Struktur und Analyse】
　Ein Heldenleben ist eine durchkomponierte sinfonische Dichtung mit einer Spieldauer von etwa 50 Minuten, die ohne Unterbrechung aufgeführt wird. Ursprünglich hatte der Komponist sechs Überschriften oder Satzbezeichnungen eingefügt, die auf seinen Wunsch bei späteren Auflagen der Partitur entfernt wurden:
1. Der Held
2. Des Helden Widersacher
3. Des Helden Gefährtin
4. Des Helden Walstatt
5. Des Helden Friedenswerke
6. Des Helden Weltflucht und Vollendung
　Im gesamten Werk verwendet Strauss eine Kompositionstechnik mit Leitmotiven nach Richard Wagner, wobei die Motive zumeist in die erweiterte symphonische Form (Sonate mit Rondo) eingebettet sind. Eine Besonderheit ist der mehrfache Einsatz einer Solo-Violine (für das „Programm“ der Komposition als „Stimme des Helden“ zu deuten). Dies wird in der Regel vom Konzertmeister übernommen.
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1. Der Held　
　Das Thema des Helden, das erstmals unisono von den Hörnern und Celli gespielt wird, erinnert mit seiner schnell aufsteigenden Melodieführung an das Eingangsthema der dritten Sinfonie von Ludwig van Beethoven (Eroica): Der Es-Dur-Dreiklang überstreicht fast vier Oktaven und wird von den Hörnern während des gesamten Themas parallel aufgegriffen. Ein kontrastierendes, lyrisch geprägtes Thema taucht erstmals in H-Dur in den hohen Streichern und Bläsern auf, gefolgt von einem zweiten heroischen Motiv, das von einer stufenweise absteigenden Quarte eingerahmt wird. Trompetensignale verkünden den Aufbruch des Helden zu seinen Abenteuern mit einem Dominant-Septakkord, gefolgt von einer unerwarteten, dramatischen Generalpause, der einzigen ausgedehnten Stilleperiode des gesamten Werks.

2. Des Helden Widersacher
　Die Gegner treten in Gestalt von chromatischem und atonalem Quietschen und Knurren aus Holzbläsern und tiefem Blech auf den Plan, angefangen mit der Flöte. Mehrere Motive in kontrastierenden Registern und Klangfarben erzeugen den klanglichen Eindruck von aufdringlicher Kleinlichkeit und Spott.
　Gerüchteweise handelt es sich bei den derartig sarkastisch dargestellten Widersachern um Strauss’ Kritiker aus dem 19. Jahrhundert wie etwa den Wiener Musikwissenschaftler Eduard Hanslick, der unnachahmlich als ominöses viertöniges Leitmotiv von Tenor- und Basstuba in Quintparallelen in der Partitur auftaucht. Nur das Thema des Helden selbst kann die Widersacher zum Schweigen bringen, wenngleich nur für einen kurzen Augenblick.

3. Des Helden Gefährtin
　Eine Solo-Violine übernimmt mit einer zarten Melodie die Rolle der Gefährtin. In einer ausführlichen, begleiteten Kadenz, die der Komponist nach Art eines Rezitativs in der Partitur mit detaillierten Spielanweisungen versah, präsentiert die Violine neues motivisches Material. Im Wechsel dazu stellen die tiefen Streicher, Holz- und Blechbläser in kurzen Einwürfen ein raumgreifendes drittes Helden-Motiv vor. Bereits an dieser Stelle deutet die Violine kurz ein Thema an, das im letzten Abschnitt des Stücks breiten Raum beansprucht. Im Anschluss an die Violin-Kadenz wird das neue Material zu einer gesanglichen Episode zusammengeführt, die in Ges-Dur beginnt: Der Held hat seine romantische Stimme gefunden, ein Glücksgefühl stellt sich ein. Inmitten einer schläfrigen Stille ertönen kurze Fragmente des Widersacher-Motivs. Ein neues Fanfaren-Motiv von Trompeten hinter den Kulissen, das von denen im Orchester wiederholt wird, kündet vom Beginn der Schlacht: Seine Anhänger rufen den Helden herbei.
　Diese drei einleitenden Abschnitte bilden eine aufwändige Exposition mit den Merkmalen einer mehrsätzigen Sinfonie, insbesondere was den Kontrast von Atmosphäre und Tempo betrifft. Der Rest des Werks umfasst Durchführung, Reprise und Coda, wobei gelegentlich zusätzliches thematisches Material eingeführt wird.

4. Des Helden Walstatt
　In dieser ersten ausführlichen Durchführung des Werks versinnbildlicht das Schlagwerk den Vormarsch der Heerscharen, während Trompetensignale in der ersten im 3/4-Takt notierten Passage des Stücks zur Schlacht rufen, eine bizarre Variation des ersten „Widersacher“-Themas. Der Streit nimmt seinen Fortgang in Form einer tragischen Entwicklung der zuvor eingeführten Motive und Themen. Mit süßen Melodien erinnern die Geigen den Helden daran, dass die Geliebte seine Rückkehr ersehnt. Eine Abfolge lauter und spieltechnisch sehr anspruchsvoller Fanfarenstöße deuten an, dass die Schlacht einen Wendepunkt erreicht hat, während die Musik sich auf einen harmonischen Höhepunkt in Ges-Dur und der verwandten Tonart es-Moll nähert. Das Schlagwerk durchdringt den gesamten Satz, der eine effiziente Darstellung des lebhaften Kampfgeschehens bildet. Am Ende gewinnt das Thema des Helden die Oberhand über die sich hastig zurückziehenden Widersacher in einem beispiellosen kompositorischen „Wandteppich“ menschlicher Auseinandersetzung. Der Sieg wird nun dargestellt (erneut im 4/4-Takt) in einer modifizierten Rekapitulation des Helden-Themas wie zu Eingang des Stückes, diesmal jedoch zu einer majestätischen, ständig wiederholten Begleitmelodie in Achtelnoten. Ein neues gesangliches Thema erscheint in den Trompeten; seine ausführliche Entwicklung leitet zum folgenden Abschnitt über.

5. Des Helden Friedenswerke
　Der Sieg des Helden wird unter Themen aus früheren Werken von Strauss gefeiert, darunter Till Eulenspiegels lustige Streiche, Macbeth, Also sprach Zarathustra, Don Juan (das erste hier erscheinende Thema), Don Quixote und zahlreiche andere Werke von Strauss, sowohl sinfonische Dichtungen als auch Lieder. Die friedvollen, aufsteigenden Melodien leiten zum letzten Abschnitt über, indem sie die Unruhe besänftigen, die sich in unserem Helden aufbaut.

6. Des Helden Weltflucht und Vollendung
　Ein weiteres neues Motiv erscheint, beginnend mit einem rasch absteigenden E-Dur-Dreiklang, der eine neue Entwicklung des Helden-Themas einleitet: Ein Klagelied, gespielt von Harfe, Fagott, Englischhorn und Streichern. Die früheren Werke des Helden erscheinen hier als Kontrapunkt. Indem er sich von weltlichen Gedanken und Werten befreit, malt der Held sich neue, größere und außergewöhnliche Abenteuer aus und strebt nach Erlösung von seinen Ängsten. Das erneute Auftauchen des vorherigen „Hanslick“-Motivs leitet eine agitato-Episode ein, als der Held sich an die Schlachten seiner Vergangenheit erinnert, um abermals von der Gefährtin getröstet zu werden. Es folgt ein deutlich pastoral geprägtes Zwischenspiel mit Englischhorn, das an Rossinis Ouvertüre zu Wilhelm Tell erinnert. Der absteigende Dreiklang erscheint nun langsam, cantabile, als Kopf jenes neuen, friedlichen Themas in Es-Dur, das zuvor in der Violin-Kadenz angedeutet wurde. In einer feierlichen letzten Variation des ursprünglichen Helden-Motivs intonieren die Blechbläser eine letzte Fanfare für den Helden, der sich aus dem Leben zurückzieht. Diese Passage lässt sich als Überleitung zum Anfang einer weiteren sinfonischen Dichtung ansehen, Also sprach Zarathustra, die oft gemeinsam mit Ein Heldenleben aufgeführt wird.
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【Kritik】
　Zahlreiche Kritiker haben Ein Heldenleben als schamlose Selbstverherrlichung des Komponisten gebrandmarkt. Aus dieser Perspektive erscheint Strauss als Egomane, der sich selbst als Helden überzeichnet, während seine Frau die treue Gefährtin darstellt und die Kritiker mit hinterhältigem Spott der Lächerlichkeit preisgegeben werden. Von Strauss selbst ist immerhin der Kommentar überliefert, dass er sich als ebenso interessanten Gegenstand der Forschung betrachte wie Nero oder Napoleon.

　Es ist jedoch eher denkbar, dass diese Selbstdarstellung nicht ganz ernst gemeint ist, was Strauss auch selbst zugegeben hat. Seinem Freund Romain Rolland erläuterte er: „Ich bin kein Held. Mir fehlt die nötige Kraft; ich bin nicht für die Schlacht gemacht; ich ziehe es vor, mich zurückzuziehen, Ruhe und Frieden zu genießen …“ Zahlreiche Kritiker haben das Programm des Stücks wörtlich genommen, während andere nach wie vor vermuten, dass es gewisse autobiographische Züge trägt.

　Heinrich G. Noren zitierte in seinen 1907 uraufgeführten Orchestervariationen Kaleidoskop zwei Themen aus dem Heldenleben als Hommage „an einen berühmten Zeitgenossen“, woraufhin er vom Verlag F. E. C. Leuckart, der das Heldenleben veröffentlicht hatte, wegen Urheberrechtsverletzung verklagt wurde. 1908 entschied das Oberlandesgericht Dresden zu Norens Gunsten. Die Urteilsbegründung, dass es sich bei den zitierten Themen nicht um Melodien handele und deshalb keine Verletzung des Urheberrechts vorliege, rief zahlreiche satirische Entgegnungen in der deutschen Musikpresse hervor.

　In der Einleitung seines Bach-Portraits erläutert Peter Schickele, dass er für Bach das tun wollte, „was Copland für Lincoln, Tchaikovsky für die Kleinrussen und Richard Strauss für sich selbst getan hat“.
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　アイン・ヘルデンレーベン』（Ein Heldenleben op.40）は、リヒャルト・シュトラウスの交響詩。1898年に完成したこの作品は、このジャンルにおける作曲家の最も成熟した作品のひとつである。シュトラウスは、当時27歳だったヴィレム・メンゲルベルクとコンセルトヘボウ管弦楽団にこの曲を献呈した。1899年3月3日、作曲者の指揮でフランクフルト歌劇場管弦楽団によって初演された。
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【構造と分析】
　アイン・へルデンレーベン』は、演奏時間約50分、間断なく演奏される通奏低音の交響詩である。作曲者は当初、6つの見出しや楽章のタイトルを付けていたが、後の版では作曲者の意向で削除されている：
1. 英雄
2. 主人公の敵
3. 英雄の仲間
4. 英雄の森
5.英雄の平和の作品
6.主人公の世俗からの逃避と充足
　シュトラウスは作品全体を通して、リヒャルト・ワーグナーに基づくライトモチーフを用いた作曲技法を用いており、それによってモチーフのほとんどが拡大された交響形式（ロンド付きソナタ）の中に埋め込まれている。特別な特徴は、独奏ヴァイオリンが繰り返し使われることである（作曲の「プログラム」に対する「主人公の声」と解釈される）。これは通常コンサートマスターによって演奏される。
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1. 英雄
　ホルンとチェロが初めてユニゾンで演奏する主人公の主題は、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの交響曲第3番（エロイカ）の冒頭主題を彷彿とさせる、急速に上昇する旋律線である。対照的で叙情的な特徴を持つ主題が、まずロ長調の高弦と管楽器で現れ、続いて徐々に下降する第4音で縁取られた2番目の英雄的モチーフが続く。トランペットの合図がドミナント7和音で主人公の冒険の旅立ちを告げ、予期せぬ劇的な全体休止が続く。

2. 主人公の敵
　相手は、フルートを始めとする木管楽器と低音金管楽器から、半音階的、無調的な軋みとうなり声の形で現れる。対照的な音域と音色のいくつかのモチーフが、押しつけがましく小馬鹿にしたような音色印象を与える。
　噂によると、このような皮肉たっぷりに描かれる敵は、シュトラウスの19世紀の批評家、例えばウィーンの音楽学者エドゥアルド・ハンスリックであり、彼は楽譜の中で、テナー・チューバとバス・チューバが平行5度音程で奏でる不吉な4音のライトモティーフとして登場する。主人公のテーマだけが、ほんの一瞬とはいえ、敵を黙らせることができるのだ。

3. 英雄の仲間
　独奏ヴァイオリンが繊細な旋律で伴奏者の役割を担う。作曲者が楽譜にレチタティーヴォの要領で詳細な演奏法を記した伴奏付きカデンツァで、ヴァイオリンは新たな動機を提示する。これと交互に、低弦、木管、金管が短い挿入音で、広がりのある第3の英雄的モチーフを導入する。この時点ですでにヴァイオリンは、曲の最後の部分で多くのスペースを占める主題を短く示唆している。ヴァイオリンのカデンツァに続いて、変ト長調で始まる声楽のエピソードで新しい素材がまとめられる。眠気を誘う静寂の中、拮抗するモチーフの短い断片が聞こえる。舞台裏のトランペットの新しいファンファーレ・モチーフがオーケストラのトランペットによって繰り返され、戦いの始まりを告げる。
　これら3つの序奏部は、特に雰囲気とテンポの対比という点で、多楽章交響曲の特徴を備えた精巧な序奏を形成している。作品の残りの部分は、展開部、再現部、コーダで構成され、時折、主題の追加的な素材が導入される。

4. デ・ヘルデン・ヴァルシュタット
　この作品の最初の広範な展開部では、打楽器が軍隊の前進を象徴し、トランペットの合図が最初の「敵」の主題の奇妙な変奏である3/4拍子で記譜された曲の最初のパッセージで戦闘を呼びかける。戦いは、先に紹介したモチーフやテーマの悲劇的な展開という形で続く。ヴァイオリンは甘美な旋律で、愛する人が彼の帰りを待ち望んでいることを主人公に思い出させる。派手で技巧的なファンファーレの連続は、戦いが転機を迎えたことを示し、音楽は変ト長調と関連調の変ホ短調で和声的なクライマックスに近づく。打楽器は楽章全体を貫き、鮮烈な戦闘行為を効果的に描写している。最後には、主人公の主題が、急ぎ足で退却する敵に対して優位に立ち、前例のない人間の葛藤の「タペストリー」が作曲される。この勝利は、曲の冒頭と同じように、英雄の主題の修正された再現部によって（再び4分の4拍子で）描かれるが、今回はクァーヴァーによる荘厳で絶え間なく繰り返される伴奏旋律に合わせて描かれる。新たな声楽主題がトランペットで登場し、その詳細な展開が次のセクションにつながる。

5. 英雄の平和の作品
　ティル・オイレンシュピーゲルの愉快な悪戯』、『マクベス』、『ツァラトゥストラはかく語りき』、『ドン・ファン』（ここで初めて登場する主題）、『ドン・キホーテ』など、シュトラウスの初期の作品（交響詩と歌曲の両方）の主題の中で、主人公の勝利が祝われる。穏やかで高らかな旋律が最終部へと続き、主人公の中に芽生えつつある落ち着きのなさをなだめる。

6. 主人公の世俗からの逃避と成就
　急速に下降するホ長調のトライアドで始まる別の新しいモチーフが現れ、英雄的主題の新たな展開を導入する：ハープ、ファゴット、コル・アングレ、弦楽器が奏でる哀歌。ここでは、主人公の以前の作品が対位法として登場する。世俗的な考えや価値観から解放されることで、主人公は新たな、より偉大で並外れた冒険を思い描き、恐怖からの救済を目指す。以前の「ハンスリック」のモチーフの再登場は、主人公が仲間に再び慰められるために過去の戦いを思い出すという、アジタートのエピソードを導入する。続いて、ロッシーニの『ウィリアム・テル』序曲を思わせる、コル・アングレによる明らかに牧歌的な間奏曲。ヴァイオリンのカデンツァで暗示された変ホ長調の新しい平和な主題の頭として、下降する三連符がゆっくりとカンタービレで現れる。元の英雄的モチーフの荘厳な最終変奏では、金管楽器が人生から引退した英雄のために最後のファンファーレを奏でる。このパッセージは、もうひとつの交響詩『ツァラトゥストラはかく語りき』の冒頭への移行部と見ることもでき、『アイン・ヘルデンレーベン』とともに演奏されることも多い。
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【批評】
　数多くの批評家が、『アイン・へルデンレーベン』は作曲家の恥知らずな自己顕示欲であると烙印を押している。この観点からすると、シュトラウスは自らを英雄として誇張するエゴマニアに見え、彼の妻は忠実な伴侶として描かれ、批評家は狡猾な嘲笑で嘲笑される。少なくともシュトラウス自身は、自分自身をネロやナポレオンと同じくらい興味深い研究対象だと考えているとコメントしている。

　しかし、シュトラウス自身が認めているように、この自己描写はまったく本気ではなかった可能性が高い。彼は友人のロマン・ロランにこう語っている。私は必要な力がない。私は戦いのために作られたのではないのだ。多くの批評家がこの戯曲のプログラムを文字通りに受け止めているが、一方で、この作品に自伝的な特徴があるのではないかと疑う人もいる。

　ハインリッヒ・G・ノーレンは、1907年に初演された管弦楽変奏曲『カレイドスコップ』において、「有名な同時代人への」オマージュとしてヘルデンレーベンから2つの主題を引用したが、ヘルデンレーベンを出版した出版社F・E・C・ロイカートから著作権侵害で訴えられた。1908年、ドレスデン高等裁判所はノレンに有利な判決を下した。引用された主題は旋律ではないので著作権侵害には当たらないという判決理由は、ドイツの音楽新聞に多くの風刺的な反響を呼んだ。

　バッハの肖像画の序文でペーター・シケーレは、「コープランドがリンカーンに、チャイコフスキーが小ロシアンに、リヒャルト・シュトラウスが自分自身にしたことを」バッハにしたかったと説明している。
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リヒャルト・シュトラウス
Richard Georg Strauss
Wikipedia EN (英語版)> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss

Richard Strauss - Wikipedia

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　Richard Georg Strauss (German: [ˈʁɪçaʁt ˈʃtʁaʊs]; 11 June 1864 – 8 September 1949) was a German composer and conductor best known for his tone poems and operas. Considered a leading composer of the late Romantic and early modern eras, he has been described as a successor of Richard Wagner and Franz Liszt. Along with Gustav Mahler, he represents the late flowering of German Romanticism, in which pioneering subtleties of orchestration are combined with an advanced harmonic style.

　Strauss's compositional output began in 1870 when he was just six years old and lasted until his death nearly eighty years later. His first tone poem to achieve wide acclaim was Don Juan, and this was followed by other lauded works of this kind, including Death and Transfiguration, Till Eulenspiegel's Merry Pranks, Also sprach Zarathustra, Don Quixote, Ein Heldenleben, Symphonia Domestica, and An Alpine Symphony. His first opera to achieve international fame was Salome, which used a libretto by Hedwig Lachmann that was a German translation of the French play Salomé by Oscar Wilde. This was followed by several critically acclaimed operas with librettist Hugo von Hofmannsthal: Elektra, Der Rosenkavalier, Ariadne auf Naxos, Die Frau ohne Schatten, Die ägyptische Helena, and Arabella. His last operas, Daphne, Friedenstag, Die Liebe der Danae and Capriccio used libretti written by Joseph Gregor, the Viennese theatre historian. Other well-known works by Strauss include two symphonies, lieder (especially the Four Last Songs), the Violin Concerto in D minor, the Horn Concerto No. 1, Horn Concerto No. 2, his Oboe Concerto and other instrumental works such as Metamorphosen.

　A prominent conductor in Western Europe and the Americas, Strauss enjoyed quasi-celebrity status as his compositions became standards of orchestral and operatic repertoire. He was chiefly admired for his interpretations of the works of Liszt, Mozart, and Wagner in addition to his own works. A conducting disciple of Hans von Bülow, Strauss began his conducting career as Bülow's assistant with the Meiningen Court Orchestra in 1883. After Bülow resigned in 1885, Strauss served as that orchestra's primary conductor for five months before being appointed to the conducting staff of the Bavarian State Opera where he worked as third conductor from 1886 to 1889. He then served as principal conductor of the Deutsches Nationaltheater und Staatskapelle Weimar from 1889 to 1894. In 1894 he made his conducting debut at the Bayreuth Festival, conducting Wagner's Tannhäuser with his wife, soprano Pauline de Ahna, singing Elisabeth. He then returned to the Bavarian State Opera, this time as principal conductor, from 1894 to 1898, after which he was principal conductor of the Berlin State Opera from 1898 to 1913. From 1919 to 1924 he was principal conductor of the Vienna State Opera, and in 1920 he co-founded the Salzburg Festival. In addition to these posts, Strauss was a frequent guest conductor in opera houses and with orchestras internationally.
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　リヒャルト・ゲオルク・シュトラウス（ドイツ語: [ˈʁʁʁ, 1864年6月11日 - 1949年9月8日）は、トーンポエムとオペラで知られるドイツの作曲家、指揮者。後期ロマン派と近世を代表する作曲家であり、リヒャルト・ワーグナーやフランツ・リストの後継者と称される。グスタフ・マーラーとともにドイツ・ロマン派の後期開花期を代表し、先駆的な繊細なオーケストレーションと高度な和声様式が融合している。

　シュトラウスの作曲活動は1870年、わずか6歳で始まり、80年近く後に亡くなるまで続いた。彼の最初のトーンポエムは『ドン・ファン』で、『死と変容』、『ティル・オイレンシュピーゲルの愉快な悪戯』、『ツァラトゥストラはかく語りき』、『ドン・キホーテ』、『アイン・ヘルデンレーベン』(Ein Heldenleben)、『シンフォニア・ドメスティカ』、『アルプス交響曲』など、この種の作品が続いた。国際的な名声を得た最初のオペラは、オスカー・ワイルドの戯曲『サロメ』をドイツ語に翻訳したヘドヴィヒ・ラッハマンの台本を用いた『サロメ』である。その後、フーゴー・フォン・ホーフマンスタールの台本で『エレクトラ』、『ばらの騎士』、『ナクソス島のアリアドネ』、『白衣の女』、『エジプト風ヘレナ』、『アラベラ』などのオペラが上演され、高い評価を得た。最後のオペラ『ダフネ』、『フリーデンシュターク』、『ダナエの愛』、『カプリッチョ』は、ウィーンの演劇史家ヨーゼフ・グレゴールがリブレットを書いた。シュトラウスのその他の有名な作品には、2つの交響曲、リート（特に「4つの最後の歌」）、ヴァイオリン協奏曲ニ短調、ホルン協奏曲第1番、ホルン協奏曲第2番、オーボエ協奏曲、そして「メタモルフォーゼン」などの器楽曲がある。

　西ヨーロッパとアメリカ大陸で著名な指揮者であったシュトラウスは、彼の作品がオーケストラやオペラのレパートリーのスタンダードとなるにつれ、準有名人の地位を享受した。シュトラウスは、自作品に加え、リスト、モーツァルト、ワーグナーの作品の解釈でも賞賛された。ハンス・フォン・ビューローの指揮の弟子であったシュトラウスは、ビューローのアシスタントとして1883年にマイニンゲン宮廷管弦楽団で指揮者としてのキャリアをスタートさせた。1885年にビューローが辞任すると、シュトラウスはそのオーケストラの首席指揮者を5ヶ月間務めた後、バイエルン国立歌劇場の指揮者に任命され、1886年から1889年まで第3指揮者を務めた。その後、1889年から1894年までワイマール国立歌劇場の首席指揮者を務めた。1894年、バイロイト音楽祭でワーグナーの『タンホイザー』を指揮し、妻でソプラノのポリーネ・ド・アーナがエリザベートを歌った。その後、1894年から1898年までバイエルン国立歌劇場に首席指揮者として戻り、1898年から1913年までベルリン国立歌劇場の首席指揮者を務めた。1919年から1924年までウィーン国立歌劇場の首席指揮者を務め、1920年にはザルツブルク音楽祭を共同創設した。1920年にはザルツブルク音楽祭を共同設立した。これらのポストに加え、シュトラウスは世界各地のオペラハウスやオーケストラに頻繁に客演した。
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リヒャルト・シュトラウス
Richard Georg Strauss
Wikipedia DE(ドイツ版)>
https://de.m.wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss

Richard Strauss – Wikipedia

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　Richard Georg Strauss (* 11. Juni 1864 in München; † 8. September 1949 in Garmisch-Partenkirchen) war ein deutscher Komponist des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, der vor allem für seine orchestrale Programmmusik (Tondichtungen), sein Liedschaffen und seine Opern bekannt wurde. Er wird somit zu den Komponisten der Spätromantik gerechnet. Strauss war außerdem ein bedeutender Dirigent und Theaterleiter sowie ein Kämpfer für eine Reform des Urheberrechts.
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【Leben】
《》Dirigent in München und Weimar (1886–1898)
　Am 16. April 1886 unterschrieb er einen Vertrag als dritter Kapellmeister an der Hofoper seiner Heimatstadt München. Am nächsten Tag reiste er für fünf Wochen nach Italien ab. Gleich nach der Rückkehr nach München begann er mit der Komposition der viersätzigen Orchesterfantasie Aus Italien, die ein Jahr später in München unter seiner eigenen Leitung uraufgeführt wurde. Am 1. Oktober 1886 stand er erstmals am Pult des Münchner Hof- und Nationaltheaters und blieb dort bis zum 31. Juli 1887.

　In dieser Zeit komponierte er seine ersten einsätzig-programmatischen Orchesterwerke, die er selber Tondichtungen nannte. Nach anfänglichen Schwierigkeiten (von der ersten Tondichtung, Macbeth, gibt es nicht weniger als drei Fassungen) fand Strauss in den Tondichtungen Don Juan (1888/89) und vor allem Tod und Verklärung (1888–1890) seinen eigenen unverwechselbaren Stil, der ihn rasch bekannt machte. Außerdem begann er – auch darin seinem Vorbild Wagner folgend – mit der Dichtung des Librettos zu seiner ersten Oper Guntram, einer mittelalterlichen Rittergeschichte mit Anklängen an die Ideenwelt Richard Wagners und Arthur Schopenhauers.
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《》Opernkomponist und Berliner Jahre (1898–1918)

　Sein Berliner Debüt gab Strauss am 5. November 1898 an der Hofoper Unter den Linden mit Tristan und Isolde. In Berlin widmete er sich vor allem der Aufführung von zeitgenössischen Komponisten und gründete dafür 1901 das Berliner Tonkünstler-Orchester, gab es aber nach 2 Spielzeiten mit je 6 Konzerten wieder auf. Ein weiterer Schwerpunkt seiner Tätigkeit wurden seine Bemühungen um die allgemeine Verbesserung der Lage der Künstler und ihre gesellschaftliche Anerkennung. 1901 übernahm er den Vorsitz des Allgemeinen deutschen Musikvereins (ADM). An der Gründung der Genossenschaft Deutscher Tonsetzer im Jahr 1903 war er maßgeblich beteiligt.

　1905 veröffentlichte Richard Strauss seine ergänzende Bearbeitung der berühmten Instrumentationslehre von Hector Berlioz. Seine Ergänzungen bezogen sich auf den Wandel der Instrumente wie etwa im Fall des Horns und schlossen vor allem auch die Instrumentationskunst in den Werken Richard Wagners mit ein. Strauss selbst verstand es in seinen Werken, durch geschickte Instrumentierungen neue Klangfarben zu gestalten.　
　Die Berliner Jahre waren geprägt ebenso von zahlreichen Reisen – darunter eine nach Nordamerika sowie eine große Griechenland- und Italienreise – wie von der Komposition weiterer Tondichtungen (Ein Heldenleben, Sinfonia domestica, Eine Alpensinfonie) und Opern, die Strauss teils internationale Triumphe einbrachten, darunter neben Feuersnot (1901) vor allem Salome (Uraufführung 1905 in Dresden). In Paris lernte Strauss in dieser Zeit den Dichter und Schriftsteller Hugo von Hofmannsthal kennen, der, beginnend mit Elektra (Uraufführung 1909 in Dresden) die Libretti für insgesamt sechs Opern des Komponisten beitragen sollte und dabei eng mit Strauss zusammenarbeitete.
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〜［Excerpted from above wikipedia］

〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
　リヒャルト・ゲオルク・シュトラウス（Richard Georg Strauss, * 1864年6月11日 ミュンヘン生まれ、† 1949年9月8日 ガルミッシュ・パルテンキルヒェン生まれ）は、19世紀末から20世紀初頭にかけて活躍したドイツの作曲家で、管弦楽曲（トーンポエム）、リート、オペラで知られる。そのため、後期ロマン派の作曲家に分類される。シュトラウスはまた、重要な指揮者、劇場監督、著作権改革運動家でもあった。
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【生涯】
《ミュンヘンとワイマールでの指揮者（1886～1898年）》
　1886年4月16日、故郷ミュンヘンの宮廷歌劇場で第3代カペルマイスターとしての契約を結ぶ。翌日から5週間、イタリアに渡る。ミュンヘンに戻った直後、4楽章からなる管弦楽幻想曲《アウス・イタリエン》の作曲に取りかかり、1年後に自身の指揮でミュンヘンで初演された。1886年10月1日、ミュンヘン宮廷・国立劇場を初めて指揮し、1887年7月31日まで同劇場にとどまった。
　この間、初めて1楽章のプログラムによる管弦楽作品を作曲し、彼自身はこれをトーンポエムと呼んでいる。最初のトーンポエム『マクベス』には3つのヴァージョンがある）など、当初は困難を極めたが、『ドン・ファン』（1888/89）、とりわけ『トドとヴェルクレルン』（1888-1890）で、シュトラウスは独自のスタイルを確立し、瞬く間に有名になった。リヒャルト・ワーグナーやアルトゥール・ショーペンハウアーの影響を受けた中世の騎士の物語である。
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《オペラ作曲家とベルリン時代（1898-1918）》
　シュトラウスは1898年11月5日、ホーフオーパー・ウンター・デン・リンデンで『トリスタンとイゾルデ』でベルリン・デビューを果たした。1901年、この目的のためにベルリン・トーンキュンストラー管弦楽団を設立したが、2シーズン、各6回のコンサートを開いた後、再びベルリン・トーンキュンストラー管弦楽団を解散した。彼の活動のもうひとつの焦点は、芸術家たちの一般的な状況を改善し、彼らの社会的認知度を高めようとする努力であった。1901年、彼はドイツ楽友協会（ADM）の会長職を引き継いだ。1903年にはドイツ作曲家協同組合の設立に重要な役割を果たした。
　1905年、リヒャルト・シュトラウスは、ヘクトール・ベルリオーズの有名な器楽理論の補筆編曲を出版した。彼の補筆は、ホルンの場合のような楽器の変化に関するもので、とりわけリヒャルト・ワーグナーの作品におけるオーケストレーションの技術も含まれていた。シュトラウス自身、巧みなオーケストレーションによって作品に新たな音色を作り出す方法を知っていた。
　ベルリン時代には、北米への旅、ギリシャとイタリアへの大旅行など、数多くの旅があった。また、トーンポエム（《アイン・ヘルデンレーベン[Ein Heldenleben]》、《シンフォニア・ドメスティカ》、《アイネ・アルペンシンフォニー》）やオペラの作曲も盛んになり、その中には、《フォイエルスノット》（1901年）や《サロメ》（1905年ドレスデン初演）など、シュトラウスに国際的な成功をもたらした作品もあった。彼は、『エレクトラ』（1909年ドレスデン初演）を皮切りに、シュトラウスのオペラ6作品の台本を手がけることになり、シュトラウスと緊密に仕事をした。
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