【標題音楽】リスト「ダンテ交響曲」
【 標題音楽 : program music : Programmmusik 】
【 Title 】 「ダンテ交響曲」( “Dante Symphony” : Eine Symphonie zu Dantes "Divina Commedia", S.109)
【 composer 】 リスト ( Franz Liszt )
[参照] program music
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Program_music
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Program music or programmatic music is a type of instrumental art music that attempts to musically render an extramusical narrative. The narrative itself might be offered to the audience through the piece's title, or in the form of program notes, inviting imaginative correlations with the music. A well-known example is Sergei Prokofiev's Peter and the Wolf.
The genre culminates in the symphonic works of Richard Strauss that include narrations of the adventures of Don Quixote, Till Eulenspiegel, the composer's domestic life, and an interpretation of Friedrich Nietzsche's philosophy of the Übermensch, Also Sprach Zarathustra. Following Strauss, the genre declined and new works with explicitly narrative content are rare. Nevertheless the genre continues to exert an influence on film music, especially where this draws upon the techniques of 19th-century late romantic music. Similar compositional forms also exist within popular music, including the concept album and rock opera.
The term is almost exclusively applied to works in the European classical music tradition, particularly those from the Romantic music period of the 19th century, during which the concept was popular, but pieces which fit the description have long been a part of music. The term is usually reserved for purely instrumental works (pieces without singers and lyrics), and not used, for example for opera or lieder. Single-movement orchestral pieces of program music are often called symphonic poems. Absolute music, in contrast, is intended to be appreciated without any particular reference to the outside world.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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プログラム音楽（program music）は、器楽芸術音楽の一種で、音楽外の物語を音楽的に表現しようとするものである。 物語そのものは、曲のタイトルやプログラムノートの形で聴衆に提示され、音楽との想像的な関連付けを促す。 よく知られた例としては、セルゲイ・プロコフィエフの『ピーターと狼』がある。
このジャンルはリヒャルト・シュトラウスの交響曲で頂点に達し、ドン・キホーテの冒険、ティル・オイレンシュピーゲル、作曲者の家庭生活、フリードリヒ・ニーチェの超人思想の解釈『ツァラトゥストラはかく語りき』などを含む。 シュトラウス以降、このジャンルは衰退し、明確に物語的な内容を持つ新作は稀になった。 とはいえ、このジャンルは映画音楽に影響を与え続けており、特に19世紀後期ロマン派音楽の技法を取り入れている。 同様の作曲形態は、コンセプト・アルバムやロック・オペラなど、ポピュラー音楽の中にも存在する。
この用語は、ヨーロッパのクラシック音楽の伝統、特にこの概念が流行した19世紀のロマン派音楽の時代の作品にほぼ独占的に適用されるが、この説明に当てはまる作品は長い間音楽の一部であった。 この用語は通常、純粋な器楽作品（歌手や歌詞のない作品）にのみ使われ、オペラやリートなどには使われない。 プログラム音楽の単一楽章の管弦楽曲は、しばしば交響詩と呼ばれる。 これとは対照的に、絶対音楽は、外界への特別な言及なしに鑑賞されることを意図している。
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https://www.google.co.jp/search?tbm=vid&hl=ja&source=hp&biw=&bih=&q=Liszt+Dante_Symphony
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リスト「ダンテ交響曲」
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/ダンテ交響曲
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『ダンテ交響曲』（ダンテこうきょうきょく）、正式には『ダンテの『神曲』による交響曲』（ダンテのしんきょくによるこうきょうきょく、Eine Symphonie zu Dantes "Divina Commedia" ）S.109は、フランツ・リストが作曲した2つの標題交響曲のうち『ファウスト交響曲』に続く2作目で、1856年に完成した作品。
【作曲の経緯】
リストは若い頃からダンテの愛読者であり、1837年にはピアノ曲『ダンテを読んで』（『巡礼の年』第2年）の第1稿を書いている。『神曲』による交響曲も早い時期に構想しており、1847年頃にはすでに主要な主題のスケッチを行っていたが、本格的な着手は1855年になってからである。
当初の構想では『神曲』の構成に合わせて「地獄」「煉獄」「天国」の3楽章からなるはずであったが、作曲開始後にワーグナーに宛てた手紙の中でこの交響曲の構想を明かしたところ、「天国の喜ばしさを音楽で表現するのは不可能だろう」という意見が返ってきた。そこで計画を変更し、第2楽章の終わりに「マニフィカート」を女声合唱（または児童合唱）で歌わせ、天国を仰ぎ見つつ終結するという形になった。
曲は作曲開始から1年あまり後の1856年7月に完成し、翌1857年11月7日にドレスデンの王立歌劇場で、リストの指揮により初演された。この時は練習不足のため、不評であったという。
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【楽曲構成】
前述の通り2楽章からなる。英語版に詳細な解説がある。
《》第1楽章「地獄」（Inferno）
序奏付きの三部形式。おおむねニ短調だが、G音が半音上がることが多く、減七度も多用されるため調性は流動的。ティンパニ、大太鼓のトレモロの上から弦とトロンボーン・2人のティンパニにより、曲が荒々しく開始される。中間部はリミーニのフランチェスカを描く。曲全体は九圏からなる地獄の描写により構成される。最後はD音のみで重々しく終わる。
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《》第2楽章「煉獄」（Purgatorio）
ニ長調-ロ長調。最初の主題であるアンダンテ・コン・モート・トランクイロ・アッサイが反復された後、クラリネットとファゴットによりコラール風の主題が提示される。その後、ヴィオラとチェロがこれに続く。その後、ラメントーソ、ロ短調で中間部が始まり、7つの頂から山頂へ至る過程が描かれる。クライマックスではフーガまで用いられる。山頂に至ったところで冒頭が回帰し、ロ長調に転調してマニフィカトの合唱（歌詞はラテン語でルカ伝第1章第46節以下から）に至る（ただし、歌詞は冒頭の二行と、「ホサナ」と「ハレルヤ」の2語のみ）。リストは合唱を客席から見えないように配置するよう指定している。合唱はテンポと拍子が変動し、クライマックスで全音音階が登場する。そして、最後は静かに結ばれる。
なお、リストは第2楽章の終結部の後に、ワーグナー風に雄大に終わらせるコーダを付け加えた別稿も作っている。
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Dante Symphony
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Dante_Symphony
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A Symphony to Dante's Divine Comedy, S.109, or simply the "Dante Symphony", is a choral symphony composed by Franz Liszt. Written in the high romantic style, it is based on Dante Alighieri's journey through Hell and Purgatory, as depicted in The Divine Comedy. It was premiered in Dresden on 7. November 1857, with Liszt conducting himself, and was unofficially dedicated to the composer's friend and future son-in-law Richard Wagner. The entire symphony takes approximately 50 minutes to perform.
Some critics have argued that the Dante Symphony is not so much a symphony in the classical sense as it is two descriptive symphonic poems. Regardless, Dante consists of two movements, both in a loosely structured ternary form with little use of thematic transformation.
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【Composition】
Liszt had been sketching themes for the work since the early 1840s. The French poet Joseph Autran recalled that in summer 1845, Liszt improvised for him "a passionate and magnificent symphony upon Dante's Divine Comedy" on the organ of the empty Marseille Cathedral at midnight, and later invited Autran to collaborate with him on a Dante oratorio or opera, which the poet failed to pursue. In 1847, he played some fragments on the piano for his Polish mistress Princess Carolyne zu Sayn-Wittgenstein. At this early stage in the composition, it was Liszt's intention that performances of the work be accompanied by a slideshow depicting scenes from the Divine Comedy by the artist Bonaventura Genelli. He also planned to use an experimental wind machine to recreate the winds of Hell at the end of the first movement. Although Princess Carolyne was willing to defray the costs, nothing came of these ambitious plans and the symphony was set aside until 1855.
In June 1855, Liszt resumed work on the symphony and had completed most of it before the end of the following year. Thus, work on the Dante Symphony roughly coincided with work on Liszt's other symphonic masterpiece, the Faust Symphony, which was inspired by Johann Wolfgang von Goethe's drama Faust. For this reason, and because they are the only symphonies Liszt ever composed (though certainly not his only symphonic works), the Dante and Faust symphonies are often recorded together.
In October 1856, Liszt visited Richard Wagner in Zürich and performed his Faust and Dante symphonies on the piano. Wagner was critical of the Dante Symphony's fortissimo conclusion, which he thought was inappropriate as a depiction of Paradise. In his autobiography, he later wrote:
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If anything had convinced me of the man's masterly and poetical powers of conception, it was the original ending of the Faust Symphony, in which the delicate fragrance of a last reminiscence of Gretchen overpowers everything, without arresting the attention by a violent disturbance. The ending of the Dante Symphony seemed to me to be quite on the same lines, for the delicately introduced Magnificat in the same way only gives a hint of a soft, shimmering Paradise. I was the more startled to hear this beautiful suggestion suddenly interrupted in an alarming way by a pompous, plagal cadence which, as I was told, was supposed to represent St Dominic.
"No!" I exclaimed loudly, "not that! Away with it! No majestic Deity! Leave us the fine soft shimmer!"
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Liszt agreed and explained that such had been his original intention, but he had been persuaded by Princess Carolyne to end the symphony in a blaze of glory. He rewrote the concluding measures, but in the printed score, he left the conductor with the option of following the pianissimo coda with the fortissimo one.
Liszt's original intention was to compose the work in three movements: an Inferno, a Purgatorio and a Paradiso. The first two were to be purely instrumental, and the finale choral. Wagner, however, persuaded Liszt that no earthly composer could faithfully express the joys of Paradise. Liszt dropped the third movement but added a choral Magnificat at the end of the second movement. This action, some critics claim, effectively destroyed the work's balance, leaving the listener, like Dante, gazing upward at the heights of Heaven and hearing its music from afar. Moreover, Liszt scholar Humphrey Searle argues that while Liszt may have felt more at home portraying the infernal regions than the celestial ones, the task of portraying Paradise in music would not have been beyond his powers.
Liszt put the final touches to the symphony in the autumn of 1857. The premiere of the work took place at the Hoftheater in Dresden on 7 November, 1857. The performance was an unmitigated disaster due to inadequate rehearsal; Liszt, who conducted the performance, was publicly humiliated. Nevertheless, he persevered with the work, conducting another performance (along with his symphonic poem Die Ideale and his second piano concerto) in Prague on 11 March, 1858. Princess Carolyne prepared a programme for this concert to help the audience follow the unusual form of the symphony.
Like his symphonic poems Tasso and Les préludes, the Dante Symphony is an innovatory work, featuring numerous orchestral and harmonic advances: wind effects, progressive harmonies that generally avoid the tonic-dominant bias of contemporary music, experiments in atonality, unusual key signatures and time signatures, fluctuating tempi, chamber-music interludes, and the use of unusual musical forms. The Symphony is also one of the first to make use of progressive tonality, beginning and ending in the radically different keys of D minor and B major, respectively, anticipating its use in the symphonies of Gustav Mahler by forty years.
Liszt was not the only symphonic composer who was inspired by Dante's Commedia. In 1863, Giovanni Pacini composed a four-movement Sinfonia Dante (the finale depicts Dante's triumphant return to Earth).
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【Instrumentation】
The symphony is scored for one piccolo (doubling as 3rd flute in the second movement), two flutes, two oboes, one English horn, two clarinets in B♭ and A, one bass clarinet in B♭ and A, two bassoons, four horns in F, two trumpets in B♭ and D, two tenor trombones, one bass trombone, one tuba, two sets of timpani (requiring two players), cymbals, bass drum, tamtam, two harps (the second harp only in the second movement), strings, harmonium (second movement only), and a women's choir comprising soprano and alto singers (second movement only), one of the sopranos being required to sing a solo.
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【Inferno】
The opening movement is entitled Inferno and depicts Dante's and Virgil's passage through the nine Circles of Hell. The structure is essentially sonata form, but it is punctuated by a number of episodes representing some of the salient incidents of the Inferno. The longest and most elaborate of these – the Francesca da Rimini episode from Canto 5 – lends the movement something of the structure of a triptych.
The music is chromatic and tonally ambiguous; although the movement is essentially in D minor, this is often negated by G♯, which is as far as one can get from D. There are relatively few authentic cadences or key signatures to help resolve the tonal ambiguity. The harmony is based on sequences of diminished sevenths, which are often not resolved.
《》The Gates of Hell
The movement opens with a slow introduction (Lento) based on three recitative-like themes, which Liszt has set to four of the nine lines inscribed over the Gates of Hell:
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Inferno, Canto 3
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1 Per me si va nella città dolente,
2 Per me si va nell'eterno dolore,
3 Per me si va tra la perduta gente.
...
9 Lasciate ogni speranza voi ch'entrate.
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1 Through me is the way to the sorrowful city,
2 Through me is the way to eternal sorrow,
3 Through me is the way among the lost people.
...
9 Abandon all hope you who enter here.
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The first of these themes, which is immediately repeated in a slightly varied form, begins in D minor – a key Liszt associated with Hell – but ends ambiguously on G♯ a tritone higher. This interval is traditionally associated with the Devil, being known in the Middle Ages as diabolus in musica:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The second theme is closely related to the first, but this time there is an unambiguous authentic cadence on G♯:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The third theme begins as a chantlike monotone played by horns and trumpets on E♮ against a string tremolo in C♯ minor. It cadences on a tonally ambiguous diminished seventh on G♯:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The first and third of these themes are punctuated by an important drum-roll motif played on two timpani and the tamtam, which recurs in various forms throughout the movement:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
As the tempo increases, a motif derived from the first of these themes is introduced by the strings. This Descent motif depicts Dante and Virgil's descent into Hell:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This is accompanied by another motif based on rising and falling semitones (appoggiature), which is also derived from the symphony's opening theme, while the horns play the third theme in augmentation on G♯:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This passage is punctuated by a brass motif taken from the third theme:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
These motifs are developed at length as the tempo gradually increases and the tension builds. The music is dark and turbulent. The chromatic and atonal nature of the material conveys a sense of urgency and growing excitement.
《》The Vestibule and First Circle of Hell
At the climax of this accelerando, the tempo becomes Allegro frenetico and the time signature changes from common time to Alla breve: the slow introduction comes to an end and the exposition begins. The first subject, which is introduced by the violins, is based on the same rising and falling semitones that we heard in the introduction. Ostensibly it begins in D minor, but the tonality is ambiguous:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The tempo increases to Presto molto and a second subject is played by wind and strings over a pedal on the dominant A:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
Although Liszt provides no verbal clues to the literary associations of these themes, it seems reasonable to assume that the exposition and ensuing section represent the Vestibule (in which the dead are condemned to perpetually chase after a whirling standard) and First Circle of Hell (Limbo), which Dante and Virgil traverse after they have passed through the Gates of Hell.[citation needed] It is even possible that the transition between the two subjects represents the river Acheron, which separates the Vestibule from the First Circle: on paper the figurations are reminiscent of those Beethoven uses in the Scene by the Brook in his Pastoral Symphony, though the aural effect is quite different.
The following development section explores both subjects at length, but motifs from the introduction are also developed. The second subject is heard in B major. The descent motif reasserts itself as Dante and Virgil descend deeper into Hell. The music reaches a great climax (molto fortissimo); the tempo reverts to the opening Lento, and the brass intone the Lasciate ogni speranza theme from the slow introduction, accompanied by the drum-roll motif. Once again Liszt inscribes the score with the corresponding words of the Inferno.
《》The Second Circle of Hell
As Dante and Virgil enter the Second Circle of Hell, rising and falling chromatic scales in the strings and flutes conjure up the infernal Black Wind that perpetually buffets the damned.[26] The music grinds to a halt, and quiet drum beats lead to silence. An episode in 5
4 time marked Quasi Andante, ma sempre un poco mosso ensues, beginning with harp glissandi and chromatic figurations in strings and woodwind that once again invoke the swirling wind. After a pause, however, the bass clarinet intones an expressive recitative, which takes the instrument to the very bottom of its range:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This theme is then taken up and extended by a pair of clarinets, accompanied by the same harp glissandi and chromatic figures that opened the section. After a restatement a fourth higher by the bass clarinet, the recitative is played by the cor anglais and this time Liszt sets the music to the words of Francesca da Rimini, whose adulterous affair with her brother-in-law Paolo cost her both her life and her soul:
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Inferno, Canto 5
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121 .... Nessun maggior dolore
122 che ricordarsi del tempo felice
123 ne la miseria.
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121 .... There is no greater sorrow
122 Than to recall happy times
123 In the midst of misery.
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After a brief passage based on a theme derived from the recitative, there ensues an episode marked Andante amoroso. The tragic love of Francesca and Paolo is depicted at length by a passionate theme in 7/4 time, which is also based on the recitative.
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
Curiously, the key signature suggests F♯ major, a key Liszt often reserved for divine or beatific music. The theme actually begins in D♯ minor, passing sequentially through F♯ minor and A minor. Two unmuted violins are contrasted with the rest of the violins, which are muted.
《》The Seventh Circle of Hell
As before, the transition to the next circle of Hell is prefaced by a return of the Lasciate ogni speranza theme. A short cadenza for harp, continuing the Black Wind motif, leads to a passage which Liszt marks with the following note: This entire passage is intended to be a blasphemous mocking laughter.... In the Inferno, Dante meets the blasphemous Capaneus in the Seventh Circle of Hell (Canto 14). The dominant motifs – triplets, trills and falling seconds – have all been heard before.
The time signature reverts to Alla breve, the key signature is cancelled, and the tempo quickens to Tempo primo in preparation for the ensuing recapitulation.
《》Recapitulation
The first subject is recapitulated in augmentation, but where before it represented the sufferings of the damned, now it is a cruel parody of that suffering in the mouths of their attendant devils. The tempo quickens and the music reaches a climax; the second subject is recapitulated with little alteration from the exposition. Presumably the recapitulation represents the Eighth and Ninth Circles of Hell.
《》Coda
Another climax leads into the coda. The final pages of the movement are dominated by the descent motif and the second subject. After a climax, the music comes to a momentary pause. The descent motif quickly builds up to an even greater climax (molto fortissimo). In the final ten measures, however, the Lasciate ogni speranza theme returns for the last time: Dante and Virgil emerge from Hell on the other side of the world. The movement ends in D, though there is no conventional authentic cadence. The tonal ambiguity which has coloured the movement from the beginning is maintained to the very last measure.[32]
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【Purgatorio】
The second movement, entitled Purgatorio, depicts Dante and Virgil's ascent of Mount Purgatory. It is Ternary in structure. The first section is solemn and tranquil and in two parts; in the second section, which is more agitated and lamentable, a fugue is built up to a grand climax; in the final section, there is a return to the mood of the opening, the principal themes of which are recapitulated. This tripartite structure reflects the architecture of Dante's Mount Purgatory, which can also be divided into three parts: the two terraces of Ante-Purgatory, where the excommunicate and the late repentant expiate their sins; the seven cornices of Mount Purgatory proper, where the Seven Deadly Sins are expiated; and the Earthly Paradise at the summit, from which the soul, now purged of sin, ascends to Paradise.
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《》Ante-Purgatory
The movement opens in D major in a slow tempo (Andante con moto quasi Allegretto. Tranquillo assai). A solo horn introduces the opening theme to the accompaniment of rocking chords on muted strings and arpeggiated triplets played by the harp. This theme is taken up by the woodwind and horns, and after twenty-one measures dies away against a shimmering haze of rising and falling arpeggios on the harp:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This whole section is then repeated in E♭ (though the key signature is altered from D major to B♭. This tranquil episode represents perhaps the excommunicate, who inhabit the first terrace of Ante-Purgatory.
The tempo then changes to Più lento and the key signature reverts to D major. The cellos introduce a new theme, which is quickly passed to the first violins:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
As it too dies away like the opening theme, it gradually metamorphoses into a chorale-like theme in F♯ minor, which is solemnly intoned by horns and woodwind in a slower tempo (un poco meno mosso):
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This is developed at length, being joined in counterpoint with a variant of the second theme. The music finally dies away and silence ensues, bringing this opening section to a close in B minor. The second terrace of Ante-Purgatory is inhabited by the late repentant. In Canto 7 there is a celebrated description of evening in a beautiful valley where the penitents sing the Salve Regina; this passage may have inspired Liszt's chorale-like theme.
《》The Seven Cornices of Mount Purgatory
The second section of the movement is marked Lamentoso and its agonizing figurations are in marked contrast to the beatific music of the opening section. The muted violas introduce the principal theme, which comprises a series of agitated fragments in B minor. The music graphically reflects the pleading and suffering of the penitents before it breaks up into flowing triplets:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This theme is taken up by the other strings and a five-part fugue ensues. The woodwind add their pleas (dolente), and the music becomes louder and more agitated (gemendo). The horns join the fugue as it reaches its climax, at which point the music disintegrates into fragments and grows softer; but it soon finds its voice again and is worked up into a huge climax in F minor for full orchestra (grandioso) that is strikingly reminiscent of the opening movement of Berlioz's Requiem:
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
This liberating climax takes us through a series of sequences from F minor through G♭ minor and G minor to E♭ major. A brief transition ensues in which staccato triplets in the cellos and double basses are answered by static chords in the stopped horns and woodwind.
The key signature reverts to D major. The triplets, now played legato on the violins, are accompanied by passionate figures in the woodwind (gemendo, dolente ed appassionato) and muted chords in the horns. The music fades away and the cellos bring things to a standstill.
《》The Earthly Paradise
After a long pause the chorale from the opening section is recapitulated in augmentation, accompanied by string pizzicati. The Più lento theme from the opening section is heard once again, and both themes are briefly alternated. Two harps take up the triplets and the concluding strain of the movement's opening theme returns. The music modulates from B♭ major to B major, and passes without a break to the final chorus.
《》Magnificat
The symphony concludes with a short setting for women's or boys' choir of the first two lines of the Magnificat, culminating in a series of Hosannas and Hallelujahs:
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Magnificat
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Magnificat anima mea Dominum,
Et exsultavit spiritus meus in Deo salutari meo.
Hosanna!
Hallelujah!
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My soul magnifies the Lord,
And my spirit rejoices in God my saviour.
Hosanna!
Hallel
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Curiously, the Magnificat is not mentioned anywhere in the Commedia; nor is there any Hallelujah; the Hosanna, however, is heard both in the Earthly Paradise of the Purgatorio and in the Paradiso.
In the score, Liszt directs that the choir be hidden from the audience:
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The female or boys' choir is not to be placed in front of the orchestra, but is to remain invisible together with the harmonium, or in the case of an amphitheatrical arrangement of the orchestra, is to be placed right at the top. If there is a gallery above the orchestra, it would be suitable to have the choir and harmonium positioned there. In any case, the harmonium must remain near the choir.
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The time signature changes to 6/4; the score indicates that this time signature may be considered alternatively as 2/3, i.e. each bar is divided into two dotted half notes. The choir intones the words against a shimmering backdrop of divided strings, rocking figurations in the woodwind and arpeggios played by two harps.
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The tempo quickens and the music becomes gradually louder as the time signature changes to 9/4 (= 3/3, i.e. each bar is divided into three dotted half notes). The choir sings triumphantly of God my saviour.
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The tempo drops to Un poco più lento, a solo trumpet call dies away to silence, after which a solo voice sings the opening line of the Magnificat in B major.
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The whole orchestra resounds with the same phrase. After another brief silence, the choir sings a chorale to the second line of the Magnificat, accompanied by a solo cello, bassoons and clarinets.
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
In the triumphant coda, the divided chorus sings Hosanna and Hallelujah in a series of carefully crafted modulations, which reflect Dante's ascent sphere-by-sphere towards the Empyrean; this is in marked contrast to the first movement, where key shifts were sudden and disjointed. As the Hosannas descend step by step from G♯ down to C, the Hallelujahs rise from G♯ up to F. The whole chorus then joins together in a final, triumphant Hallelujah on the dominant F♯. In this passage, the bass steps down the whole-tone scale from G♯ to A♯. Liszt was proud of this innovatory use of the whole-tone scale, and mentions it in a letter to Julius Schäffer, the music director of the Schwerin orchestra.
… ( Music score is omitted. See Wiki for Music score. ) …
The orchestra concludes with a quiet plagal cadence in B major; the timpani add a gentle authentic cadence of their own. The work ends molto pianissimo.
The second ending, which follows rather than replaces the first ending, is marked Più mosso, quasi Allegro. The ppp of the first ending gives way to ff. Majestic trumpets and trombones – accompanied by rising scales in the strings and woodwind, and by chords in the horns, harps, harmonium and strings – set the scene for a reappearance of the chorus. Three repetitions of a single word, Hallelujah, bring the work to a towering conclusion with a plagal cadence in B major.
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〜［Excerpt from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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ダンテの神曲による交響曲S.109、または単に「ダンテ交響曲」は、フランツ・リストが作曲した合唱交響曲である。 神曲』に描かれたダンテ・アリギエーリの地獄と煉獄の旅を題材に、高雅なロマン派様式で書かれた。 1857年11月7日にドレスデンで初演された。 1857年11月、リスト自身の指揮で作曲され、非公式にリストの友人であり、後に義理の息子となるリヒャルト・ワーグナーに献呈された。 交響曲全体の演奏時間は約50分。
批評家の中には、ダンテ交響曲は古典的な意味での交響曲というよりも、2つの描写的な交響詩だと主張する者もいる。 ダンテは2つの楽章からなり、いずれも緩やかに構成された3部形式で、主題の転換はほとんど用いられていない。
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【作曲】
リストは1840年代初頭からこの作品のテーマをスケッチしていた。 フランスの詩人ジョゼフ・オートランは、リストが1845年の夏、真夜中に誰もいないマルセイユ大聖堂のオルガンで「ダンテの神曲による情熱的で壮大な交響曲」を即興演奏してくれたと回想している。 1847年、彼はポーランドの愛人カロリン・ズー・セイン＝ヴィトゲンシュタイン王女のために、いくつかの断片をピアノで弾いた。 作曲の初期段階では、この作品の演奏には、画家ボナヴェントゥーラ・ジェネッリによる『神曲』の場面を描いたスライドショーを添えることがリストの意図だった。 また、第1楽章の最後に地獄の風を再現するために、実験的な風力機械を使うことも計画していた。 カロリン王女はその費用を負担してくれたが、この野心的な計画は何も実現せず、交響曲は1855年までお蔵入りとなった。
1855年6月、リストは交響曲の作曲を再開し、翌年末までにそのほとんどを完成させた。 このように、ダンテ交響曲の作曲は、リストのもうひとつの傑作であるファウスト交響曲の作曲とほぼ同時期に行われた。ファウスト交響曲は、ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテの戯曲『ファウスト』に着想を得たものである。 このような理由から、またリストが作曲した唯一の交響曲であることから（唯一の交響曲ではないことは確かだが）、ダンテ交響曲とファウスト交響曲はしばしば一緒に録音される。
1856年10月、リストはチューリッヒにリヒャルト・ワーグナーを訪ね、ピアノでファウストとダンテの交響曲を演奏した。 ワーグナーは、ダンテ交響曲のフォルティッシモの終結部について、楽園の描写としては不適切だと批判していた。 自伝の中で、彼は後にこう書いている：
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ゲーテの戯曲『ファウスト』から着想を得たこの交響曲は、ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテの戯曲『ファウスト』にインスパイアされたものである。リストの卓越した詩的な着想力を確信させるものがあるとすれば、それは『ファウスト』交響曲のエンディングだった。 ダンテ交響曲のエンディングは、私にはまったく同じ路線にあるように思えた。同じように繊細に導入されるマニフィカトは、柔らかくきらめく楽園をほのめかすだけだからだ。 私は、この美しい暗示が、突如として、聖ドミニコを表すと言われた、尊大で、大げさなカデンツによって、憂慮すべき形で中断されたのを聴いて、さらに驚いた。
「違う！」。 私は大声で叫んだ！ もういい！ 荘厳な神はいない！ あの美しい柔らかな煌めきを私たちに残してください！」。
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リストはそれに同意し、当初はそのつもりだったが、カロリン王女に交響曲を華々しく終わらせるよう説得されたのだと説明した。 彼は終結部の小節を書き直したが、印刷された楽譜では、ピアニッシモのコーダに続いてフォルテッシモのコーダを演奏する選択肢を指揮者に残していた。
リストの当初の意図は、インフェルノ、プルガトリオ、パラディソの3楽章で構成することだった。 最初の2曲は純粋な器楽曲で、フィナーレは合唱曲になるはずだった。 しかしワーグナーは、この世の作曲家では楽園の喜びを忠実に表現することはできないとリストを説得した。 リストは第3楽章を削除したが、第2楽章の最後に合唱のマニフィカトを付け加えた。 ダンテのように、聴き手は天国の高みを見上げ、その音楽を遠くから聴くことになる。 さらに、リストの研究者であるハンフリー・サールは、リストは天上界よりも地獄界を描く方が性に合っていると感じていたかもしれないが、音楽で楽園を描くことは彼の力を超えるものではなかっただろうと論じている。
リストは1857年の秋に交響曲の最終仕上げを行った。 初演は1857年11月7日、ドレスデンのホフト劇場で行われた。 リハーサルが不十分だったため、演奏は大失敗に終わり、指揮をしたリストは公の場で屈辱を味わった。 にもかかわらず、彼はこの作品に固執し、1858年3月11日にプラハで再演（交響詩「イデアレ」、ピアノ協奏曲第2番とともに）を指揮した。 カロリン王女は、この交響曲の珍しい形式を聴衆が理解できるように、このコンサートのためにプログラムを用意した。
交響詩『タッソ』や『プレリュード』と同様、ダンテ交響曲は革新的な作品であり、管楽器の効果、現代音楽のトニック優位の偏りを避けた進歩的な和声、無調性の実験、珍しい調号や拍子、揺れ動くテンポ、室内楽的な間奏曲、珍しい音楽形式の使用など、数多くの管弦楽的、和声的進歩を特色としている。 ニ短調とロ長調という根本的に異なる調性で始まり、終わるこの交響曲は、グスタフ・マーラーの交響曲での使用を40年も先取りしている。
ダンテのコメディアに触発された交響曲作曲家はリストだけではない。 1863年、ジョヴァンニ・パチーニは4楽章からなるシンフォニア・ダンテを作曲した（フィナーレはダンテの地上への凱旋を描いている）。
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【楽器編成】
ピッコロ1（第2楽章では第3フルートを兼ねる）、フルート2、オーボエ2、イングリッシュホルン1、クラリネット2（B♭とA）、バスクラリネット1（B♭とA）、ファゴット2、ホルン4（F）、トランペット2（B♭とD）、テナートロンボーン2、バストロンボーン1、テューバ1、 ティンパニ2組（奏者は2人必要）、シンバル、バスドラム、タムタム、ハープ2台（第2楽章のみ2台目）、弦楽器、ハルモニウム（第2楽章のみ）、ソプラノとアルトからなる女声合唱団（第2楽章のみ）。
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【インフェルノ】
冒頭楽章は『インフェルノ』と題され、ダンテとヴァージルが地獄の9つの輪を通過する様子を描いている。 構成は基本的にソナタ形式だが、「インフェルノ」の重要な出来事を表すエピソードがいくつも挿入されている。 その中で最も長く、最も精巧なカント5のフランチェスカ・ダ・リミニのエピソードは、この楽章に三部作のような構造を与えている。
音楽は半音階的で調性が曖昧である。この楽章は基本的にニ短調であるが、ニ短調から限りなく離れたト音記号によってしばしば否定される。 和声は、しばしば解決されない減7度の連続に基づく。
《》地獄の門
楽章は3つのレチタティーヴォ風の主題に基づく緩やかな序奏（レント）で始まる：
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インフェルノ』カント3
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1 Per me si va nella città dolente、
2 Per me si va nell'eterno dolore、
3 Per me si va tra la perduta gente.
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9 Lasciate ogni speranza voi ch'entrate.
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1 私を通して、悲しみの都へ行く道がある、
2 私を通して永遠の悲しみへの道がある、
3 私を通して、失われた人々の間に道がある。
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9 ここに入る者は、すべての望みを捨てよ。
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これらの主題のうちの最初の主題は、すぐに少し形を変えて繰り返されるが、ニ短調で始まり、リストは地獄と関連づけたが、3トーン高いト♯であいまいに終わる。 この音程は伝統的に悪魔に関連付けられ、中世ではディアボルス・イン・ムジカとして知られている：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
第2主題は第1主題と密接に関連しているが、今回はG♯で明確な正統的カデンツがある：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
第3主題は、ホルンとトランペットがE♮で奏する聖歌のような単音で、ハ短調の弦楽器のトレモロに対抗して始まる。 G♯の減7度という調性的に曖昧な音程でカデンツする：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
これらの第1主題と第3主題は、2つのティンパニとタムタムで演奏される重要なドラムロールモチーフによって区切られ、楽章を通して様々な形で繰り返される：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
テンポが上がるにつれて、弦楽器によって第1主題に由来するモチーフが導入される。 この下降のモチーフは、ダンテとヴァージルが地獄に下る様子を描いている：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
これには、交響曲の冒頭主題に由来する、半音の上昇と下降に基づく別のモチーフ（アポジャチュア）が付随し、ホルンは第3主題をG♯で増強して演奏する：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
このパッセージは、第3主題から取られた金管楽器のモチーフによって強調される：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
これらのモチーフは、テンポが徐々に速くなり、緊張が高まるにつれて長く展開される。 音楽は暗く激動的である。 半音階的で無調的な素材の性質が、緊迫感と高まる興奮を伝えている。
《》前庭と地獄の第一サークル
このアッチェレランドのクライマックスで、テンポはアレグロ・フレネティコになり、拍子は普通拍子からアラ・ブレーヴェに変わる。 ヴァイオリンによって導入される第1主題は、序奏で聴いたのと同じ半音の上昇と下降に基づいている。 表向きはニ短調で始まるが、調性は曖昧：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
テンポがプレスト・モルトに上がり、管楽器と弦楽器がドミナントAのペダルの上で第2主題を演奏する：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
リストは、これらの主題が文学的にどのような意味を持つのかについて、言葉による手がかりを与えていないが、この序奏とそれに続く部分は、ダンテとヴァージルが地獄の門をくぐった後に通過する「ヴェスティブル」（死者が永遠に渦巻く標準を追い求めることになる場所）と「地獄の第一環」（リンボ）を表していると考えるのが妥当であろう。[要出典] 2つの主題の間の移行は、前庭と第1サークルを隔てるアケロン川を表している可能性さえある。紙面上では、ベートーヴェンが『牧歌交響曲』の「小川のほとりの情景」で用いたフィギュレーションを彷彿とさせるが、聴感上の効果はまったく異なる。
続く展開部では両方の主題がじっくりと探究されるが、序奏のモチーフも展開される。 第2主題はロ長調で聴かれる。 ダンテとヴァージルが地獄の奥深くへと下っていくにつれて、下降のモチーフが再び現れる。 音楽は大きなクライマックス（モルト・フォルティッシモ）に達し、テンポは冒頭のレントに戻り、金管楽器がドラムロールのモチーフを伴って、緩徐序奏の主題Lasciate ogni speranzaをイントネーションする。 リストは再び、インフェルノに対応する言葉を楽譜に記した。
《》地獄の第二サークル
ダンテとヴァージルが地獄の第2圏に入ると、弦楽器とフルートの半音階的な上昇と下降が、呪われた者たちを永遠に苦しめる地獄の黒風を想起させる。 音楽が停止し、静かな太鼓のビートが静寂へと導く。 5拍子のエピソード
ハープのグリッサンディ、弦楽器と木管楽器の半音階的なフィギュレーションで始まり、再び渦巻く風を呼び起こす：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
この主題は、冒頭と同じハープのグリッサンディと半音階的な音型を伴って、一対のクラリネットによって取り上げられ、拡張される。 バス・クラリネットによる4分の1高音での復唱の後、レチタティーヴォがコル・アングレによって演奏され、今度はリストが、義兄パオロとの不倫関係によって命と魂を奪われたフランチェスカ・ダ・リミニの言葉に曲をつけた：
〜...〜
インフェルノ』カント5
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121 .... 大きな悲しみはない
122 チェ・リコルダルシ・デル・フェリーチェ
123 ネ・ラ・ミゼリア
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121 .... これ以上の悲しみはない
122 幸せな時を思い出すより
123 悲しみの中で
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レチタティーヴォから派生した主題に基づく短いパッセージの後、アンダンテ・アモローゾと記されたエピソードが続く。 フランチェスカとパオロの悲恋は、やはりレチタティーヴォに基づく7/4拍子の情熱的な主題によってじっくりと描かれる。
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
不思議なことに、調号は、リストがしばしば神聖な音楽、あるいは祝祭的な音楽に用いる調であるヘ短調を思わせる。 ミュートされていない2つのヴァイオリンが、ミュートされている他のヴァイオリンと対照的である。
《》地獄の第七サークル
前回同様、次の地獄の輪への移行の前には、Lasciate ogni speranzaの主題が回帰する。 ハープのための短いカデンツァは、「黒い風」のモチーフを続け、リストが次のように記しているパッセージへと続く。 インフェルノ』では、ダンテは地獄の第7サークル（カント14）で冒涜的なカパネウスと出会う。 三連符、トリル、落下秒といった支配的なモチーフは、すべて以前にも聴いたことがある。
拍子はAlla breveに戻り、調号は取り消され、テンポはTempo primoに速くなり、続く再現部に備える。
《》再現部
最初の主題は増補されて再現されるが、以前は呪われた者たちの苦しみを表していたのが、今はその苦しみを従者の悪魔たちの口で残酷にパロディ化したものである。 テンポは速くなり、音楽はクライマックスに達する。第2主題は、序奏からほとんど変化することなく再現される。 おそらく、この再現部は地獄の第8周と第9周を表していると思われる。
《》コーダ
もうひとつのクライマックスはコーダへと続く。 楽章の最後のページは、下降モチーフと第2主題によって支配される。 クライマックスの後、音楽は一時停止する。 下降モティーフは、さらに大きなクライマックス（モルト・フォルティッシモ）へと一気に盛り上がります。 しかし最後の10小節では、Lasciate ogni speranzaの主題が最後に戻ってくる： ダンテとヴァージルが地獄からこの世の反対側に現れる。 楽章はニ楽章で終わるが、正規のカデンツはない。 冒頭から楽章を彩ってきた調性の曖昧さは、最後の小節まで維持される。
…
【プルガトリオ】
第2楽章は『プルガトリオ』と題され、ダンテとバージルが煉獄山を登る様子を描いている。 構成は三部形式。 第1楽章は荘厳で静謐な2部構成、第2楽章はより激動的で嘆き悲しむような雰囲気の中、フーガが壮大なクライマックスへと展開し、最終楽章では冒頭の雰囲気に戻り、主要主題が再現される。 この三部構成は、ダンテが描いた煉獄山の建築様式を反映しており、煉獄山は3つの部分に分けられる。すなわち、破門された者と悔い改めの遅れた者が罪を償う前煉獄の2つのテラス、七つの大罪が償われる煉獄山の7つのコーニス、そして山頂の地上の楽園である。
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《》煉獄
楽章はニ長調の遅いテンポで始まる（Andante con moto quasi Allegretto. Tranquillo assai）。 ミュート弦の揺れ動く和音とハープによる3連符のアルペジオの伴奏で、ホルンの独奏が冒頭の主題を導入する。 この主題は木管とホルンによって取り上げられ、21小節の後、ハープのアルペジオの上昇と下降の揺らめく靄の中で消えていく：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
調号はニ長調から変ロ長調に変更されている。 この静謐なエピソードは、おそらく前煉獄の最初のテラスに住む破門者を表している。
テンポはピウ・レントに変わり、調号はニ長調に戻る。 チェロが新たな主題を導入し、すぐにファースト・ヴァイオリンに引き継がれる：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
これも冒頭の主題のように消え去ると、徐々にコラール風の主題へと変容し、ホルンと木管が遅いテンポ（un poco meno mosso）で荘厳に抑揚をつける：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
この主題は長く展開され、第2主題の変奏と対位法的に組み合わされる。 最後に音楽は消え、静寂が訪れ、このロ短調の冒頭部は幕を閉じる。 前煉獄の第2テラスには、悔い改めた者たちが住んでいる。 カント7には、懺悔者たちがサルヴェ・レジーナを歌う美しい谷の夕暮れについての有名な描写がある。
《》煉獄山の七つの角笛
楽章の第2部はラメントーソと記されており、その苦悩に満ちたフィギュレーションは、冒頭部の幸福感に満ちた音楽とは対照的である。 ミュート・ヴィオラが主要主題を導入し、ロ短調の激越する断片が連なる。 音楽は、流れるような3連符に分かれる前に、懺悔者たちの懇願と苦しみを生々しく反映している：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
この主題は他の弦楽器に引き継がれ、5声のフーガが続く。 木管が懇願し（dolente）、音楽はより大きく、より激しくなる（gemendo）。 フーガがクライマックスに達するとホルンが加わり、その時点で音楽は断片に分解して柔らかくなるが、すぐに再び声を取り戻し、ベルリオーズのレクイエムの冒頭楽章を彷彿とさせる、フルオーケストラのためのヘ短調（グランディオーソ）の巨大なクライマックスへと盛り上がる：
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
短調から変ト短調、そしてト短調から変ホ長調へと、一連のシークエンスを経ていく。 チェロとコントラバスのスタッカートの3連符に、停止したホルンと木管の静的な和音が応える短い推移が続く。
調号はニ長調に戻る。 ヴァイオリンのレガートで奏される3連符は、木管の情熱的な音型（ジェメンド、ドレンテ、アパッショナート）とホルンのミュートされた和音によって伴奏される。 音楽が消え去り、チェロが事態を静止させる。
《》地上の楽園
長い休止の後、冒頭のコラールが弦楽器のピチカートを伴ってオーグメントで再現される。 冒頭のPiù lentoの主題が再び聴かれ、両方の主題が短く交互に現れる。 2台のハープが3連符を担当し、楽章冒頭主題の終結部の緊張が戻ってくる。 音楽は変ロ長調から変ロ長調に転調し、そのまま最後の合唱に至る。
《》マニフィカト
交響曲は、マニフィカトの最初の2行を女声合唱または少年合唱のために短く歌い、ホサナとハレルヤの連打で締めくくられる：
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マニフィカト
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マニフィカト・アニマ・メア・ドミナム、
わたしの霊を、わたしに敬い給え。
ホサナ
ハレルヤ
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私の魂は主をたたえる、
そして私の霊は、私の救い主である神を喜ぶ。
ホサナ
ハレル
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不思議なことに、コメディアのどこにもマニフィカトは出てこないし、ハレルヤも出てこない。
リストは楽譜の中で、合唱団を聴衆から隠すように指示している：
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女声合唱団や少年合唱団はオーケストラの前に置かず、ハルモニウムと一緒に見えないようにするか、オーケストラが円形に配置されている場合は、一番上に置く。 オーケストラの上に回廊があれば、そこに合唱とハルモニウムを配置するのがふさわしい。 いずれにせよ、ハルモニウムは合唱団の近くに置かなければならない。
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楽譜によると、この拍子は2/3拍子、つまり各小節が2つの付点2分音符に分かれている。 分割された弦楽器、木管楽器の揺れ動くフィギュレーション、2台のハープが奏でるアルペジオなど、きらめくような背景の中で、聖歌隊が言葉を唱える。
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
拍子が9/4（＝3/3、つまり各小節は3つの付点2分音符に分かれる）に変わると、テンポは速くなり、音楽は徐々に大きくなる。 聖歌隊は、私の救世主である神の勝利を歌う。
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
テンポはウン・ポコ・レントに落ち、トランペットの独奏が静寂に包まれた後、独唱がマニフィカトの冒頭をロ長調で歌う。
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
オーケストラ全体が同じフレーズを響かせる。 再び短い沈黙の後、合唱団は、独奏チェロ、ファゴット、クラリネットを伴って、マニフィカトの2行目のコラールを歌う。
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
勝利のコーダでは、分割された合唱が、ダンテがエンピレウスに向かって球体ごとに上昇していく様子を反映した、注意深く作られた一連の転調の中でホサナとハレルヤを歌う。ホザンナがG♯からCへと一歩一歩下降すると、ハレルヤはG♯からFへと上昇する。 このパッセージでは、バスが全音音階をG♯からA♯まで下降する。 リストは、この全音音階の革新的な使い方を誇りに思っており、シュヴェリン管弦楽団の音楽監督ユリウス・シェーファーに宛てた手紙の中で、そのことに触れている。
...（楽譜は省略、楽譜はウィキ参照） ...
オーケストラはロ長調の静かなプラガル・カデンツで締めくくる。 作品はモルト・ピアニッシモで終わる。
第2楽章は、第1楽章と置き換わるのではなく、それに続くもので、Più mosso, quasi Allegroと記されている。 最初のエンディングのpppからfffへ。 荘厳なトランペットとトロンボーン-弦楽器と木管楽器の上昇する音階、ホルン、ハープ、ハルモニウム、弦楽器の和音を伴って-は、合唱の再登場の場面を設定する。 ハレルヤ」という一語が3回繰り返され、ロ長調のプラガルカデンツで作品は堂々と締めくくられる。
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フランツ・リスト
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.wikipedia.org/wiki/フランツ・リスト
Wikipedia HU(ハンガリー版) URL> https://hu.wikipedia.org/wiki/Liszt_Ferenc
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.wikipedia.org/wiki/Liszt_Ferenc
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Franz Liszt (22 October 1811 – 31 July 1886) was a Hungarian composer, virtuoso pianist, conductor and teacher of the Romantic period. With a diverse body of work spanning more than six decades, he is considered to be one of the most prolific and influential composers of his era, and his piano works continue to be widely performed and recorded.
Liszt gained renown during the 1830s for his skill as a pianist. Regarded as one of the greatest pianists of the time, he toured Europe during the 1830s and 1840s, often playing for charity. In these years, Liszt developed a reputation for his powerful performances as well as his physical attractiveness. In a phenomenon dubbed "Lisztomania", he rose to a degree of stardom and popularity among the public not experienced by the virtuosos who preceded him.
During this period and into his later life, Liszt was a friend, musical promoter and benefactor to many composers of his time, including Hector Berlioz, Frédéric Chopin, Robert Schumann, Clara Schumann and Richard Wagner, among others. Alongside Wagner, Liszt was one of the most prominent representatives of the New German School, a progressive group of composers involved in the "War of the Romantics" who developed ideas of programmatic music and harmonic experimentation.
Liszt taught piano performance to hundreds of students throughout his life, many of whom went on to become notable performers. He left behind an extensive and diverse body of work that influenced his forward-looking contemporaries and anticipated 20th-century ideas and trends. Among Liszt's musical contributions were the concept of the symphonic poem, innovations in thematic transformation and impressionism in music, and the invention of the masterclass as a method of teaching performance. In a radical departure from his earlier compositional styles, many of Liszt's later works also feature experiments in atonality, foreshadowing developments in 20th-century classical music.
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〜［Excerpted from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
フランツ・リスト（1811年10月22日-1886年7月31日）は、ロマン派時代のハンガリー人作曲家、ヴィルトゥオーゾ・ピアニスト、指揮者、教師である。 60年以上に及ぶ多彩な作品群により、同時代において最も多作で影響力のある作曲家の一人とされ、彼のピアノ作品は広く演奏され、録音され続けている。
1830年代にピアニストとして名声を得る。 当時最も偉大なピアニストの一人として知られ、1830年代から1840年代にかけてヨーロッパを演奏旅行し、しばしばチャリティーのために演奏した。 ロマン派の作曲家、ヴィルトゥオーゾ・ピアニスト、指揮者、教師。 リスト・マニア "と呼ばれる現象により、リスト以前のヴィルトゥオーゾたちが経験したことのないほどのスターダムと大衆の人気を獲得した。
この時代から晩年にかけて、リストは、ヘクトール・ベルリオーズ、フレデリック・ショパン、ロベルト・シューマン、クララ・シューマン、リヒャルト・ワーグナーなど、同時代の多くの作曲家たちの友人であり、音楽的推進者であり、後援者でもあった。 ワーグナーと並んで、リストは新ドイツ楽派の最も著名な代表者の一人であり、「ロマン派の戦争」に参加した進歩的な作曲家グループは、プログラム音楽や和声の実験的なアイディアを発展させた。
リストは生涯を通じて何百人もの生徒にピアノ演奏を教え、その多くは後に著名な演奏家となった。 また、同時代の先鋭的な作曲家たちに影響を与え、20世紀の思想や流行を先取りした、広範で多様な作品を残した。 リストの音楽的貢献には、交響詩の概念、音楽の主題転換と印象主義の革新、演奏指導法としてのマスタークラスの発明などがある。 リストの晩年の作品の多くは、それまでの作曲スタイルとは一線を画し、20世紀のクラシック音楽の発展を予感させる無調性の実験的な試みも行っている。
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List of compositions by Franz Liszt
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Franz_Liszt
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